"Quiero demostrar que una cantante de ópera lo puede
cantar todo”
Fotografía de dzen.ru
Esta
noche os quiero presentar a Ekaterina Shelehova,
una joven rusa residente en Milán, cuya voz cristalina (alguien diría que
sobrenatural) es como un bálsamo para cualquier corazón.
Nacida
en Kaliningrado, Rusia, en 1995, Shelehova
es una de las nuevas voces destacadas de la ópera, conocida sobre todo por su trabajo en teatros de ópera
canadienses e italianos, y una estrella en ascenso en la industria de la música. Mostró un interés temprano por la
música y comenzó a estudiarla cuando solo tenía tres años. Tomó lecciones de
canto y participó en varios concursos y festivales, ganando el primer premio en
el festival "Russian Hopes" cuando tenía seis años. También grabó un
CD de canciones infantiles rusas, “Lluvia”. Emigró a Canadá con su familia
en 2002. Estudió en el Conservatorio de Música de Toronto. La ópera de Bizet "Carmen" fue el
primer espectáculo en el que actuó, en el coro de niños. Tenía sólo 10 años en
ese momento. Ha cantado con la Opera Ontario, Opera Bel Canto de Melbourne y con
StageToneScape.
Archivo familiar
Pero
si algo la hizo popular fue por su participación en Italia's Got Talent, en 2021. Así la
conocí yo. El clip de su actuación se hizo viral con más de 100 millones
de visitas. Vale la pena pararse en ese momento porque para su actuación,
Ekaterina hizo algo muy inusual: no eligió ninguna canción. Cantó un tema original
completamente improvisado llamado Earth Melodies. Para demostrar cómo su voz es un instrumento que domina con destreza, la elevó hasta
convertirla en un trino de soprano y descendió hasta un tono bajo de barítono,
recordándonos alternativamente el canto de los pájaros y el canto gutural,
terminando con un tono alto, muy arriba, en esos registros que ponen nerviosos a
los coleccionistas de cristal fino.
Con ello, dijo,“quería mostrar lo que la voz puede llevar a cabo todo el proceso. Todo fue improvisado. Quería llevarlo al punto en el que no necesitamos palabras ni siquiera melodías para capturar lo que intentamos expresar.”
Ekaterina demuestra
su dominio de los idiomas cantando en inglés, italiano, francés y ruso,
mostrando así, además de su rango vocal, sus habilidades lingüísticas. En 2014,
se muda a Italia y se matricula en el Conservatorio di Milano, donde completó
su licenciatura en interpretación de ópera. Cabe destacar que en 2019, en colaboración con
iSing Opera Academy, actuó en una gira por varias ciudades de China. Un años después, estudió improvisación, técnicas vocales extendidas y música folklórica en
México. Solo tiene 28 años y se ha recorrido medio mundo actuándo.
En
2022 se unió a Era,
el popular grupo francés que combina cantos gregorianos con elementos modernos,
se convirtió en su vocalista principal y realizó una gira por Europa con ellos.
En abril de 2023, lanzó una hermosa
versión del clásico de culto de estilo nórdico Savage Daughter, un
poderoso himno que celebra la fuerza, la resiliencia y la independencia de las
mujeres. Explora la conexión entre una madre y su hija, enfatizando la desafío
y la determinación transmitida de generación en generación.
De
sus incursiones en el mundo del pop he elegido esta versión de una canción muchas
veces versionada, Make
You Feel My Love de Bob Dylan. Conmovedora.
Gracias
a su aparición en el programa Italy's Got Talent, le ofrecieron un contrato
para componer la banda sonora de una adaptación cinematográfica italiana de “La
tempestad” de Shakespeare. Para algo parecido estuvo en Madrid, en los estudiosCezanne, para encarnar la voz del agua, tema principal de la obra “Magallanes-Elcano.
La primera vuelta al mundo” que recrea el canto del mar y su lucha
permanente con los marineros que protagonizaron una de las historias más épicas
de la humanidad.
Además
de cantar y de dominar con fluidez 4 idiomas, Ekaterina fue gimnasta durante 8
años, tiene 5 años de experiencia en ballet y otros 2 en bailes de salón. Le
encanta estudiar psicología y adora a los animales. Publica música
constantemente en su canal de
YouTube y es muy activa tanto en TikTok como en Instagram o Facebook , donde comparte sus improvisaciones y grabaciones cortas.
Fotografía de El sol de Cuernavaca
Habrá quien considere que debería definir qué quiere ser de mayor, que picotear de todos los géneros le hace perder personalidad. Quizás. A mi, sin embargo, su versatilidad me encanta. El prodigioso dominio que tiene de ese maravilloso instrumento que es la voz humana me parece fascinante. Una voz clara, pura, con todos los registros, para todos los géneros. Espero que hayáis pasado un buen rato.
Cuidaos
mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡No a la invasión
rusa! ¡Libertad para Ucrania! Imposible acabar sin gritar: ¡Poned fin al
genocidio palestino!
Buenas noches.Bona nit.Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك. לילה טוב
"Posiblemente,
la voz femenina más bella del mundo” (Mojo Magazine)
Copyrigth: Alison Toon
Compartiréis
conmigo que la música es, por encima de todo, emoción. Emoción en estado puro.
Aunque esa emoción se transmite de muchas maneras, quizá la que deja mayor poso en
la memoria colectiva es la que llega a través de la voz. Los seres humanos
estamos programados para ello. Que voy persiguiendo voces de mujer, muy escasas
en mi nostálgico peregrinaje por mi pasado musical, no es nada nuevo. Este blog
ha dedicado más de 60 entradas a aquellas voces de mujer que descubro, me
descubren o me fascinan, y a los álbumes que, desde mi punto de vista, mejor
las captaron.
La escena
musical no ha dejado de ofrecernos mujeres a las que merece la pena prestar
atención. Sus mensajes y su música traspasan fronteras, pero ¡hay tanto por conocer!
Como diría mi hija, no me da la vida… Por eso cada vez que se cruza una nueva
voz que me llega hasta el fondo, la cazo al vuelo y empiezo a bucear en su
discografía.
Eso me ha
pasado de nuevo con la artista de esta noche, Cara Dillon. Me topé con ella, como es habitual, conduciendo (cosas de Spotify). Yo conocía a su hermana de Mary Dillon, del
grupo Déanta, que hace
mucho tuvo
su reconocimiento en este blog, pero de ella no he sabido nada hasta esta Navidad. Aunque en sus orógenes se la conocía como "la hermana de" en la actualidad Cara Dillon ocupa una posición
envidiable en lo más alto del género folcklórico irlandés por mérito propio. No
me negaréis que cuando Cara canta, su voz abraza.
Nacida en 1975,
en Dungiven, Irlanda del Norte, se crio en una familia musical inmersa en la
rica herencia cultural de su tierra natal. "Simplemente absorbimos
estas cosas",dice
ella. “Alrededor de los seis años, recuerdo sentir que se me erizaba
el vello de la nuca mientras alguien cantaba solo. No sabía por qué me sentía
así, pero era yo quien estaba enganchada a esta tradición viva y palpitante”. A los 15 años
ya era la vocalista de “Óige”, una banda irlandesa de su zona. Hela aquí en un
programa de TV.
Fue durante
una gira por Israel con “Óige” cuando Dillon se dio cuenta por primera vez de
que había algo realmente especial en su voz. Después del concierto, un hombre
le dijo que no había podido llorar por su pareja recientemente perdida, pero
que de repente finalmente por fin lloró mientras Dillon cantaba.“Tenía
17 años, y pensé que si mi voz puede hacerle eso a alguien, entonces tengo que tratarla
con un poco de respeto y no estar pensando en lo que voy a cenar mientras canto
el tercer verso.” afirmó
la cantante. En 1995, se
convirtió en la vocalista de Equation, un grupo
de folk irlandés que realizó giras por Europa y Oriente Medio y conoció a Sam Lakeman
con quién se casaría. (En la foto, Cara Dillon y su esposo, al piano, traen a sus
hijos gemelos de gira con ellos. Ahí es nada…)
A partir de entonces y durante más de 20 años de carrera ininterrumpida, Cara ha logrado una reputación
inigualable cautivando al público como líder de la música tradicional irlandesa, por lo que le han concedido todos
los premios folk existentes. Su música trasciende los géneros. Su voz,
asombrosamente hermosa, tiene la capacidad de llegar al alma de una canción e imbuirla de una dulzura profunda y conmovedora.
Cara Dillon tiene un raro talento con
el que solo te encuentras un puñado de veces en toda tu vida por el que ha conseguido un gran reconocimiento internacional. En España se ha
prodigado poco; sin embargo, lleva a sus espaldas una carrera envidiable que la
ha visto explorar oportunidades para recorrer muchos caminos diferentes, desde lanzar álbumes crossover folk
en el sello independiente Rough Trade,
que publicó sus primeros 3 álbumes en solitario que tuvieron un éxito de crítica
asombroso y la colmaron con innumerables premios, hasta trabajar en bandas
sonoras de Disney.
La canción que
acabáis de escuchar, Black is the color, es una de las más conocidas de
su primer álbum homónimo en solitario, publicado en 2001. He escogido esta
versión más madura, del álbum en vivo “Live At Cooper Hall”, (2021) álbum del
que también me encanta esta canción (disculpad este salto en el tiempo)
En esta su
oferta de debut, Cara Dillon canta con una confianza y fragilidad mucho más
allá de su edad. Desde la cadencia tradicional irlandesa de Donald de
Glencoe hasta la dulzura de Craigie Hill, la cantante tiene una
interpretación que se ve muy realzada por un arreglo escaso con un resultado casi etéreo, pero sin olvidar sus raíces celtas tradicionales. The
Lonesome Scenes of Winter es quizás el punto culminante del disco, con una
simple melodía similar a una canción de cuna sobre el amor y el matrimonio.
Dillon regresó
en 2003 con su segundo álbum, “Sweet Liberty”. El disco fue elogiado por su
mezcla equilibrada de folk tradicional y material original, lo que generó
comparaciones con Kate Bush,
(de la que Cara era fan
incondicional) en temas como Falling Like a Star.
2006 vio el
lanzamiento de su tercer disco, “After the Morning”. El álbum estuvo encabezado
por el sencillo Never in a Million Years, que acabó siendo la canción más
reproducida de su catálogo hasta ese momento.
Su cuarto
álbum en solitario, “Hill Of Thieves”, fue lanzado en 2009 con gran éxito tanto de crítica como comercialmente. Es un álbum de
"regreso a las raíces".
Tras el éxito
de “Hill Of Thieves”, Dillon se decidió reunir en el espectacular entorno del
prestigioso Grand Opera House de Belfast a
músicos tradicionales estelares que aparecieron para grabar la única actuación para un
álbum y un DVD. Cuenta
la crítica que las actuaciones resultantes estuvieron llenas de atmósfera y
pasión. La banda, totalmente acústica, teje hábilmente un hermoso telón de fondo mientras
Dillon relata con emoción las historias de estas canciones tradicionales.
En 2014,
aparece “A Thousands Hearts” con una producción y arreglos más
tradicionales que sus otros álbumes.
El nuevo larga duración contiene canciones tradicionales, incluidas dos cantadas en gaélico
irlandés , así como versiones modernas como River Run.
La Navidad es
una de las pasiones de Cara y lo demuestra en su disco “Upon a Winter's Night”
(2016) una colección de villancicos navideños clásicos e himnos celtas, junto
con material original.
Carla Dillon se
identifica con las “canciones de partida y añoranza por el hogar” que componen
su séptimo álbum. Hay un par de originales notables, pero dominan las baladas
tradicionales como The Tern and the Swallow, propios de su tierra natal una
versión de Dubhdarra del compositor irlandés Shaun
Davey
En este video
canta con Solas, un
grupo estadounidense de música tradicional irlandesa esta hermosa versión de
esta canción tradicional irlandesa, grabada especialmente para la BBC en el
concierto Song
For Ireland. (minuto 21:30)
Como broche
final, una curiosidad: Aquí tenéis la primera parte (de tres) de su actuación
con 27 años en los Conciertos
de Radio 3, presentando en 2001 su primer disco.
Cara Dillon
parece ser una mujer realmente sencilla; hay una dulzura encantadora en su
comportamiento amable, pero magistral en su capacidad para evocar sentimientos
y emociones. Espero que os haya gustado.
Cuidaos mucho.
Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa!
¡Libertad y Paz para Ucrania!
Buenas noches.
Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇.
Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイトBuonanotte. לילה טוב.Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا
شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভরাত্রি.
Laku noć. Bon lannwit. Fie. God nat. Usiku mwema. Oimore. Sula bulungi. Добрий
вечір
Un día durante
el confinamiento, en Spotify escuché ese tipo de canción que te hace poner el
oído preguntándote ¿Quién es esta mujer? ¿A quién pertenece esa voz? Una voz
soberbia, llena de belleza emocional, sostenida por un piano (un instrumento
que adoro). Todo ello acompañado a veces por el contrabajo o el arpa, sin
enmascararlo. Esa voz resultó ser la de una compositora y cantante danesa Agnes Obel. A causa de la
pandemia, acababa de posponer su concierto en la sala Barts de Barcelona. Sólo tiene cuatro álbumes, pero con ellos ha
forjado su exitosa carrera en su país natal durante la última década. Éxito al que
ha llegado a pesar de (o tal vez debido a) un estilo muy poco convencional. Su dulzura melódica y sus paisajes sonoros me
conquistaron desde el primer momento.
Agnes creció
en Copenhague, en un hogar con inclinaciones musicales: su padre era un músico
de jazz y su madre, jurista, era a su vez una reconocida pianista clásica. En
ese ambiente aprendió muy pronto a tocar el piano. “No tuve una infancia
como la de mis amigos que son músicos clásicos. No practiqué todas las horas
del día, no fui al conservatorio '”,dice. “Había
mucha música, pero estaba más dispersa, y como resultado, tengo un conocimiento
musical mucho más amplio. Ha sido bueno que haya tocado algo de jazz, aunque no
me he especializado en él. Y toqué algo de piano clásico cuando era pequeña,
así que sé un poco sobre eso. Siento que he estado expuesta a muchos géneros,
pero siempre me he guiado por mis propios intereses".
Su profesora
de piano clásico le dio siempre un consejo: toca aquello que te guste, haz solo
aquello con lo que disfrutes. Sin embargo, a los 17 años deja los estudios en
el instituto que le había dado la oportunidad de profundizar en la música con
idea de dedicarse a la producción y de aprender el oficio de la grabación. Quizás
por eso todos sus trabajos son de producción propia y, en su mayoría, grabados
en casa.
Fotografía de laphille
Tenía treinta
años cuando, finalmente, lanzó Philharmonics,
el álbum que inició su carrera en solitario en 2010 con el que consiguió seis
discos de platino en Dinamarca y tuvo excelentes resultados de ventas en varios
países europeos. El caudal de emociones
que había acumulado a lo largo de los años lo vuelca en este sobrio trabajo. Es
un trabajo puro, austero y equilibrado. Me encanta la mezcla instrumental y
la atmósfera melancólica. No me extraña que tuviera el éxito de la crítica
sobre todo en su país.
Fotografía de dw
Si me pidierias que escogiera una sola canción para describir la personalidad y el estilo de esta cantante para mi es, sin duda, Riverside, de éste su primer álbum, uno de los más
escuchados en las plataformas de música en streaming. El tema contiene
los elementos más característicos del trabajo de la artista: el piano,
acompañado de cuerdas, y una delicada voz que cuenta una historia. (¡qué pena no
saber inglés!)
En sus temas
instrumentales queda demostrada la influencia que ella reconoce de Erik Satie o Debussy, como sucede en
Falling, Catching.
Pero si tengo
que elegir la canción del disco que más me llega, sin duda es Smoke and Mirrors.
Ese piano…
El álbum “Aventine” le siguió
tres años después. Es otro trabajo austero, fascinante por su fluidez y
armonía. Alguien lo describió con precisión como "un maravilloso álbum de
otoño". La instrumental Setember Song es también una pieza
emblemática de su estilo; tiene un ritmo que toma al oyente de la mano y lo
sumerge en el tema.
Otras pistas para
mí muy notables son Fuel to Fire, con ese piano especialmente hipnótico, la
inquietante The Curse y la totalmente cautivadora Dorian.
Para su tercer
álbum, Citizen of
Glass(2016), Agnes Obel decidió
agregar nuevos colores a su paleta musical: un sintetizador monofónico de
finales de los años 20 llamado Trautonium, pero también la modulación de voces
electrónicas, una propuesta un poco “fantasmal” que la ayudó a establecerse en
el extranjero. Los arreglos de cuerdas
son más ambiciosos. Citizen of Glass es un álbum conceptual, un proyecto que
nace de un drama familiar. La muerte de su padre fue el punto de partida, pero
fue después de
leer un artículo en la revista Der Spiegel, sobre "el humano o el
ciudadano de cristal", que Obel encontró la inspiración. Un disco, según
sus propias palabras, "sobre cómo la tecnología distorsiona
nuestra percepción de la realidad y crea una paranoia, en el sentido de cómo
creemos ciertas cosas". También, "sobre nuestra forma
de mostrarnos al mundo y sobre cómo las redes sociales están cambiando nuestra
mente". De este álbum
empecemos con Familiar. Impresionante el juego de segundas voces.
Si sus dos
primeros discos fueron más íntimos, más centrados en la voz y el piano, (por
ello me gustan más) en este trabajo se ve claramente cómo la artista quiere
explorar sus posibilidades experimentando su relación tanto con los
instrumentos de cuerda como con su manera de multiplicar la propia voz. Los
instrumentos de cuerda son más… misteriosos. También hay más percusión. Esto es
lo primero que se escucha en la primera pieza Strecht Your Eyes.
Pero la cancion de este álbum que
más me gusta es Golden Green, delicada canción que preserva
la fragilidad de “Aventine”.
Myopia, su
cuarto y último trabajo de larga duración, el primero que publica con la prestigiosa
Deutsche Grammophon y el segundo de canciones autoproducidas en su estudio
casero de Berlín, continua en la línea de voces afinadas, perfeccionando sus
nocturnos espectrales, al borde del abismo melancólico tan acorde a los tiempos
que vivimos. Es un disco elegante pero inmerso en una gélida soledad que le
aleja cada vez más de sus orígenes. Las voces más lentas que ayudaron a “Citizen
of Glass” a hacernos sentir tan de otro mundo, aparecen desde el principio. Preciosas son Camera's Rolling y Broken Sleep, este último corte, un himno al
insomnio antes del amanecer en el que muchas nos podemos identificar.
El cierre
íntimo de Won't You Call Me me parece bellísimo, ofrece la calidez
suficiente para sugerir que un deshielo podría ser posible mientras se mantiene
la vibración fantasmal de todo lo anterior.
La artista
danesa compone siempre de noche. Para crear su último álbum, trabajó durante
dos años en la oscuridad nocturna, retirada en su estudio berlinés. Canta en inglés y casi siempre toca con una
banda compuesta exclusivamente por mujeres, cumpliendo un antiguo deseo secreto
de encontrar otras mujeres interesadas en esta escena musical. Su postura es
política en la medida en que ella es simplemente su "yo artístico": “Escuchar
y ver las cosas de una manera nueva, para que puedas experimentar las cosas
desde los ojos de otra persona”, para Obel, es en sí mismo un acto
político.
Bon any nou. Ein gutes neues jahr/ prost
neujahr. Štastný nový rok. Uspješna nova Godina. Godt nytår. Urte berri on. Šťastný nový rok. Srečno novo
leto. Onnellista uutta vuotta. Bonne année. Feliz aninovo. Καλή χρονιά. Gelukkig
nieuwjaar. Boldog új évet. Happy new year. Felice anno nuovo/ buon anno nuevo. Godt
nyttår. Szczesliwego nowego Roku. Feliz ano novo. La mulţi ani. Сновым годом. Gott
nytt år. 新年快. Manigong
bagong taon. 새해복많이받으세요. Selamat tahun baru. あけましておめでとうございます. สวัสดีปีใหม่
Teshi delek. Yeni yılınız kutlu olsun. Gelukkige nuwejaar. سنة جديدة سعيدة . Umwaka
mwiza. Heri za mwaka mpya. Barka da sabuwar shekara. Kiortame pivdluaritlo.
Bonan novja. Hauoli makahiki hou. Felix
sit annus novus. Rogüerohory!!!!!
¡Cuidaos mucho!
Otras fuentes https://elpais.com/cultura/2020/02/06/babelia/1581006023_260243.html https://www.agnesobel.com/ https://www.abc.es/cultura/musica/abci-agnes-obel-mente-aparato-tecnologico-sesgado-202002210058_noticia.html https://elpais.com/cultura/2017/07/31/babelia/1501514690_727177.html https://www.dodmagazine.es/grupos-indie/agnes-obel/
Entre el desasosiego y la incertidumbre que nos provoca la
pandemia, la vibrante colmena cibernética convertida en un estercolero y, a pesar de todo, el ritmo
implacable de la vida, hay un lugar especial para los álbumes que suspenden el
tiempo. Eso es lo que pretendo esta noche, suspender el tiempo. Porque, una vez
más, la música es la mejor forma de evasión.
La primera vez que escuché a Melanie de Biasio fue hace ahora más o menos 6 años, cuando
se anunció en los medios jazzísticos su primera actuación en España, en el Cartagena Jazz Festival. Me gustó mucho, así que anoté su nombre en
la lista (siempre las listas ordenando mi cabeza y mi vida) a la que van a
parar aquellas voces o artistas que me impactan, sorprenden, emocionan o
despiertan mi curiosidad. Y allí se quedó, a la espera de que algo me volviera a
conectar con su nombre y zambullirme en su voz para compartirlo luego con
vosotros. Por fin sucedió, cuando Facebook me recordó que hace un año volvió a
participar en el mismo festival. El viaje a través de su trayectoria ha sido espectacular.
Imágen de Today FM
Esta cantante belga, gamine y de voz suave, compositora, multinstrumentista y productora nació en
Charleroi, Bélgica, en una familia italiana originaria de Venecia, y creció
escuchando a María Callas, David Bowie, Pink Floyd y Jeff. Buckley. Si
bien estos nombres no influenciaron su música, sí que fueron importantes para
abrir su mente y desarrollar su sensibilidad artística. Seis años después de
haberla descubierto, he podido comprobar que su marca registrada sigue siendo la
misma: un sonido oscuro pero lleno de sensualidad. Inicialmente, se hablaba de
ella como “una nueva voz del jazz”, aunque del jazz “d'autres univers”, de
otro mundo, por así decirlo, una definición muy acertada, sin duda, tal y como
se puede apreciar profundizando en su corta discografía.
Imágen de Last FM
Su primer álbum “A Stomach Is Burning” (2007), reconocido como el mejor álbum de
jazz de ese año en los premios nacionales Les Octaves de la Musique
de su Bélgica natal, un álbum vocal de jazz en directo, está muy cerca del
sonido “humeante”, por decirlo de alguna manera, con el que sueñas tropezar en
un pub o club de jazz. Preferiblemente en París o Nueva York en, digamos, 1959.
(¿os hacéis a la idea?) Este disco me ha atrapado; quizás de todos el que más. Los
tiempos que nos están tocando vivir no son ajenos a esta emoción, supongo. El
suyo, digámoslo de salida, es un discurso minimalista y oscuro, verdaderamente
vanguardista (encajaría perfectamente en el MOMA, en la
Tate Modern o en el Reina Sofía) No es amable, pero sí extraordinario, algo verdaderamente diferente,
audaz, arriesgado e, insisto, artístico, en el sentido más global de la palabra
arte. Y también misterioso y sombrío: negro es su color.
He elegido estas cuatro canciones como podía
haber elegido otras cuatro ¡O todas!. Quizás le debería haber dedicado un monográfico a su primer álbum. Por ello os propongo que cuando necesitéis
refugiaros en vosotros mismos, cerreis los ojos y escuchéis todo el disco. En cada tema, De Biasio transmite sus estados de
ánimo, lo que le hace cantar, lo que a veces le quema el estómago, lo que le da
energía para plasmar sus sentimientos en notas, palabras, y compartir todo ello con
nosotros, a su manera. No os extrañéis si mientras la escucháis sentís un
escalofrío. Su “fuego”, ese que siente en el estómago, importa; es un fuego que se extiende entre las personas
que la escuchan.
Voy a hacer un paréntesis para incluir este video de una actuación de 2008. La cantante belga interpreta My Man's Gone Now un tema de la ópera de Gershwin, Porgy and Bess, incluído en el álbum. En esta ocasión, lo que más me ha sorprendido es su imagen.
Han pasado 7 años. “Me gusta el espacio en
la oscuridad porque puedes imaginar tantas cosas”. De Biasio se refiere
con ello en esta entrevista al ambiente inquietante y nocturno de su segundo álbum, “No Deal”, aparecido después de un largo silencio.
Imágen de Songkick
“Cuando voy al cine,
eso es lo que realmente me gusta”,continúa, “estar
sumida en las tinieblas y poder imaginar tantas cosas. Creo que también es
luminoso, en la oscuridad están todos los colores". Sin embargo, a pesar de sus tonos aparentemente monocromáticos, una atmósfera muy sombría y su instrumentación minimalista, todo el disco, canciones que luchan existencialmente con temas de amor y vida (qué haría yo sin el translator), está salpicado de
fragmentos relucientes. Aunque, para mí, sobre todo resplandece su fascinante voz.
Me hipnotiza.
“No Deal” no respira alegría. Son siete
canciones a través de las cuales su propia voz fluye con gracia, a veces
desapareciendo por completo. La estética de “menos es más” del álbum impregna
la música de manera casi cinematográfica. Quizás por ello ha expresado en más de
una ocasión que en el futuro le gustaría componer bandas sonoras de películas.
Sin embargo, sobre todo quiere que su música estimule la imaginación de las
personas. “Quiero difundir buenas vibraciones y realizar conciertos y
compartir mi música, y espero que este disco le dé un espacio al oyente para
soñar, descansar o pasar un buen rato”, dice. "Lo importante para mí con “No Deal” era crear un espacio sin tiempo y dejar que el
oyente pusiera sus propias emociones".
La cantante también toca la flauta, un
instrumento que estudió en el Conservatoire Royal de Bruselas. Fijaos que buena instrumentista es, también.
Venerada por muchos en su país natal como la
Billie Holiday belga
(para ser justos, es cierto que también hay algo inquietante en su voz),
desafía esta comparación con la icónica cantante en su versión de I'm Gonna
Leave You de Nina
Simone, un tema que De Biasio reinventa brillantemente.
“No
Deal” alcanzó el top 5 en Bélgica. El disco enamoró entre otros al DJ de
la BBC , Gilles Peterson, quien le propuso coordinar un disco de remezclas:
“No Deal Remixed” (2014) Para ser sincera, olvidaos de este
experimento. Este “remixed”, es decepcionante; le falta alma. Me suena a un
tocadiscos bajado de revoluciones con mezclas que totalmente disruptivas. Una oportunidad perdida para hacer algo
realmente interesante con una materia prima tan fantástica.
(Aquí debería insertar uno o dos vídeos de
este trabajo, pero os los evito...aunque quizás sea cosa de la edad... de la mía, quiero decir)
Sigamos, pues. Con la crítica del mundo del jazz y el
público de clubs ya conquistados, ¿qué sería lo siguiente? ¿Era el momento de
hacer algo más accesible, como un par de singles pop, por ejemplo? Pues, todo
lo contrario. Melanie nos apabulla con “Blackened
Cities”, una continuación de su trayectoria nada al uso, consistente en un
único tema de 24 minutos y 19 segundos. La cantante pasa por alto los géneros, los
mastica, los fusiona, se apropia de la atmósfera y nos ofrece un cuaderno
sonoro de viaje, grabado en directo en estudio con su banda habitual, un
trabajo basado en sus impresiones de las ciudades posindustriales que De Biasio
visitó en su gira internacional: Detroit, Mánchester, su Charleroi natal,
Bilbao... Ciudades de fachadas ennegrecidas pero orgullosas de sí mismas, luchando
por sobrevivir. Eco sonoro de paisajes industriales. Economía acústica en un
extraño equilibrio emocional. Escuchad el humo arremolinándose sobre la ciudad.
¿O es viento? Una voz de sirena está
llamando a través del humo y el silencio. No hay mucho de la voz de Melanie en el
álbum. No se trata sólo de ella, se trata del paisaje urbano y su creación, de
hacer que cobre vida.
Llegamos a 2017. Son años difíciles,
extraños y confusos, que mueren ahogados bajo toneladas de soluciones a la crisis que no
llegan, de anuncios de futuras “grandes cosas”, de objetos de deseo al alcance de unos pocos. Años frágiles
como el papel de arroz. Como si el mundo fuera un supermercado gigante de cuyas
estanterías podemos sacar lo que más nos gusta, pequeñas cosas producidas de
forma económica, rápida y sin otro interés que el lucro. El capitalismo de
rostro humano no llegó. En medio de ese desconcierto, esta cantante de jazz
que, debido a una infección pulmonar que contrajo en una gira se retira con un
ordenador y algunos instrumentos, y tan sólo con su talento, crea “Lillies”,
última entrega hasta la fecha de Melanie de Biasio.
Si lo comparamos con el inmediatamente
anterior, el álbum parece más luminoso, más cálido, más "pop". Pero es una falsa
impresión. Lo que viene de la soledad sólo puede ser una representación de la
propia profundidad. Y ya sabemos que lo profundo acostumbra a ser oscuro si no
lo iluminas desde fuera.Los
temas siguen siendo sombríos y perturbadores, aunque un poco más sofisticados. La apertura, por ejemplo, de Your
freedom is the end of me (Las lágrimas no son sangre, pero cómo
fluyen), no es el mejor estímulo para provocar una sonrisa.
En el siguiente video, Brother, unos acordes de
guitarra acompañan maravillosamente la voz autosuficiente de Melanie. Y el tiempo
se detiene. (Hermano. Sabemos que es un camino difícil para cada uno. Pero
juntos haremos que la libertad llegue.)
Para acabar, quiero resaltar Afro Blue. Esta canción
fue el primer estándar de jazz latino construido sobre un ritmo cruzado típico
africano, escrito por Mongo Santamaria en 1959. Muchas son las versiones; siempre
el mismo tema con música muy diferente. Como la versión de Melanie. Con su interpretación, De Biasio hace una
versión como de cine negro, en la que la posible frontera entre pop y jazz ha desaparecido
por completo.
Quedaos con la siguiente interpretación en vivo de 2018. Esta versión en directo, entrando con la flauta en lugar del piano de la versión anterior, con una orquestación que no parece tal, me parece sublime, espectacular, magnífica. Expresa esperanza, fe en un futuro mejor, pero al mismo tiempo también cierta melancolía. Es esa combinación de atmósferas lo que la convierte en una pieza musical tan fascinante. Vale la pena escucharla y comparar.
Cuando en 2017 la entrevistaron
en París para la presentación de “Lilies”
le preguntaron ¿Cómo definirías tu universo? Su respuesta puede sorprendernos: Jazz o no Jazz, no me
encuentro en todos estos términos, pero a la vez, necesitamos este tipo de
referencias. Me vienen a la mente las palabras atmósfera y espacio, también
diría cinematográfica y Orquesta Cinematográfica. Sin embargo, para ella “Jazz
significa libertad” “Es libertad para transmitir el estado de
ánimo en el que se encuentra en el presente. En mi música hay mucha
improvisación, pero no es una improvisación de jazz con muchas notas o
virtuosismo. Para mí, improvisar significa construir algo. Cuando actuamos en
directo tenemos repertorio, pero las canciones se eligen quince minutos antes
del show. Todos mis conciertos se construyen mediante la improvisación
colectiva basada pero no sabemos cómo va a ser y es diferente en cada concierto”.
Espero
ansiosa que pase por aquí para poder disfrutar de verla en directo.
Imágen de RREVERB.com
Se acabó. Después de tantas horas dedicación, de saborear cada tema, la conclusión es una: Si obviamos “No Deal Remixied”, considero que
no hay una canción de Melanie de Biasio que no valga la pena escuchar. Creo que
puede conectar intensamente con ciertos estados de ánimo de los que nadie nos
libramos.
Como despedida, os explicaré una anécdota. Hace
unos días me reía de mi misma (es muy sano). Buscando una de mis publicaciones de años atrás
puede ver la evolución de este blog, cómo al inicio eran entradas de una sola
canción con textos relativamente cortos, y cómo han ido evolucionando a entradas cada vez más detalladas y profundas sobre la
trayectoria del artista protagonista nocturno. ¡Qué locura!, pensé. ¡Tengo el comportamiento de una adicta! Y me conjuré a que en el siguiente post (éste)sería más comedida. Así que, si habéis llegado
hasta aquí, gracias, porque el fracaso de mi propósito ha sido absoluto.
Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ
الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト Buonanotte. לילה טוב. Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا
شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভরাত্রি. Laku noć. Bon lannwit. Fie.
¿Os ha hablado
alguna vez de Escena grAn? Escena
grAn: es una propuesta escénica que nace la temporada 2013/2014 en
Granollers, un proyecto que coordina y unifica en una única cartelera las
programaciones del Teatre
Auditori, Llevant
Teatre, la Roda
d’Espectacles Infantils, Roca Umbert
Fàbrica de les Arts, Sala
de concert Nau B1, el Centre
Cultural de Granollers i Teatre
Auditori Can Palots de Canovelles. La descubrimos tarde, esa es la verdad.
El proyecto se inició al año siguiente de dejar mi responsabilidad en la
dirección de CCOO del Vallès Oriental y mi actividad se intensificó al otro
lado del Parpés. Hasta hace un par de años no fuimos conscientes de su magnífica
oferta cultural y de lo bien tejida que está. Si a ello le sumamos las
actividades del Museu,
Granollers se convirtió en un imán para nuestro ocio y nuestra inagotable curiosidad.
La pandemia
truncó nuestra rutina cultural, pero una vez levantado el estado de alarma,
durante el mes de julio, bajo el título “Segueix cultura, la cultura
segueix” nos brindaron una amplia oferta gratuita de artes visuales,
música, danza, cine, audiovisual, pensamiento, teatro y exposiciones, adaptada,
cómo no, a la situación COVID19. Fue como empezar a respirar de nuevo.
En este contexto,
el pasado jueves 16 de julio pudimos gozar de un “Concert a la fresca” de las The Sey Sisters: Edna, Yolanda
y Kathy Sey . Y junto a ellas, el pianista y saxofonista Albert Bartolomé. “Som
dones, catalanes i negres” “volem reivindicar el que hem estat, el que som, i
el que serem, i a qui no li sembli bé, doncs...” Con esta rotunda
tarjeta de presentación que es a la vez una declaración de principios, y con
una indumentaria que fusiona la tradición africana con la cultura europea, este
espectacular trío osonense-ghanés nos deleitó con tres chorros de voz y una energía
positiva contagiosa. Tres mujeres negras fuertes, nacidas y/o criadas en
Catalunya “amb les nostres preocupacions, les nostres pors i les nostres fortaleces”
The Sey
Sisters son tres, pero cada una de ellas son muchas en una. Además de este proyecto familiar, todas ellas tienen su propia carrera, unas vocaciones que giran en torno al mundo del espectáculo y de la
cultura. Kathy y Yolanda Sey se han formado en Teatro Musical, en la Escuela
Superior de Arte Dramático Eòlia en Barcelona. Y Edna y Albert han cursado
estudios musicales en Badalona y Barcelona. Las tres dejan huella funk y soul
bajo el nombre Funkystep. Edna hace carrera en solitario, Yolanda es vocalista
de Mainasons y, junto con Kathy son
coristas con The Gramophone
Allstar Big Band. Y quienes seáis asiduos al teatro, hace un par de años quizás
gozaríais de su partición en el musical “Els jocs Florals de Canprosa” en el Teatre Nacional de Catalunya o en “La tienda de
los horrores” el musical que se estrenó en el último Festival Grec.
Además de la
gran calidad de sus voces y de sus magníficas interpretaciones, su mensaje gira
en torno a la defensa de la justicia y de la dignidad de todas las personas, de
la solidaridad y de la generosidad en las relaciones humanas, representando
mucho más que la suma de sus partes, el deseo de alzar sus voces como un
desafío importante para el reconocimiento de una comunidad a menudo desconocida
que, sin embargo, se extiende por toda España y, de hecho, en toda Europa. Su
música, dicen, nace de la necesidad de visualizar un sector de la sociedad que
rara vez se tiene en cuenta en el discurso español convencional, un colectivo
afro y sus "afrodescendientes ... de personas emigradas que incluso
nacieron y se criaron en Cataluña, todavía luchan para que nuestro color de
piel no sea el hecho determinante de quiénes somos ".
Desde su
creación como grupo vocal en 2006, han estado actuando en festivales alrededor
de Cataluña, España. En 2015, las hermanas publicaron su primer disco, “Let
freedom ring”, cuyo título está extraído de una de las frases contenidas en el
famoso discurso I
have a dream, de Martin
Luther King en 1966. Un canto a la Libertad. Para empezar a hacer boca, Ihave faith in you.
La
presentación del álbum dice que se trata de una invitación a un sentido viaje
armónico desde el gospel hasta la música africana. "Son cantos
impregnados de profunda emoción que surgen de la lucha contra la injusticia, la
defensa de los derechos humanos y la esperanza en el futuro. Las ricas
armonías, los cantos a capela y sus carismáticas actuaciones se combinan para
hacer revivir el espíritu y el alma gospel que canta por la esperanza de una
África más próspera”, se lee en la página oficial de las
artistas. Impresionantes sus voces en esta versión de Amazing Grace.
Aunque
no todas las hermanas hemos nacido en Ghana, sí que siempre hemos tenido
relación con la cultura y la música ghanesa. Ya desde nuestra infancia nos
hemos impregnado de la cultura africana gracias a nuestros padres. De hecho,
nuestro padre vino a España gracias a que era músico y estando de gira por
Europa al final se estableció aquí. En el disco hay un medley de canciones de
Ghana transmitidas de nuestros abuelos a nuestros padres y de nuestros padres a
nosotras. Siempre nos gusta poder conectar nuestra música con los ritmos y las
músicas tradicionales y religiosas de Ghana, declararon en estaentrevista
a la revista Afroféminas
En 2016, salió
a la venta el LP “A Matter of Funk”, en el que The Sey Sisters se unen a
Funkystep, otro grupo catalán que desde 2006 se dedica a rendir homenaje a los
grandes artistas de la música negra. Este álbum es una invitación a disfrutar
de la vida y de la fuerza de la música. Hagamos otro alto en el camino y
escuchamos uno de los temas, No Excuses, en un vídeo de una actuación en
directo que tuvo lugar en Vic el 14 de septiembre de 2016.
En septiembre
del 2018 sacan su segundo disco “Rise”, un trabajo con el que nos invitan a
vivir un sentido viaje musical desde el gospel hasta la música africana,
pasando por el soul. Un viaje sonoro para tomar conciencia, con canciones que
nos invitan a la revolución personal, cantos impregnados de profunda emoción
que surgen de la lucha contra la injusticia, la defensa de los derechos humanos
y la esperanza en el futuro. La justicia, la dignidad de las personas y la
solidaridad vuelven a tejer el alma de canciones como Like air. I’ll
rise, Years to come o Believe.
De Believe
he escogido la versión que crearon durante el confinamiento, un video grabado cada
miembro del grupo desde su casa. Piano y tres voces perfectamente sincronizadas
a pesar de la distancia.
En “Rise”, además
nos regalan una versión preciosa y emotiva de What's going on de Marvin Gaye.
Con este mismo
espíritu reivindicativo de su identidad, Kathy y Yolanda Sey fueron las
actrices que se quejaron
a los responsables del Teatre Lliure por la no contratación de un actor
negro para la obra “Àngels
a América” que dirigió David Selvas. En este enlace, Tania
Adam conversa para la Betevé, la TV de Barcelona, con Yolanda y Kathy al
respecto. Interesantísimo.
Voy a acabar
con otra actuación en directo, en el Clownia
Festival, en 2015, con una canción religiosa muy popular en varios países
de África Occidental.
Uno de los muchos momentos impactantes del concierto de Granollers fue cuando parafrasearon un verso de Emily Dickinson “Desconeixem
la nostra veritable alçada fins que no ens aixequem”.
Sólo sabemos toda nuestra altura
si alguien le dice a nuestro ser:
¡Levanta!
Y entonces, fiel consigo, se agiganta
hasta llegar al cielo su estatura.
De la vida común sería ley
el heroísmo en el humano ruedo
si no nos doblegáramos al miedo
de vernos y sentirnos como un rey.
Buenas noches.
Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇.
Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイトBuonanotte. לילה טוב.Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا
شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভরাত্রি.
Laku noć. Bon lannwit. Fie.
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