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lunes, 1 de junio de 2026

Recordando a Cat Stevens

 La maravillosa delicadeza del músico que tenía los ojos de gato

En la música no abundan las figuras que están de paso. La música, la fama, es siempre una meta y rara vez un medio, un lugar en el que uno está de paso. Ese es el caso de Cat Stevens. El cantante tuvo una irrupción tremenda en la música siendo muy joven. Sus canciones tranquilas, evocadoras y poéticas conectaron con un enorme público a comienzos de los años setenta y sus discos vendieron millones de copias.

Foto de Dioses y monstruos

La vida del gato Stevens siempre estuvo llena de avatares místicos religiosos que le llevaron a una verdadera crisis de identidad. Un día aquel famoso joven que ya había superado una tuberculosis estaba nadando en las playas de Malibú cuando tuvo un susto, uno que le cambió la vida. Tras ver la muerte de cerca, Stevens se alejó de la música y se convirtió al islam.  Siete años después de publicar “Tea for the Tillerman” (1970), un disco que marcó la cima del cantante, Cat Stevens cambiaba su nombre por el de Yusuf Islam. Hasta entonces había sido un hippie bueno deseoso de vivir en un mundo mejor. Paz y Amor. Estuvo casi treinta años sin grabar un disco, pero a comienzos de los setenta la realidad era otra. En esa época tan fascinante de la música la irrupción del folk tranquilo y reflexivo de Stevens resultó una anomalía, una genial anomalía. “Tea for the Tillerman” es el trabajo intensamente espiritual de un veinteañero que buscaba su lugar en el mundo, disconforme con el rumbo materialista y deshumanizado del mundo moderno, pero con el instinto de un cantautor de melodías inolvidables. Melodías que recordaremos esta noche.
Este vinilo es una de las joyas de nuestra discoteca

Cat Stevens es parte de la banda sonora de mi juventud, de la vida que iniciamos Jesús y yo en aquel ático maravilloso del barrio de Sant Andreu. Me encantaba. Si tuviera que hacer una lista de mis 100 canciones favoritas seguro que incluiría 3 o 4 suyas. La primera sin duda, Morning has Broken.

Mucha gente cometimos el error de darle la autoría de Morning has Broken a Cat Stevens dado que él fue quien la popularizó en todo el mundo. “La saqué de un libro sobre himnos, nos explica él mismo, cuando estaba buscando ideas. Era una canción bastante tradicional cantada en la iglesia, y yo solo hice mi propio arreglo. Me enamoré de la melodía y las palabras, y la gente piensa que es mía”. La parte de piano fue interpretada por el teclista de Yes, Rick Wakeman. Es por eso que en el año 2000 Wakeman publicó una versión instrumental en un álbum del mismo título.

El primero y último disco que tenemos de él

El primero de sus discos, “Mona Bone Jackson” (1970), de hermosa austeridad, contiene las primeras joyas del inicio de su popularidad, como la famosa balada acústica Lady D´Arbanville. Detrás de su letra, que simula el luto por la muerte de una mujer, se esconde una metáfora del desamor: el fin de la relación de Stevens con la modelo y actriz estadounidense Patti D'Arbanville una joven modelo neoyorquina y musa de Andy Warhol.

Wild World es otro de los éxitos de este álbum. “Esa fue realmente mi canción de despedida con mi novia Patti D’Arbanville. Habíamos tenido buenos momentos juntos, pero comencé a grabar y ella estaba de modelo. Eran dos mundos muy diferentes”, explica en “Plásticos y decibelios”.

Cabalgando sobre el éxito, “Teaser and the Firecat” (que, por cierto, también es el título de un libro escrito e ilustrado por el cantante) cimentó el distintivo “sonido de Cat Stevens”, gracias a diez prístinas, poéticas e inolvidables composiciones llenas de altruismo entre las que destacaron como puntas de lanza la otoñal Morning Has Broken, citada anteriormente, la utópica Peace Train (compuesta en un tren), la emotiva Moonshadow, y la folclórica Rubylove, en la que ahonda en sus raíces griegas. Peace Train es un grito de paz en toda regla, un himno que resonaba en todos los movimientos por la paz de aquella época en la que la Guerra de Vietnam estaba aún muy presente, y que volvió a sonar para protestar por la Guerra de Irak en el 2003.

“La canción salió de la era de Vietnam y el efecto que tuvo en nuestra generación, así como en la Guerra Fría, que se avecinaba por encima de nosotros. Nos dimos cuenta, “Hey, todos queremos vivir; No queremos ser arrastrados a hacernos añicos. Queremos que este planeta continúe “. Así que la paz se convirtió en una llamada de reunión para muchos de nosotros en los años 60. Una vez comencé a hacer turismo y estaba en un tren que iba hacia el norte en el Reino Unido y de repente me di cuenta de que tenía esto. A partir del sonido de las ruedas, se me ocurrió esta idea de “Tren de la Paz” (…) una de mis canciones más profundas y que aún brota a través de los corazones de muchas personas y las esperanzas que tenemos hoy”.

Cuento escrito e ilustardo por el cantante

Ya sé que no es una canción que tuviera muchó éxito pero una de las que también me gusta mucho es The Wind, la primera de la cara A.

En 1973 viaja a Jamaica para grabar su nuevo trabajo “Foreigner”, un arriesgado cambio de rumbo, un disco influenciado por el soul y el rock sinfónico, corriente musical que estaba en sus días de gloria. Este álbum es otro recuerdo de cuando íbamos a Rodons, la tienda de nuestro barrio, Sant Andreu, a comprar vinilos de oferta con el carro de la compra. La de joyas que pudimos conseguir en aquel antro. Música inolvidable que compone la banda sonora de una de la épocas más intensas de mi vida. El disco nos costó 300 pesetas. En él, Cat Stevens nos ofrece cinco composiciones. La primera de ellas la ha titulado Foreigner Suite, una ambiciosa pieza de 18 minutos que ocupa todo el primer lado del disco. A pesar de su validez, es ignorado por la crítica y solo The Hurt obtiene cierta repercusión.

Cat Stevens en 1973

Sin embargo, yo me quedo con How Many Times en la que Stevens nos pregunta acompañado del piano, “¿Cuántas veces debo levantarme? / Mira hacia afuera y ve la misma vieja vista ¿Cuántas veces debo usar las mismas cosas viejas? / Y escuchar las mismas viejas cosas que hago, hago / Cuantas veces debo limpiar esta cara, mi cara / Y cuántas veces debo lustrar mis zapatos, oh señor / ¿Cuántas veces debo beber la misma bebida de siempre? / Y soñar los mismos viejos sueños que yo hago”.

Otra de las canciones que tengo en mi recuerdo de aquella época y que he tarareado muchas veces es Heaven gravada como parte de Foreigner Suite En "Roadsinger" (2009) modificó algunas letras y amplió la canción añadiendo Where True Love Goes. Aquí está la versión original extraída del original de 1973.

Hasta aquí el recuerdo de las canciones que me llenan de nostalgia (alguna lagrimita ha caído volviéndolas a escuchar). Pero quiero también compartir una curiosidad. Se trata de una reimaginación de Father & Son, una ejercicio mental que su autor ha hecho para plantear desde la perspectiva de un septuagenario lo que concibió un joven veinteañero en un mundo que, aunque era distinto, en realidad no lo es tanto. En ella el Yusuf de 72 años asume la voz del padre, mientras que la voz del hijo es tomada de una grabación en vivo en el Troubadour de Los Ángeles de 1970, en un trabajo fantástico de edición. Precioso.

El Cat Stevens que tantos buenos recuerdos me trae es un personaje fuera del tiempo, un artista de rara sensibilidad fruto de una infancia y juventud muy intensa, con momentos de tragedia. Este pasmoso equilibrista empeñado en caminar siempre a contracorriente, en permanente viaje interior en búsqueda de la verdad, es una especie de último romántico capaz de aparecer y desaparecer a su antojo de una escena, la del mundo del espectáculo en la que nunca se sintió muy a gusto. El 22 de noviembre de 1979, en el concierto "The Year of The Child" en el estadio de Wembley, frente a cien mil personas, cantó su última canción sobre un escenario, Father & Son. Al terminar la canción se dirigió al público: “Sólo tenemos una vida y hemos de aprovecharla lo mejor que podamos. Deseo que todos los que estáis aquí aprovechéis la vuestra. In salá”, y abandonó el escenario para siempre. Estaba en el cenit de su carrera. Tenía el mundo a sus pies. 

22 de noviembre de 1979, último concierto

El 22 de noviembre de 1979, en el concierto "The Year of The Child", de la UNICEF en el estadio de Wembley, frente a cien mil personas, cantó su última canción sobre un escenario, Father & SonAl terminar la canción se dirigió al público: “Sólo tenemos una vida y hemos de aprovecharla lo mejor que podamos. Deseo que todos los que estáis aquí aprovechéis la vuestra. In salá”, y abandonó el escenario para siempre. Estaba en el cenit de su carrera. Tenía el mundo a sus pies.

BBC

Después de 11 álbumes como Cat Stevens, el último ya convertido al islam, harto del mundo del espectáculo, inmerso en una continua lucha entre el mundo material y el espiritual, yo le perdí la pista. Como cantante de folk, el compositor británico se convirtió en el portavoz de una generación hippie desilusionada. Como Yusuf Islam, fue acusado de apoyar la fetua del ayatolá Jomeini contra Salman Rushdie, autor de "Los versos satánicos", tras una desgraciada entrevistaLuego hubo explicaciones y justificaciones pero esa mancha siempre quedará ahí. En el año 2000 Israel le niega la entrada luego de haber sido acusado de darle recursos a Hamas. En 2004, EEUU le prohibió la entrada por sospecha de terrorismo. A pesar de todo ello, su peculiar tono intimista lo sigue haciendo agradable y próximo, y sus obras desinteresadas o benéficas atraen las simpatías hacia su persona. En 2009 lanzó una canción solidaria, una versión del tema de George HarrisonThe Day the World Gets Round, junto al bajista alemán Klaus Voorman, ex colaborador de los Beatles, cuyos beneficios serán donados a la agencia de la ONU para los refugiados palestinos (UNRWA) y a la organización "Save The Children " para ayudar a los niños y sus familias de la franja de Gaza .

No me voy a despedir sin hablar del estado genocida de Israel una vez más (y las que haga falta). Son múltiples las secuelas en los niños de un genocidio impune por el que el mundo debería haber expulsado a Israel de la comunidad internacional. Además de estar haciendo una limpieza étnica y carnicería en Gaza y colonizando Cisjordania, Netanyahu, anunció el jueves que Israel tomará el control del 70% del territorio de la Franja,. Por otra parte, cada vez hay más indicios de que el genocida que preside el Gobierno de Israel permitió conscientemente la muerte, secuestro y violación de cientos de israelíes a manos de los salvajes de Hamás como cimiento de sangre para toda la estrategia que implementa desde entonces. 

Mientras, los activistas de la Flotilla han sido víctimas de "malos tratos" físicos y psicológicos y han explicado las "torturas" sufridas durante su detención y “violencia sexual”. Apuntan a una "escalada de violencia abismal". Los periodistas de Gaza Norte se dirigen directamente al mundo: "La ley de Israel que condena a muerte a los palestinos es peor que la de los nazis". Además, el ejército también está avanzando sobre una porción considerable del Líbano. Nadie dice nada. Los dejan hacer. Al contrario. Europa se convierte en la puerta de entrada para el negocio generado por el genocidio en Palestina y mira para otro lado mientras el genocida Ben Gvir, el de la horca, dice que hay que arrasar el Líbano, y cortarles la electricidad y el agua. Somos cómplices de una barbarie retransmitida en directo ante nuestros ojos. Las generaciones futuras nos maldecirán.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір.

Otras fuentes:

 




viernes, 24 de abril de 2026

Sienna Spiro, la música como supervivencia

 “Cuando aprendí a plasmar un sentimiento en una obra de arte y a interpretarla, fue cuando aprendí mucho sobre mí misma”

Hace una década, una niña se subió a un escenario y comenzó a cantar. Sienna Spiro descubrió desde muy joven que la música la ayudaba a comprender sus sentimientos. Creció sintiéndose abrumada por sus emociones y, según explica ella misma a sus veinte años: “sufrí mucho acoso escolar y estaba muy confundida sobre por qué me acosaban”. “Fue entonces cuando escribí mi primera canción. La interpreté delante de quienes me habían acosado y fue como una medicina. Me sentí muy reconfortada”.

Fue la primera vez que Sienna se dio cuenta de que la música podía ayudarla a comprender el mundo y a sí misma. “Soy neurodivergente y no me diagnosticaron de pequeña, así que estaba muy confundida con lo que sentía”. Creció escuchando los discos de su padre descubriendo así su voz, cantando a coro con leyendas como Frank Sinatra, Nina Simone, Aretha Franklin y Teddy Pendergrass: “Escuchar música me reconfortaba mucho, y siempre había cantado”. Desde subirse a un escenario escolar con tan solo diez años hasta llenar recintos en todo el Reino Unido y Europa, esta artista de diecinueve años ha transformado la vulnerabilidad en poder.

Esta preciosa canción, Maybe, es un tema lanzado el 2 de agosto de 2024, el segundo sencillo de su EP debut “Sink Now, Swim Later”. La canción se convirtió en su primer sencillo en entrar al top 100 de la lista UK Singles Chart . Spiro dijo que la "canción trata sobre darse cuenta de tu valía y finalmente ver quién es realmente alguien después de haber estado en la oscuridad durante tanto tiempo".

Foto: Karmamagazine

Antes de publicar sus primeras canciones, a los 16 años Sienna empezó a publicar versiones en redes sociales, sobre todo en TikTok,  para darse a conocer. En 2024, debutó con la canción Need Me, reflejo una lucha interna entre el anhelo de ser indispensable para otra persona y la inseguridad que surge al no sentirse valorado.

Su meteórica carrera siguió con el lanzamiento en 2025 de su álbum de debut, “Sink Now, Swim Later”, Butterfly effect es el tema de introducción y marca el tono emocional del proyecto. “Creé la canción con un clímax inesperado y una estructura libre para capturar la imprevisibilidad que refleja el concepto del "efecto mariposa" y que realmente cuenta la historia de qué trata esta canción”, explica la cantante.

Cinco meses más tarde ve la luz el también exitoso sencillo You Stole the Story, una exploración emocional de la vulnerabilidad y el desamor. La canción no solo habla de una relación amorosa, sino también de su lucha interna por encontrar su propio valor y sentido de identidad en medio de la incertidumbre.

Con una emotividad sin tapujos y su aire retro, Die on This Hill otro de sus éxitos del año pasado, se erige como la última de una larga lista de baladas melodramáticas de jóvenes británicos como fue Amy Winehouse. La voz de Spiro destaca rica y potente, con un quiebre que sabe desplegar para expresar el máximo desgarro emocional para recordarnos que expresar nuestros sentimientos abiertamente puede ser una tarea ardua. Al mismo tiempo, es una celebración, aunque teñida de lágrimas, de la decisión de sentirlo todo, en lugar de no sentir nada. “Sé que nada importa, / Dios, ojalá algo te importara”, canta en el crescendo de la canción.  

En 2025, Spiro se embarcó en la gira “The Visitor Tour”, su primera gira como cabeza de cartel en Norteamérica.En 2025, Spiro se embarcó en la gira “The Visitor Tour”, su primera gira como cabeza de cartel en Norteamérica. Y The Visitor es la canción que inspiró el nombre a la gira. Spiro afirma que siempre se ha sentido como una "visitante" en su vida, temiendo que sus relaciones, amistades, trabajos y otras experiencias fueran efímeras. 

Primer concierto en L.A, abril 2025. Foto: The Honey Pop

La canción transmite una mezcla de deseo, vulnerabilidad y cinismo, mostrando el conflicto entre querer creer en el amor del otro y saber que solo es un momento fugaz. “Solo conseguí escribir The Visitor en mi noveno intento. Toda mi vida me he sentido como una persona sin rumbo; me aterra la impermanencia, que las cosas terminen y que la gente se vaya. Me llevó años encontrar las palabras adecuadas para expresar ese sentimiento. No es solo una canción de amor, es una oda a mi vida. Una súplica para no ser solo un momento fugaz en la vida de otra persona, y para aprender a vivir con la idea de que todo es efímero”’, comenta Sienna. La vida es, sin duda, un estado pasajero.

Sienna lo presenta señalando que no trata sobre el desamor de un romance condenado al fracaso, sino sobre la pérdida de una amistad, un giro inusual en el formato de las canciones de ruptura. Para componer, la británica intenta "ser lo más atemporal posible" y escribir desde la honestidad, por eso su tema fetiche es el desamor en todas sus formas. Y no duda en afirmar: "Creo que se puede sentir el corazón roto en muchas áreas de la vida, no solo en el amor. Creo que los amigos rompen el corazón aún más".

Y si queremos seguir hablando de canciones desgarradoras y conmovedoras, tenemos Taxi driver, que explora los sentimientos que experimentó al descubrir que su ex la había engañado con su mejor amiga.

Sus canciones son dramáticas, emocionales, tristes, es verdad. Sin embargo, esos sentimientos provocan una cercanía es sentida profundamente por sus fans, quienes a menudo comentan debajo de sus videos sus propias historias de acoso, desamor o depresión. Un comentario típico: “Sienna sana corazones que ella no rompió”. “Creo que es lo más maravilloso que hay en el mundo”, dice, “haber pasado por algo así y poder crear algo que me ha ayudado, y luego ayudar a otras personas. Es el mayor regalo que tengo”. 

Tengo que reconocer que no me gusta la evolución de su imagen, sus labios, sus ojos.... No me gusta sus poses, ni su campaña publicitaria de bolsos de lujo. Pero esa voz, aireada y rota, su tono ronco  de mezzosoprano con toques de jazz a causa de unos nódulos, me encanta. Y sus canciones, también. Debe ser que estoy un poco depresiva.Y, por supuesto... (y a este par de genocidas)

Otras fuentes:


lunes, 16 de febrero de 2026

La dulce Pomme

 Una artista polifacética, una cantante delicada, una compositora impresionante

Ya os he dicho alguna vez que tengo una sobrina, Nuria, a la que le encanta la música y que comparte conmigo sus gustos musicales. Un lujazo. A ella le debo haber conocido a Demi Lovato, que tuvo su espacio en este blog, así como  a Joy Oladokun, a quien también dediqué una entrada. El verano pasado, Nuria me dio a conocer la artista de esta noche, la cantante francesa Pomme. A la saca para saber más de ella, le dije. Pero como mi relación con los franceses nunca ha sido buena (cosas de familia), se había quedado ahí, en la saca... del olvido. Un anuncio en Instagram de su gira por Sudamérica, me la hizo recordar. El algoritmo, que lo sabe todo de nosotros.

Fotogtrafía: Ce C'est Culte

Pomme es una artista francesa que compone música tan delicada como su nombre artístico. Nacida como Claire Pommet, creció en Lyon y se rodeó de talentosos artistas franceses y canadienses. Pomme nos cuenta que comenzó "muy temprano la música aprendiendo el solfeo a los 6 años y luego el violonchelo y también ha cantado mucho en coros. De manera paralela escribió permanentemente textos poemas, canciones e historias y organizó toda su vida en torno a esto. A partir de sus 15 años, comienza a trabajar para que la música se convierta en su profesión".

Qué os ha parecido? He querido empezar con este precioso tema, la versión en francés de Seabed Eden, canción que originalmente publicó la cantautora y multinstrumentista japonesa Ichiko Aoba en 2020 y que es una de las más representativas de su repertorio. Me encanta la sencillez y la ternura que desprende. 

Fotografía: Eliana Francés Online

La música de esta joven cantautora, una amalgama de pop, folk y chanson française, ha evolucionado a lo largo de su carrera, como reflejo de un viaje personal y musical. La siguiente canción, En Cavale, es de su primer EP en solitario, un trabajo homónimo publicado en 2016 que, según sus propias palabras “resume los últimos 4 años de mi vida; el paso del tiempo, la carrera tras la felicidad”.

Sin embargo, su verdadera promoción en la industria discográfica empezó con este sencillo: Même robe Qu”hier.

Pomme tiene muchas caras. En 2016, junto a Benjamin Hékimian, alias Waxx,  un inconformista que expande las fronteras de la música, el cine e internet a través de su canal, utilizan desde el violonchelo, instrumento que Pomme estudió de pequeña, a la guitarra, del banjo al arpa hasta quince instrumentos, para interpretar el éxito "Lean On" de Major Lazer y DJ Snake. El resultado es una toma única de 3 minutos y 30 segundos, una forma encantadora de mostrar la amplitud de su talento musical.

Pero el mayor activo de la artista francesa es, sin duda, su voz. Pomme tiene una voz pura que se eleva hasta notas agudas inalcanzables a lo largo de sus canciones. Su música nos acaricia y nos reconforta como una manta junto al fuego en invierno.

En sus inicios, la joven artista mostraba una clara influencia del folk anglosajón, con melodías sencillas y letras cargadas de emociones. Artistas como Joni Mitchell y Laura Marling se perciben en su sonido, aportando una sensibilidad y una intimidad con la que es muy fácil conectar.

Tras un primer álbum, "Au peu pres”, de 2017, que pasó relativamente desapercibido, lanza dos años después “Les Failles”, (los defectos) un trabajo que le trajo el reconocimiento del público: el premio al mejor nuevo álbum en las "Victoires de la musique" en 2020, seguido un año después por el trofeo a la mejor artista femenina. Esta visibilidad le permite alzar la voz sobre las causas que defiende, desde la ecología hasta la lucha contra la violencia de género.

Y es que Pomme parece absorber el mundo que la rodea como una esponja. La audacia de sus temas revela una mujer fuerte de ideas claras. "Les Failles" lanzado justo un mes antes de que entrara en vigor el confinamiento por el COVID, es todo lo que no queremos decir, ni siquiera admitirnos; todo lo que permanece enterrado en nuestros pensamientos. Los “defectos” de Pomme que son los del ser humano, se entrelazan entre sí, dando lugar a un álbum denso y compacto.

Sus letras, a menudo autobiográficas, abordan temas difíciles como el amor no correspondido, la muerte, la pérdida, la identidad, la ansiedad y la búsqueda de uno mismo.

El amor, en sus textos, no solo es heterosexual, sino también bisexual u homosexual. “Asumo muy naturalmente mi homosexualidad, por ejemplo, usando pronombres femeninos en mis canciones, expone en esta  entrevista, Y creo que es importante dada la cantidad de mensajes de agradecimiento que recibo. De adolescente, también me hubiera gustado poder reconocerme en cantantes lesbianas”. La siguiente cación está dedicada a la cantante de Quebec Safia Nolin, su esposa actual.

He encontrado esta Playlist que resume la Pomme que me ha enganchado. Veo que, con el paso del tiempo, que Pomme ha ido experimentando y ampliando su paleta sonora. En sus últimos álbumes, se aprecia una mayor complejidad en sus arreglos, con la incorporación de elementos electrónicos y texturas más experimentales. Esta evolución hay quien la compara con la de artistas como Björk y Radiohead, quienes también han explorado los límites del pop.

A pesar de estas influencias, la música de Pomme conserva una identidad propia. Su voz única y cristalina nos transporta a su mundo. Sus producciones de piano y guitarra aportan una inquietante ligereza a sus historias. Cuando Pomme canta, susurra a nuestro corazón, nos detenemos un instante. Todo en el aire pesado y abrumador parece encogerse y solo su voz etérea llena el espacio. Es una pequeña luz en la oscuridad de sus palabras.

Para acabar quiero hablaros de la UNRWA y la situación de las refugiadas y los refugiados de Palestina. Hoy hemos hablado por teléfono con una colaboradora y nos ha puesto los pelos de punta. Los ataques contra sus instalaciones son constantes. Entre enero y febrero, ocho de sus escuelas han sido demolidas por las fuerzas israelíes. Desde el inicio de la ofensiva, UNRWA ha registrado cerca de 960 incidentes que han afectado a sus instalaciones, con un saldo de al menos 853 personas asesinadas mientras se encontraban en edificios de la Agencia. A ello se suma el asesinato de 390 trabajadores y trabajadoras de UNRWA, una cifra sin precedentes que refleja el nivel extremo de riesgo en el que se desarrolla la respuesta humanitaria en la Franja. Necesitan nuestro apoyo, necesitan nuestras donaciones para seguir trabajando en Gaza. Si podéis, no dudéis en colaborar en este enlace.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір.


miércoles, 25 de octubre de 2023

La increíble voz de Ekaterina Shelehova

 "Quiero demostrar que una cantante de ópera lo puede cantar todo”

Fotografía de dzen.ru

Esta noche os quiero presentar a Ekaterina Shelehova, una joven rusa residente en Milán, cuya voz cristalina (alguien diría que sobrenatural) es como un bálsamo para cualquier corazón.

Nacida en Kaliningrado, Rusia, en 1995, Shelehova es una de las nuevas voces destacadas de la ópera, conocida sobre todo por su trabajo en teatros de ópera canadienses e italianos, y una estrella en ascenso en la industria de la música. Mostró un interés temprano por la música y comenzó a estudiarla cuando solo tenía tres años. Tomó lecciones de canto y participó en varios concursos y festivales, ganando el primer premio en el festival "Russian Hopes" cuando tenía seis años. También grabó un CD de canciones infantiles rusas, “Lluvia”. Emigró a Canadá con su familia en 2002. Estudió en el Conservatorio de Música de Toronto. La ópera de Bizet "Carmen" fue el primer espectáculo en el que actuó, en el coro de niños. Tenía sólo 10 años en ese momento. Ha cantado con la Opera Ontario, Opera Bel Canto de Melbourne y con StageToneScape

Archivo familiar

Pero si algo la hizo popular fue por su participación en Italia's Got Talent, en 2021. Así la conocí yo. El clip de su actuación se hizo viral con más de 100 millones de visitas. Vale la pena pararse en ese momento porque para su actuación, Ekaterina hizo algo muy inusual: no eligió ninguna canción. Cantó un tema original completamente improvisado llamado Earth Melodies. Para demostrar cómo su voz es un instrumento que  domina con destreza, la elevó hasta convertirla en un trino de soprano y descendió hasta un tono bajo de barítono, recordándonos alternativamente el canto de los pájaros y el canto gutural, terminando con un tono alto, muy arriba, en esos registros que ponen nerviosos a los coleccionistas de cristal fino.

Con ello, dijo, “quería mostrar lo que la voz puede llevar a cabo todo el proceso. Todo fue improvisado. Quería llevarlo al punto en el que no necesitamos palabras ni siquiera melodías para capturar lo que intentamos expresar.”

Sin embargo, siete años antes, en 2013, bajo el nombre de Katya, Shelehova ya había lanzado su álbum debut, “Moonlight” en el que versionó algunas de las melodías más populares y duraderas de la música clásica, incluidasmoonli la Sonata Claro de Luna de Beethoven, el Intermezzo de Mascagni; y el Traumerei de Schumann, . Katya ofrece una impresionante interpretación vocal de Air on a G String de Bach y una conmovedora interpretación del Ave María de Schubert.

Ekaterina demuestra su dominio de los idiomas cantando en inglés, italiano, francés y ruso, mostrando así, además de su rango vocal, sus habilidades lingüísticas. En 2014, se muda a Italia y se matricula en el Conservatorio di Milano, donde completó su licenciatura en interpretación de ópera. Cabe destacar que en 2019, en colaboración con iSing Opera Academy, actuó en una gira por varias ciudades de China. Un años después, estudió improvisación, técnicas vocales extendidas y música folklórica en México. Solo tiene 28 años y se ha recorrido medio mundo actuándo.

En 2022 se unió a Era, el popular grupo francés que combina cantos gregorianos con elementos modernos, se convirtió en su vocalista principal y realizó una gira por Europa con ellos.  En abril de 2023, lanzó una hermosa versión del clásico de culto de estilo nórdico Savage Daughter, un poderoso himno que celebra la fuerza, la resiliencia y la independencia de las mujeres. Explora la conexión entre una madre y su hija, enfatizando la desafío y la determinación transmitida de generación en generación.

De sus incursiones en el mundo del pop he elegido esta versión de una canción muchas veces versionada, Make You Feel My Love de Bob Dylan. Conmovedora.

Gracias a su aparición en el programa Italy's Got Talent, le ofrecieron un contrato para componer la banda sonora de una adaptación cinematográfica italiana de “La tempestad” de Shakespeare. Para algo parecido estuvo en Madrid, en los estudiosCezanne, para encarnar la voz del agua, tema principal de la obra “Magallanes-Elcano. La primera vuelta al mundo” que recrea el canto del mar y su lucha permanente con los marineros que protagonizaron una de las historias más épicas de la humanidad.

Además de cantar y de dominar con fluidez 4 idiomas, Ekaterina fue gimnasta durante 8 años, tiene 5 años de experiencia en ballet y otros 2 en bailes de salón. Le encanta estudiar psicología y adora a los animales. Publica música constantemente en su canal de YouTube y es muy activa tanto en TikTok como en Instagram o Facebook , donde comparte sus improvisaciones y grabaciones cortas. 

Fotografía de El sol de Cuernavaca

Habrá quien considere que debería definir qué quiere ser de mayor, que picotear de todos los géneros le hace perder personalidad. Quizás. A mi, sin embargo, su versatilidad me encanta. El prodigioso dominio que tiene de ese maravilloso instrumento que es la voz humana me parece fascinante. Una voz clara, pura, con todos los registros, para todos los géneros. Espero que hayáis pasado un buen rato. 

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡No a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania! Imposible acabar sin gritar: ¡Poned fin al genocidio palestino!

    Buenas noches.  Bona nit.  Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك. לילה טוב

Otras fuentes:

https://www.elsoldecuernavaca.com.mx/gossip/ekaterina-shelehova-dara-un-unico-concierto-en-teopanzolco-en-cuernavaca-10350496.html
https://diariodeavisos.elespanol.com/2022/11/la-primera-vuelta-al-mundo-de-timaginas-graba-su-banda-sonora/
https://music.apple.com/es/artist/ekaterina-shelehova/1560763694
https://blogs.20minutos.es/dando-la-nota/tag/ekaterina-shelehova/
https://www.diariodemorelos.com/noticias/despierta-gran-expectativa-concierto-de-ekaterina-shelehova-en-el-teopanzolco
https://www.thespec.com/entertainment/hamilton-opera-singer-ekaterina-shelehova-goes-viral-after-singing-on-italia-s-got-talent/article_4fc0f9b7-a3de-5f91-a92c-aa62e9960cf1.html

lunes, 25 de septiembre de 2023

Joy Oladokun, el folk-pop terapéutico

 “Siento que no es un accidente que sea una mujer negra queer escribiendo y haciendo música”

Fotografía de uDiscover Music

Tener una sobrina que le encanta la música es un lujazo. Hace ya dos años que Nuria empezó a compartir conmigo sus gustos musicales. Desde entonces, el Whatsapp se ha convertido en el canal por el que me va proponiendo nuevas voces, nombres para mi totalmente desconocidos pero que cree que me pueden interesar. Y en general acierta. A ella le debo, por ejemplo, haber conocido a Demi Lovato, que tuvo su espacio en este blog. Hace unos días me mandó esta canción de la cantante protagonista de esta noche, Joy Oladokun. A ver qué os parece.

A mí me gustó mucho esa voz suave y penetrante a la vez. Pero, a pesar de que mi conocimiento del inglés es nulo, algo me dijo que sus letras merecían una atención especial. Y sí, sus letras son muy emotivas, algunas desgarradoras (qué haría yo sin el traductor de Google).

Fotografía de Overdbored

La primera que me encontré fue Who Do I Turn To ? canción que surge en respuesta a los disturbios que se dieron tras el asesinato de George Floyd, quien murió bajo custodia policial después de que un oficial de policía de Minneapolis se arrodillara sobre su cuello durante varios minutos mientras otros tres permanecían de brazos cruzados. Su muerte provocó protestas en todo el país contra la brutalidad policial.

"Quería escribir un relato de primera mano sobre cómo me siento y la pregunta que hacen los negros como yo cuando esto sucede una y otra vez sin que nada cambie", dice la cantante. "Quiero ayudar a un pueblo ya traumatizado a afrontar, sanar y poner palabras a su lucha". La canción aborda las injusticias y prejuicios que enfrenta Oladokun como mujer de ascendencia nigeriana, pero su mensaje es universal.


Tengo miedo de que me detengan
Porque hay alguien más. Me veo como si
tuviera miedo de alzar la voz.
Porque todos pensarán que voy a pelear.
Este mundo fue hecho para ellos.
Este mundo está hecho para mí.
¿Cómo? ¿Se supone que debo existir
cuando un amigo es un enemigo?

Si no puedo salvarme

Si todo es blanco y negro
Si no puedo pedir ayuda
En medio de la noche
Si no puedo recurrir a Dios
Y no puedo recurrir a ti
¿A quién recurro?
¿A quién recurro?

 Estoy cansado de ver a los de mi especie

ser acusados ​​mientras son jóvenes y son inocentes.
Estoy cansado de ver las noticias
y preguntarme por qué pasó de nuevo.
Nadie está apagando el fuego.
Sólo avivan la llama.
Dime quién. Lo haré bien
cuando los buenos sean los culpables.

 Si no puedo salvarme

Si todo es blanco y negro
Si no puedo pedir ayuda
En medio de la noche
Si no puedo recurrir a Dios
Y no puedo recurrir a ti
¿A quién recurro?
¿A quién recurro?

¿Quién va a cuidar de mí?

¿A quién recurro?
¿Quién va a cuidar de mí?
¿A quién recurro?
¿Quién va a cuidar de mí?
¿A quién recurro?
¿Quién va a cuidar de mí?
¿A quién recurro?

Si no puedo salvarme etc.


Oladokun, fue descubierta por primera vez después de que esta canción, No Turning Back, apareciera en el anuncio del nacimiento de la hija la cantante Ciara y la estrella de fútbol americano, Russell Wilson, en 2017. A partir de entonces, su música apareció en programas de televisión, incluidas las "This Is Us" y “Anatomía de Grey”. Gracias a ello y a una subvención de Youtube para creadores negros, su fama crecía cada vez más hasta publicar su álbum debut,In Defense of My Own Happiness”.

 

En Jordan, canta sobre su educación cristiana y cómo encontrar su propio camino hacia la fe como mujer queer. La canción se inspiró en la pregunta: “¿Cómo puede importarle a Dios que me guste besar a las chicas?”

Si bien su primer éxito fue una canción romántica, la realidad en la que vive le empujó a escribir canción protesta. “Quizás quieras que cante bonitas canciones de amor, pero, como artista, hay cosas de las que necesito hablar”, dice en una entrevista a The Independent. “No hay ningún país en el mundo que mate a tantos ciudadanos como nosotros”, afirma, antes de señalar que nació en 1992, el año en que Los Ángeles fue sacudido por disturbios provocados por la brutalidad policial. Tres décadas después persisten los mismos viejos prejuicios. "Esta es la mejor manera que conozco de sanar al mundo, y es por eso que hago este trabajo, para hacer este mundo mejor para personas como nosotros y para personas diferentes a nosotros”.

Con sus canciones sobre el trauma religioso, la salud mental y cómo navegar el mundo como una persona negra y queer, son un bálsamo para una época en la que la esperanza parecía escasa y la música más urgente y eficaz reconocía el dolor de la vida y no se limitaba a repartir positividad tóxica. “Siento que no es un accidente que sea una mujer negra queer escribiendo y haciendo música”. Ella fue la primera de su familia nigeriano-estadounidense en nacer en Estados Unidos y creció en Arizona, escuchando la amplia colección de música de su padre. Su vida cambió para siempre cuando vio a Tracy Chapman en la televisión dando una serenata a Nelson Mandela en su 70 cumpleaños. “Ver a Tracy Chapman ahí arriba con una guitarra frente a un estadio lleno fue un momento muy enriquecedor. Corrí a la habitación de al lado y les rogué a mis padres que me compraran una guitarra para Navidad”.

En abril se publicó su último trabajo, “Proof of Life”. ¿Cómo podemos mantener la esperanza en un mundo que parece innecesariamente cruel? ¿Se puede hacer espacio para el amor, los amigos y el éxito sin dejar de apreciar las pequeñas cosas o abordar las más importantes, como el cambio climático? Joy busca respuestas, pero también nos dice los que días oscuros se pueden volver brillantes.

Personas con la inquebrantable honestidad de esta cantante consigue que no perdamos del todo la esperanza. De momento.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania!

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć. Bon lannwit. Fie. God nat. Usiku mwema. Oimore. Sula bulungi. Добрий вечір

Otras fuentes

https://www.rtve.es/play/audios/sin-rodeos/sin-rodeos-regalo-conjunto-joy-oladokun-chris-stapleton/6733091/

https://www.songtell.com/es/joy-oladokun/jordan
https://entretenimiento.news/joy-oladokun-solo-quiere-conectar-personas-330759/