Silent Nigth - Noche de Paz, una canción universal

Deseos de Paz para una Navidad en guerra

A lo largo de los siglos, se han compuesto cientos de villancicos navideños. Muchos caen rápidamente en la oscuridad. No es el caso de Silent Nigth (Noche de paz). Traducido a al menos 300 idiomas , designado por la UNESCO como un elemento preciado del Patrimonio Cultural Inmaterial y arreglado en docenas de estilos musicales diferentes, desde el heavy metal hasta el gospel, Noche de paz se ha convertido en una parte perenne del paisaje sonoro navideño.

Sus orígenes, en un pequeño pueblo alpino en el campo austriaco, fueron mucho más humildes. La letra de la canción fue escrita originalmente en alemán justo después del final de las guerras napoleónicas por un joven sacerdote católico austriaco llamado Joseph Mohr  que ejercía en la Parroquia de Santa María (Mariapfarr) del distrito de Salzburgo Langau. En el otoño de 1816, la congregación de Mohr estaba tambaleándose. Doce años de guerra habían diezmado la infraestructura política y social del país. Mientras tanto, el año anterior, que los historiadores más tarde denominarían “El año sin verano “, había sido catastróficamente frío. La erupción del Monte Tambora de Indonesia en 1815 provocó un cambio climático generalizado en toda Europa. La ceniza volcánica en la atmósfera provocó tormentas casi continuas, incluso de nieve, en pleno verano. 

Cartel conmemorativo de los 100 años

Wikimedia Commons.

Las cosechas fallaron y hubo una hambruna generalizada. La congregación de Mohr estaba asolada por la pobreza, hambrienta y traumatizada. En medio de este ambiente falto de esperanza y sin perspectiva de futuro, el joven sacerdote quiso regalar a la población un atisbo de luz con su poema navideño “Stille Nacht”. Mohr elaboró ​​un conjunto de seis estrofas para transmitir la esperanza de que todavía había un Dios a quien le importaba."La historia de fondo es que el sacerdote salió a caminar antes de escribirlo, y miró hacia un pueblo muy tranquilo cargado de invierno", dice el compositor y director John Conahan , quien coorganizó el Silent Night Sing-In con WRTI en 2018 y 2019, y creó un nuevo arreglo del famoso villancico.

"Mohr estaba inspirado... el pueblo estaba en paz". Tan inspirado como la gran Aretha Franklin en esta versión de su álbum del mismo nombre, una versión del villancico tan conmovedora y hermosa como se podía esperar de la gran dama del jazz. Esta nueva mezcla de Silent Night muestra la incomparable fuerza que realmente fue, tanto en la voz como en el piano.

El poema comienza como una canción de cuna para el niño Jesús recién nacido en la soledad y calma de la noche, y continúa durante sus seis estrofas con la reconfortante idea de la salvación que llega a través del nacimiento de Jesucristo y por el amor de Dios a todos los pueblos del mundo. “Noche de paz”, dice la versión alemana, “hoy se derrama todo el poder del amor paternal, y Jesús como hermano abraza a los pueblos del mundo”.

Enciclopedia Británica

Como talentoso violinista y guitarrista que era el joven sacerdote, probablemente podría haber compuesto la música para su poema. Pero en cambio, buscó la ayuda de un amigo. En 1817, Mohr se había trasladado a la parroquia de San Nicolás en la ciudad de Oberndorf, justo al sur de Salzburgo. Allí, le pidió a su amigo Franz Xaver Gruber , un maestro de escuela y organista local, que escribiera la música de los seis versos. Si hacemos caso a varias leyendas, ese día el instrumento de viento del templo estaba inutilizado por lo que Mohr pidió a Gruber que compusiera una canción que el coro pudiera cantar acompañado sólo por la guitarra.  Hagamos una pausa para deleitarnos con esta versión de Bing Crosby, el tercer sencillo más vendido de la historia de la música.

Por si la pobre gente no tenía bastante, el 30 de abril de 1818 un desastroso fuego incendió parte de la ciudad de Salzburgo, incrementando aún más la miseria y la pobreza de la zona. Fue en la víspera de Navidad de 1818, cuando el ahora famoso villancico se interpretó por primera vez como Stille Nacht Heilige Nacht (Noche de Silencio. Noche Santa). Los dos amigos lo cantaron juntos, con Mohr tocando su guitarra. Aparentemente, la canción fue bien recibida por los feligreses, la mayoría de los cuales trabajaban como constructores de barcos y transportistas en el comercio de sal, que era fundamental para la economía de la región.

Incendio de Salzburgo. Johann Michael Sattler, Salzburg Museum

La melodía y la armonización de Noche de paz se basan en un estilo musical italiano llamado “ siciliana ” que imita el sonido del agua y las olas: dos grandes tiempos rítmicos, divididos en tres partes cada uno. La música de Gruber reflejaba ese paisaje sonoro diario de la congregación de Mohr, que vivía y trabajaba a lo largo del río Salzach.Vamos a ver si lo identificamos en esta preciosa versión del Coro Femenino de la Catedral de Canterbury.

¿Cómo esta sencilla melodía, con sus palabras de consuelo, se convirtió en un amado himno de paz en todo el mundo? Según un documento escrito por Gruber en 1854 , la canción se hizo popular por primera vez en el cercano valle de Zillertal. A partir de ahí, dos familias itinerantes de cantantes de folk, los Strassers y los Rainer, incluyeron la melodía en sus espectáculos. Luego, la canción se hizo popular en toda Europa y, finalmente, en Estados Unidos, donde los Rainers la cantaron en Wall Street en 1839 . Al mismo tiempo, los misioneros de habla alemana difundieron la canción desde el Tíbet hasta Alaska y la tradujeron a los idiomas locales. A mediados del siglo XIX, Noche de paz llegó incluso a las comunidades inuit subárticas a lo largo de la costa de Labrador, donde se tradujo al inuktitut como " Unuak Opinak ". ¿Escuchamos otra versión? Esta vez será en estilo gospel, por la Soweto Gospel Choir. 

Quizás en ningún momento de la historia de la canción este mensaje fue más importante que durante la Tregua de Navidad de 1914 , (sí; hubo un tiempo en el que las guerras se paraban por Navidad, quién lo iba a decir) cuando, en el apogeo de la Primera Guerra Mundial, los soldados alemanes y británicos en el frente de Flandes depusieron las armas en Nochebuena y juntos cantaron Silent Night . Esta Tregua de Navidad fue tratada por los mandos como "Estado de Emergencia" y posteriormente la fraternización con el enemigo fue penada con la muerte. Aunque este històrico momento se haya convertid en 2014 el mejor anuncio de la Navidad, promocionando una cadena de supermercados, la leyenda viva de la Música  Paul McCartney publicó en 1983 Pipes of Peace, algo que se mereció una entrada en este blog. Preciosa ¿verdad?. 

foto: CBC News

El mensaje fundamental de paz de la canción, incluso en medio del sufrimiento, ha tendido puentes entre culturas y generaciones. Grandes canciones hacen esto. Hablan de esperanza en tiempos difíciles y de belleza que surge del dolor; ofrecen consuelo y consuelo; y son inherentemente humanos e infinitamente adaptables. Frank Sinatra, por quien los Estados Unidos celebró el 12 de diciembre 106 años de su natalicio lo hizo como nadie.

Después de que se perdiera el manuscrito original, durante décadas, algunos especularon que la música había sido escrita por Haydn, Mozart o Beethoven. En 1994, se encontró un manuscrito original con la letra de Mohr, con Gruber nombrado como compositor. A continuación, dos versiones instrumentales, una acorde a las fechas que vivimos y otra, digamos que “chocante”.

Y para despedirme, creo que es de recibo escuchar a unos niños, los verdaderos protagonistas de estas fiestas, cantar nuestro Noche de Paz.

Feliz Navidad a todos, los que siempre estáis ahí, a los que amáis la música como yo. Para desearos lo mejor, ahora y siempre.

Me confieso, me emociona la Navidad. Me emociona pensar que otro mundo es posible y que está en todos nosotros. Así que, para todos vosotros, para todos aquellas personas con las que intento construir otra realidad, que lo sepáis: ME GUSTA LA NAVIDAD, PORQUE ESTÁIS EN ELLA.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad y Paz para Ucrania!

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć. Bon lannwit. Fie. God nat. Usiku mwema. Oimore. Sula bulungi. Добрий вечір

Otras fuentes

https://www.enharmonia.es/blog/91-200-anos-de-noche-de-paz

https://www.lavozdegalicia.es/noticia/cultura/2018/12/24/noche-paz-villancico-versiones-historia/0003_201812G24P25994.htm

https://www.lavanguardia.com/musica/20181224/453639544347/silent-night-el-villancico-que-no-necesito-internet-para-viralizarse.html

 

Voces de mujer

Porque también en música hemos sido invisibles

“Lo que no alcanzo a entender es que

las mujeres no escriben más canciones.

Lo que nunca entenderé es porque

las mujeres no escriben más canciones.

 Si las mujeres escriben canciones

son las canciones más bellas del mundo,

son las que más

me hacen llorar.

Porque dentro de cada mujer

hay una historia en forma de canción

tal vez la canción

más bella del mundo.  (Jarabe de Palo)

Dentro de un par de meses se celebrará el cincuenta aniversario del Mayo del 68. Y dentro de cincuenta años posiblemente se recordará también el marzo del 18. Porque hemos vivido un 8 de marzo histórico: el de la revolución de las mujeres. En más de 150 países del mundo, desde Argentina al Kurdistán pasando por España, Turquía o Egipto, las mujeres bailábamos juntas la misma danza contra el patriarcado. Las calles se llenaban de piquetes, se ultimaban las pancartas, globos, camisetas, se sonreía con la locura de la complicidad. Batucadas, caceroladas, marchas nocturnas, toma de edificios para pernoctar en ellos, asambleas feministas, ríos de color lila llenando las calles del mundo. La danza era imparable.  Expectación e ilusión en el ambiente a partes iguales. Y la certeza absoluta de que nos hemos conjurado para hacer y cambiar la historia. “Si nosotras paramos se para el mundo”

Durante siglos hemos sido invisibles. Unas veces más y otras, menos, pero invisibles, transparentes. Estamos en escena y no se nos ve. Trabajamos en instituciones, congresos, departamentos sociales, y no se nos ve. Pintamos, escribimos, componemos, dirigimos orquestas, creamos arte, y no se nos ve. Se silencian nuestros nombres o se nos aparta del canon que es lo mismo que no ser. Todo tiene un por qué. La desigualdad de género lo tiene… tal vez no uno sino muchos porqués.

Pero, esencialmente, la respuesta está impresa a lo largo de la historia, en esa historia que nos han enseñado en los libros de texto. El estudio Análisis de la ausencia de las mujeres en los manuales de la ESO. Una genealogía del conocimiento ocultado nos indica que la presencia de mujeres en los libros de texto es muy baja: un 12,8%. Pero si se tiene en cuenta el número de apariciones -para aventurar su importancia-, las referencias a mujeres relevantes disminuyen hasta el citado 7,5% del total. Las mujeres no son protagonistas ni forman parte de la información verdaderamente relevante. Y lo peor es que esta presencia disminuye a medida que se va avanzando en los niveles de estudio. Pero esto no sucede solo en la enseñanza española. En inglés y francés, de hecho, la aparición de mujeres en los libros de texto es del 29% y el 21%, respectivamente.

¿Acaso la invisibilidad de la mujer llegó también a la música? Desde luego que sí. Hasta hace unos años las mujeres interpretaban canciones escritas por hombres, con lenguaje masculino y sin expresar sus propias ideas. Por suerte, hoy en día hay muchas más cantantes y excelentes compositoras. Esta noche repasaremos algunos temas musicales que rompen con estereotipos, moldes y personajes encorsetados, canciones que defienden la igualdad y promueven el empoderamiento de las mujeres, el respeto de las relaciones sanas y la diversidad sexual y afectiva. Canciones nuestras o que hablan de nosotras.

Lilith, de Pedro Guerra

“¿Quién fue la primera mujer, la que se hartó de vivir para Adán y se marchó del Edén? ¿Quién fue la mujer que pasó del paraíso del bien y del mal y sin pensarlo se fue? Ni heroína, ni princesa, ni voluble, ni perversa, crece libre y no se deja someter”

Pese a que en las creencias cristianas, judías y musulmanas Eva es considerada la primera mujer del mundo, algunas tradiciones hebreas hablan de Lilith como la pionera, anterior a ésta. La leyenda cuenta que Adán y Lilith no consiguieron hallar armonía juntos, ya que cuando él deseaba mantener relaciones sexuales, ella se sentía ofendida por la postura que él le exigía. De modo que lo abandonó y llegó a las orillas del Mar Rojo, donde residían muchos demonios. Allí, se entregó a la lujuria con ellos y engendró unos seres cubiertos de pelo, los lilim, que mataban a todos los niños menores de ocho días. Su rebelión hacia Adán ha llevado a grupos feministas a ubicar a Lilith como un símbolo de la liberación sexual y de la lucha contra el patriarcado, así como de la mujer orgullosa y altiva. El cantautor canario Pedro Guerra le dedicó esta canción.

Soy mujer, oye mis rugidos. Somos demasiadas como para que se nos ignore. Y sé demasiado como para recular y fingir, porque todo esto ya lo he oído antes. Y he estado ahí, en el suelo. Nadie va a volver a limitarme"

Hace más de 40 años, la ONU declaró 1975 como el Año Internacional de la Mujer y se estableció la celebración del Día Internacional de la Mujer el 8 de marzo. El himno oficial de ese año fue el I Am Woman de Helen Reddy. Ese mismo año también salió a la luz otro de los grandes éxitos de Reddy, Ain't No Way To Treat a Lady (que significa "Esa no es forma de tratar a una mujer"). La primera grabación de apareció en su álbum debut “I Do not Know How to Love Him”, lanzado en mayo de 1971, y se escuchó durante los créditos finales de la película de 1972 “Stand Up and Be Counted”. Una nueva grabación de la canción se lanzó como single en mayo de 1972 y se convirtió en el número uno más tarde ese año, y finalmente vendió más de un millón de copias. La canción se acercó al vértice de la era de la contracultura y, al celebrar el empoderamiento de las mujeres, se convirtió en un himno perdurable para el movimiento de liberación feminista.

“Tengo la piel amarilla y el pelo largo. Estoy entre dos mundos. Pero mi padre era rico y blanco. Violó a mi madre una noche. ¿Y cómo me llaman? Me llamo Saffronia"

Four Women de Nina Simone trata sobre los arquetipos de las mujeres negras y aborda cuestiones de identidad de este grupo de mujeres en un Estados Unidos posterior a la emancipación. Igual que otras canciones de Nina Simone, como To Be Young, Gifted and Black y Ain't Got No, I Got Life, transmite un potente mensaje feminista y de empoderamiento de la raza negra.

Ella de Bebe.

“Hoy vas a descubrir que el mundo es solo para ti. Que nadie puede hacerte daño, nadie puede hacerte daño. Hoy vas a comprender. Que el miedo se puede romper con un solo portazo”

La cantautora, valenciana de origen pero extremeña de corazón, fue una de las principales figuras femeninas de la canción española a mediados de la década pasada y su primer disco, “Pafuera Telarañas”, supuso todo una revolución en las listas de éxitos y en las mujeres hispanas, ya que hacía mucho tiempo que no surgía una voz tan combativa y tan contundente en el panorama musical. Sus letras eran demoledoras, sus temas de impacto, hicieron que muchas mujeres vieran en ella un altavoz de lo que pensaban. De su evolución mejor ni hablar, pero Ella es todo un himno.

María se bebe las calles, de Pasión Vega

 “María se fue una mañana. María sin decir nada. María ya no tiene miedo. María empieza de nuevo. María yo te necesito. María escapó de sus gritos. Se bebe las calles María. Ella nunca dice que no, es la esclava de su señor, ella siempre lo perdona, a sus pies sobre la lona, su patria es su casa, su mundo la cocina y se le viene encima”

Convertida en himno para las mujeres que sufren malos tratos, es un buen ejemplo para confirmar que la música también combate la violencia de género. La cantante de origen gaditano Pasión Vega adquirió mucha notoriedad con esta dramática historia con final feliz que explica cómo una mujer llamada María vivía una historia de amor que le hacía sufrir, ya que “limpia su llanto, maquilla sus heridas y se le va la vida”. Un día decide romper con todo y abandonar a quien le hace infeliz.

Sacar la voz de Ana Tijoux con Jorge Drexler de invitado.

"Respirar para sacar la voz. Despegar tan lejos como un águila veloz. Respirar un futuro esplendor cobra más sentido si lo creamos los dos. Liberarse de todo el pudor tomar de las. Riendas no rendirse al opresor. Caminar erguido sin temor respirar y sacar la voz"

La cantante franco-chilena Ana Tijoux defiende los derechos de las mujeres tanto en el escenario como en cualquier espacio de su vida, así que cuando le preguntan sobre el mundo al que se dedica, no duda en decirlo alto y claro: "No es que el rap sea machista, el mundo es machista". "Ni sumisa ni obediente, mujer fuerte, insurgente, independiente y valiente", dice en una de sus canciones más conocidas, Antipatriarca, y ese grito feminista no se queda sólo en los escenarios. "Vivimos en un momento histórico en el que los hombres y mujeres tenemos que declararnos feministas", exclamó, aunque dice que es "una tarea permanente" que hay que practicar y revisar en todos los contextos de la vida.

Sisters, O Sisters, de Yoko Ono

"Libertad, oh, libertad. Por eso luchamos. Y, sí, queridas hermanas, tenemos que aprender a luchar"

Con esta canción, Yoko Ono pide a las mujeres que tienen más poder que se alcen y ayuden a sus hermanas oprimidas. Sisters, O Sisters forma parte de su álbum conjunto con John Lennon, “Some Time in New York City”.

Different Drum, de Stone Poneys (con Linda Ronstadt)

"No estoy diciendo que no seas guapo. Lo que digo es que no estoy preparada para que ninguna persona, ningún lugar ni ninguna cosa intente frenarme"

Otra oda a la independencia femenina, esta versión de Different Drum trata sobre el crecimiento personal como mujer.

No More Tears (Enough Is Enough), de Donna Summer y Barbra Streisand

“Si ya estás harta, no aguantes sus cosas, no lo hagas. Si ya has acabado, coge la cuenta y paga, puedes hacerlo. Dile que se vaya. No hay más que hablar. Métele el chubasquero en la mochila, acompáñale a la puerta. Mírale a los ojos y grítale: Ya he tenido bastante"

Este dueto entre Donna Summer y Barbra Streisand trata de animar a las mujeres a dejar las relaciones perjudiciales y a entender que no le deben nada a su pareja.

Respect , de Aretha Franklin

“Lo que quieres, yo lo tengo. Lo que necesitas, tú sabes que yo lo tengo. Todo lo que pido es un poco de respeto”

A mediados de la década de 1960 Aretha Franklin se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos. Ella fue un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina. En realidad, Respect es una canción soul que primero interpretó Otis Redding en 1965. Dos años después Aretha Franklin grabó una versión y fue su primer single en llegar al número uno, gracias a lo cual su carrera subió a lo más alto. Probablemente, la ferocidad en la interpretación de Franklin en la canción venía de su matrimonio problemático. Varias son las canciones que le dedica a esta reivindicación. "Una mujer no es más que un ser humano. Deberíais entenderlo. No es solo un juguete. Es de carne y hueso como un hombre" canta en Do Right Woman, Do Right Man

La música es capaz de curar, de movilizar y de cambiar pensamientos. La música es capaz de todo. Y más aún en una sociedad en la que la mujer todavía nos enfrentamos a la más feroz desigualdad. En esa lucha, la música también adopta un papel fundamental. Hay otros temas que también hablan de mujeres valientes, Ya se acabó el tener dueño, de Camela; Y en tu ventana, de Andy y Lucas; Quítame este velo, de Amistades peligrosas; Malo, de Bebe...Seguro que habrá muchas más canciones que vosotras y vosotros conocéis, y os animo a compartirlas en este espacio. Solo tenéis que proponerlas y prometo incluirlas.

Es verdad que la revolución o será feminista o no será. Pero también es verdad que la tendremos que hacer con ellos. Por eso le dejaremos un pequeño espacio a Jarabe de Palo por habernos dedicado la canción con la que inicio este post.Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus.

Amazing Grace

Maravillosa Gracia / (Eso es dulce para escucharlo) / Que salvó a un miserable como yo. / He estado perdido, / pero ahora encontrado a mí mismo, / yo era ciego y ahora veo”.

¿Quién no ha escuchado alguna vez esta emblemática canción? Es conocida no sólo dentro de los medios religiosos, sino también, ampliamente, dentro del ámbito secular. Y eso es así porque Amazing Grace es uno de los himnos más populares del idioma inglés. En la parte inferior de la foto, se lee el primer verso, exactamente lo que Barack Obama cantó en el funeral de las víctimas de la matanza de Charleston, el 17 de junio de 2015.

  

Yo lo conocí a través de Judy Collins en 1993 y desde entonces me persigue. Se escucha en todas partes: en series, en anuncios, en películas… 

Lo más interesante es cómo se escribió esta canción, una historia tan fantástica que acabó siendo tema de un musical de Broadway. La primera estrofa describe una noche de tormenta en un barco de esclavos, durante el cual el autor de la canción, John Newton, se convirtió al cristianismo

En la noche del 10 de mayo de 1748, la tormenta golpeó el barco, así que John Newton había salido de la cubierta. El marinero que tomó su lugar fue arrojado por la borda. En su desesperación, se llegó a la conclusión de que hay vidas podrían salvarse sólo por la gracia de Dios y se comprometió a dedicar su vida a profesar el cristianismo caso de salir con vida.

La realidad fue que el marinero cumplió su promesa. Estudió como autodidacta, latín, griego y hebreo. Se acercó al entonces líder de la Iglesia Metodista Calvinista George Whitefield y se reunió con el fundador del metodismo, John Wesley. Se convirtió en pastor y trató de ser arzobispo, pero su nombre fue rechazado debido a su pasado que, además de incluir el comercio de esclavos, fue marcado por una vida, tal como define el propio John Newton, desgraciada y libertina.

La prueba del particular sentido del humor del destino de este hombre es que el trabajo del antiguo comerciante de esclavos influyó en el líder del movimiento por la abolición de la esclavitud en Inglaterra, William Wilberforce. La vida de este activista fue plasmada en el film "Amazing Grace”.

John Newton se convirtió en el líder de la iglesia Woolnoth St. Mary en Londres, que todavía existe hoy en día. También realizó un trabajo muy productivo como un predicador itinerante, escritor de himnos, compilador de letras de himnos, escritor de un periódico religioso y autor de numerosas cartas.

"Amazing Grace" es, pues, la más conocida de sus inspiradoras composiciones, la cual vio la luz para ilustrar un sermón en el día de Año Nuevo de 1773. Seis años después de su creación, este poema fue impreso y publicado por primera vez en 1779 como parte del libro o compendio de poemas e himnos llamado "Himnos de Olney", de Newton y Cowper. Era el himno número 41 de la primera sección del libro, bajo el encabezado "Faith's Review and Expectative" ("Reseña y Expectativa de la Fe"). Posteriormente se le llegó a conocer como "Amazing Grace", en base a su frase inicial. El gran misterio de la canción es la melodía. No se sabe si había música para acompañar los versos, puesto que pudo ser recitado por los feligreses sin melodía. Algunos dicen que fue una canción tradicional de la época y otros que la melodía fue creada por los esclavos en África que tienen que cantar los versos de John Newton.

La letra de "Amazing Grace" ha sido adaptada a más de veinte melodías. No era raro en ese entonces que una misma letra de un himno religioso fuese cantada con diversas melodías. Por eso circularon durante un tiempo muchas diferentes versiones musicales de ese himno.

Amazing Grace saltó la categoría de himno para la música popular de contenido político en los Estados Unidos. Fue grabado por Mahalia Jackson en 1947 y luego se usa en la década de 1960 como una canción cantada en las manifestaciones por la igualdad de derechos civiles entre negros y blancos y en contra de la guerra en Vietnam.

Son cientos las versiones de esta canción. Elegir una muestra no es nada sencillo. Yo he elegido unas cuantas. Las de Aretha porque me pareces sublimes. El resto porque forman un buen mosaico de lo que esta canción ha significado y significa en la historia de la música. Espero que si tenéis una versión que os gusta mucho la compartáis con nosotros.

 

Y para acabar, esta maravilla al saxo de Robert Williams . Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Nada más publicar esta entrada, mi buen amigo Pedro Ignacio Tofiño nos propone estas maravilla. La flauta india es imposible definirla. Gracias, Pedro; de corazón.

Otra propuesta muy interesante del tro(b/v)ador: "melodía que se toca solo con notas negras compuesta por un blanco y cantada por un negro. Gracias!

2-6-2020
Hoy mi amigo Joan Fornsubirà ha publicado en su muro de Facebook lo siguiente:

JUDY COLLINS Y EL ‘AMAZING GRACE’ MÁS SOLIDARIO

Hace dos semanas la legendaria cantante Judy Collins sorprendió a sus seguidores invitándoles a participar en una versión coral de la canción Amazing Grace: “vamos a hacer una grabación Coral Virtual Global en la que espero que tú formes parte. Invitamos a voces y coros de cualquier lugar del mundo”. En la iniciativa, cuyos beneficios se destinarán al Fondo de Respuesta Covid-19 de la OMS, han participado 1.000 aficionados que ha enviado sus grabaciones, las voces de Judith Owen, Steve Earle, Madeleine Peyroux o Mandolin Orange y miembros de la New York Choral Society, el Soweto Gospel Choir o el Orfeón Donostiarra.

Creo que tanto los motivos solidarios de la iniciativa como quienes participan y la grabación se merecen aparecer en esta entrada. Mil gracias, Joan.

Nessun Dorma

¡Que nadie duerma! ¡Que nadie duerma!

También tú, oh Princesa,

en tu fría habitación

miras las estrellas

que tiemblan de amor y de esperanza.

Mas mi misterio está encerrado en mí.

Mi nombre nadie lo sabrá. No, no.

Sobre tu boca lo diré

(Puccini: Sólo cuando la luz brille)

Cuando la luz brille

(Puccini: ¡No, no, sobre tu boca lo diré!)

Y mi beso derretirá el silencio

que te hace mía.

Voces de mujeres

Su nombre nadie sabrá...

¡Y nosotras, ay, deberemos, morir, morir!

El príncipe desconocido

¡Disípate, oh noche!

¡Tramontad, estrellas! ¡Tramontad, estrellas!

¡Al alba, venceré!

¡Venceré!

¡Venceré!

¿En qué lugar, en dónde, a qué deshoras

me dirás que te amo? Esto es urgente

porque la eternidad se nos acaba..."

¡Que nadie duerma todavía! Es sábado y nos podemos permitir regocijarnos un rato con este género que a pesar de lo que pueda parecer se hace popular día a día: la ópera, ese arte global que combina música, literatura, acción, drama, decorados, danza, artes visuales, escenografía…

La ópera Turandot, de Giacomo Puccini, fue estrenada el día 25 de abril de 1926, en el Teatro La Scala de Milán, dos años después de la muerte del autor, que no pudo acabarla. En aquél día, Arturo Toscanini, al final del tercer acto, detuvo la orquesta y con la partitura de Puccini en la mano se giró al público y dijo "Aquí termina la ópera, porque en este punto murió el maestro"   

La evolución de las anteriores obras de Puccini culminó en una ópera de una belleza incomparable, como lo atestiguan esos fragmentos que han sobrepasado la línea de la ópera para llegar al gran público en forma universal.

Turandot tiene su origen probable en un relato persa, "Las siete princesas". Como tantísimos cuentos clásicos, cuenta que una princesa no encontraba a ningún hombre digno de ella. Por eso, un día decidió encerrarse en una fortaleza y sentenciar que sólo se entregaría al hombre que la encontrara después de pasar por varias adivinanzas y enigmas.

En el tercer acto se encuentra una de las arias para tenor más conocidas, Nessun dorma, que representa la victoria del amor sobre el odio.

Nessun dorma se transformó en el caballo de batalla de Pavarotti y en su bis obligado. Fue su aria por excelencia y la cantó en su última actuación: al final de la Ceremonia de Apertura de los Juegos Olímpicos de Turín 2006, donde recibió la mayor ovación de la noche. El tenor tuvo que cantar en playback pues ya estaba gravemente enfermo de cáncer. Pero el grande entre los grandes se fue pero nunca, nunca nos abandonó.

La entrega de los Premios Grammy de1998 tuvo un momento extraordinario para la música y un regalo de humildad en la escena: la cantante Aretha Franklin interpretó Nessun Dorma para rendir homenaje a Pavarotti ausente en el evento. De gran significación para los músicos fue la decisión de la cantante de mantener el registro de Pavarotti en el tema. De esa manera "musical" Pavarotti estaba allí. Ello fue un gesto de amor al canto, de respeto al cantante y de humildad de ella.

Sí, hay algo de ornamentación al final, pero para eso está la ópera destinada. Esta música no es para ser momificada. ¡Es música! Se supone que debe estar viva, hacer temblar de emoción, para empujar los límites y sangrar cuando se corta. Y la gran Aretha lo consigue; vaya que sí.

Otra sorpresa fue descubrir la versión libre de Mina Mazzini en su disco dedicado a la ópera “Sulla tua boca lo dirò”. Además, lanzándose a interpretar arias reservadas para voces masculinas entre ellas la protagonista de esta noche de sábado.

Mónica Naranjo, la artista de las notas imposibles, la cantó en enero de 2011 en una gala-homenaje al tenor vivo más importante, Plácido Domingo.

Ah! Además fue utilizada en la presentación de los nuevos jugadores la temporada 2009-2010 en el Real Madrid :)

Turandot es una de las óperas más amadas y representadas en todo el mundo y con su carácter fantástico, caldo de cultivo excelente para impresionantes puestas en escena o vestuarios espectaculares.

Si queréis saber más clicad aquí para ver el libreto con traducción al castellano y aquí para ver la partitura completa.

Over the Rainbow

"A veces vivir entre la gente es sentirse como una hoja zarandeada; por eso sobreviene la necesidad de aislarse y empezar a soñar" (Cèsare Pavese)

Over the rainbow, cuya música es de Harold Arlen y la letra de E.Y. Harburg, es una de las más famosas canciones de finales de la década de los 30 y ha sido versionada por algunos de los más grandes músicos de la historia. Hace años, 7 creo, Jesús se tomó la molestia de recopilar nada más y nada menos que 74 versiones de la canción, de las 133 que recoge Wiquipedia. Las escuchaba en el coche y ninguna me parecía igual. 

Over the rainbow (en castellano, "Sobre el arcoiris"), es el tema más recordado de la película de 1939, El mago de Oz, un clásico esencial, desde mi punto de vista la mejor película infantil de todos los tiempos, la aventura más inolvidable.

La película, convertida con el paso del tiempo en un elemento en la iconografía gay, se basa en la novela de L. Frank Baum, una lectura infantil obligatoria en Estados Unidos, a quien la productora pagó 75.000 dólares por los derechos de su libro. En el guión participaron docena y media de escritores, entre ellos Arthur Freed y el mismísimo Herman Mankiewitz, el guionista de "Ciudadano Kane". 

La canción, especialmente escrita para Judy Garland, ha sido considerada en numerosas ocasiones como una de las más grandes del siglo XX, aunque se dice que casi fue eliminada del filme porque se consideraba que disminuía el ritmo de la película, pues la mayoría de la música en la misma es más energética, en contraste con esta suave melodía. Todo el filme tiene frecuentes referencias instrumentales a la canción, incluida la secuencia inicial. Parte de la canción fue cortada de la película. Había un verso adicional, cuando el personaje Dorothy estaba encerrado en un cuarto del castillo de la bruja, esperando la muerte. Una grabación de un ensayo sobrevivió y fue incluida en una edición de lujo.
Posteriormente, la canción acompañaría a la actriz durante toda su vida: en todas sus apariciones públicas se le pedía que la cantara.

Garland escribió sobre esta canción a Arlen:

"'Over the rainbow se ha convertido en parte de mi vida. Simboliza tan bien los deseos y sueños de la gente que estoy segura de que ése es el motivo por el que la gente llora cuando la oye. La he cantado cientos de veces y sigue siendo la canción que llevo más cerca del corazón."

Las consultas de psicólogos, psiquiatras, curanderos, gurús y hechizeros de todo tipo están llenas de personas insatisfechas con su vida que necesitan pasear por el arco iris.

Me ha costado muchísimo decidirme por unas versiones en lugar de otras. La de Aretha Franklin o la de Ray Charles me parecen sublimes.

Pero hay otras versiones con personalidad propia como la de Israel Kamakawiwo

La fallecida Eva Cassidy, la cantante que nunca quiso serlo, le da un toque mágico convirtiéndola en algo intenso.

Esta versión del saxofonista Ben Webster tiene un aire nocturno indiscutible.

En algún lugar sobre el arcoiris
muy, muy alto…

hay una tierra de la escuché hablar

en una canción de cuna.

En algún lugar sobre el arcoiris,

los cielos son azules

y los sueños que te atreves a soñar

se vuelven realidad.

Algún día pediré un deseo a una estrella

y despertaré muy lejos de las nubes

dejándolas atrás,

donde los problemas son como gotas de limón

lejos, muy por encima de las chimeneas,

ahí es donde me encontrarás.

En algún lugar sobre el arcoiris

vuelan pájaros celestes.

Los pájaros vuelan por encima del arcoiris,

entonces, ¿por yo no podría?

Si los pájaros vuelan alegremente

más allá del arcoiris…

¿Por qué yo no podría?