Y al tercer día resucitó

 Siete grandes compositores clásicos para la noche del Domingo de Resurrección

Estas fechas en las que el cristianismo celebra, con más o menos intensidad, la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo, suponen una perfecta síntesis entre tradición, arte, cultura y fe. La palabra fiesta viene del latín y nos comunica una acción, algo a impulsar, manifestar, festejar, alegres o tristes, en público o en privado, pero siempre acompañados por aquellos que comparten unos sentimientos, sean personales, históricos, sociales o religiosos. Si bien quedan lejos los días en que estas constituían un acontecimiento religioso de primer orden en España sigue siendo indicado gozar de la calma y la armonía que los grandes compositores nos ofrecen. La música desempeñaba un papel importante en su liturgia, fuera por medio del canto o combinando la voz humana con una instrumentación de progresiva complejidad.

“La música siempre fue un vehículo de alabanza a la gloria de Dios y no puede estar ausente en la celebración de la Resurrección de Cristo. De ahí la importancia de las obras musicales dedicadas a celebrar esta festividad”, expresa el director Sánchez Haase. De muestra, ocho obras maestras de la liturgia musical para disfrutar.

Pedro Pablo Rubens-Cristo Resucitado 1615-1616Galleria Palatina Florence.

Puede afirmarse que el primer gran oratorio de Georg Friedrich Haendel fue “La Resurrección” (Resurrezione) compuesto con motivo de su estancia en Italia (1706-1710). Representado por primera vez en Roma en 1708, este oratorio obedeció a un encargo de varias obras por parte del príncipe Francesco Maria Ruspoli y, por tal razón, se estrenó en su residencia privada, el Palazzo Bonelli.

Casi cien años antes, en 1623, el organista y compositor alemán Heinrich Schütz compuso un oratorio llamado Auferstehungs-Historie, SWV 50 ("La Historia de la Resurreción"), que puede considerarse (también) como el primer oratorio en lengua alemana. Cuando Schütz asumió su cargo en la corte de Dresde en 1617, era costumbre cantar la “Historia de la Resurrección” de su predecesor Antonio Scandello durante la Pascua. Supuso diversas novedades como usar un texto basado libremente en los evangelios o dotar al narrador de mayor libertad. Se trata, por tanto, de una obra paradigmática, al igual que su compositor.

El “Oratorio de la Ascensión BWV 11” fue compuesto para el Día de la Ascensión de 1734 por Johann Sebastian Bach. Su carácter y escala recuerdan a las cantatas de Bach, pero debido al relato bíblico, cantado por el evangelista, pertenece al género del oratorio. El tempo y los pasajes de gran coloratura oara expresar la alegría de la ascensión suponen un enorme desafío para los cantantes.

En esta obra, su quinto hijo, Carl Philipp Emanuel Bach, canta la resurrección y ascensión de Cristo. El autor del texto fue Karl Wilhelm Ramler (1725-1798), un poeta y académico berlinés. El estreno de la composición tuvo lugar en un ambiente privado hace 250 años, el domingo de Pascua de 1774 en Hamburgo. Y la primera actuación pública tuvo lugar el 18 de marzo de 1778 en la sala de conciertos del Kamp de Hamburgo.

La impresionante “Missa Salisburguensis” para 53 voces que Heinrich Ignaz Franz von Biber escribió en 1682, cuyo “Et Resurrexit tercia die secundum escripturas” cantado por el coro constituye el mayor monumento musical escrito por un compositor occidental.

Vale la pena escuchar otra composición del mismo autor pero que tiene un registro muy diferente y que pertenecen a Las Sonatas del Rosario (también llamadas del Misterio), uno de los corpus instrumentales más densos y monumentales de la literatura violinística del siglo XVII. Fueron escritas en torno a 1676. Fueron encontradas en la Bayerische Staatsbibliothek , la biblioteca estatal de Baviera, en Munich, y publicadas en Viena en 1905. Las sonatas, al igual que el rezo del Rosario y de sus misterios, se reparten por temas en grupos de cinco. La Sonata XI en sol mayor ‘La Resurrección’, C 100 corresponde a los Misterios Gozosos.

"¿Por qué has vivido? ¿Por qué has sufrido? ¿Es todo una enorme y horrible broma? ¡Tenemos que responder a estas preguntas de alguna manera si queremos seguir viviendo - de hecho, incluso si sólo vamos a seguir muriendo!" Estas son las preguntas que Mahler dijo que se plantearon en el primer movimiento de su Segunda Sinfonía, preguntas que prometió que serían contestadas en el final.

Cerraremos esta selección con Il prete rosso. El repertorio coral de Antonio Vivaldi, (1678-1741) fue descubierto en el siglo XX, cuando entre los años 1926 y 1930 salieron a la luz los que se conocen como Manuscritos de Turín que contenían más de trescientas obras del autor. Uno de los primeros en acceder a sus obras religiosas para coro fue Alfredo Casella, al que también se le atribuye el estreno del “Gloria RV 589” en el Festival Vivaldi de Sienna de 1939, tras más de doscientos años de silencio desde que fuera escrito en 1713. Aunque es un canto de Navidad esta magna obra se interpreta habitualmente, igual que ocurre con el Mesías de Haendel o la Misa solemnis de Beethoven, en los conciertos del Domingo de Resurrección en todo el mundo.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. A pesar de que el narcisista Trump está sembrando el caos político y económico en el mundo, que el bolsillo y las banderas quieren poner todo patas arriba en su propio beneficio, que la ultraderecha avanza sin freno porque cuando Europa ha despertado el dinosaurio seguía ahí, el arte es y será siempre un lugar de encuentro. Pero no nos olvidemos de los más de 55.000 muertos de Gaza, ni su interminable genocidio, ni de Ucrania, bombardeada por Putin a pesar de la tregua, ni de Siria, que pronto será abandonada a su suerte (también), o Sudán de la que desconocemos cuantos muertos llevan en un año, ni de la oscura realidad de las mujeres en Afganistán, ni de las guerras del Congo por un puñado de coltán… ni de los 227 muertos por la DANA de Valencia, ni de los 7291 muertos en las residencias de Madrid. Hay demasiado sufrimiento para refugiarnos en el arte y olvidarnos del mundo.

Buenas noches.  Bona nit.  Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

 Otras fuentes consultadas:
https://musicaantigua.com/musica-sacra-para-el-domingo-de-resurreccion/
https://pianoencasa.com/semana-santa/
https://www.medici.tv/es/collections/easter-music
https://hjck.com/musica/en-canto-y-musica-coral-la-resurreccion-y-ascension-de-jesus-de-carl-philipp-emanuel-bach-ex40
https://www.religiondigital.org/aeterna_christi_munera/Historia-Resurreccion_7_1914178569.html
https://hjck.com/musica/la-musica-clasica-y-la-tradicion-religiosa-programacion-especial-en-hjck-ex40
https://loff.it/archivos/collections/seis-grandes-compositores-clasicos-para-la-tarde-del-domingo-de-resurreccion-234864/
https://www.ultimahora.com/la-resurreccion-un-tema-abordado-compositores-siglos-pasados-n1078484
https://www.melomanodigital.com/la-resurrezione-hwv-47-de-georg-friedrich-haendel/
https://filomusica.com/filo3/nuevor.html
https://es.laphil.com/musicdb/pieces/3938/symphony-no-2-resurrection

El cello, un instrumento barroco que no deja de emocionarnos

“El violonchelo toca nuestros sentimientos en un nivel profundo e insondable” (Yehudi Menuhin)

La música a menudo le habla al alma, es arte capaz de conectar a las personas de manera poderosa. Para muchos, la emoción que evoca es lo suficientemente fuerte como para empujarnos a un viaje introspectivo. 

Fotografia Revista Elle

El 27 de noviembre estaba escuchando en Play Radio el programa de RNE A través de un espejo. Sonaban las Cuatro Piezas Románticas de Antonín Dvořák en versión para piano y violonchelo cuando en la pantalla del ordenador emerge una notificación de El Periódico: Almudena Grandes acababa de morir. La noticia, acompañada de las largas, profundas y graves notas del cello, me provocó una profunda sensación de  tristeza, melancolía y nostalgia. 

Escuchando esta versión interpretada al piano por Viacheslav Poprugin y al cello por Natalia Gutman, me dio por echar la vista atrás dándome cuenta (una vez más) de todo lo que se va quedando en el camino… Hay días que pesan los años. La composición original de las Miniaturas (1887), nombre inicial que Dvorak le dio a este grupo de piezas, fue para viola y dos violines. Cuando las rehízo para violín y piano, las renombró tal y como las conocemos hoy.  (Nota curiosa: Un videojuego lanzado en 2010, Civilization 5, contiene parte del Larguetto en su soundtrack).

La cellista, pianista, locutora de radio y directora musical estadounidense Valerie Kahler nos explica el porqué de la emoción que transmite el instrumento. “El rango del violonchelo se parece tanto a la voz humana: cálida y rica, capaz de una pasión ardiente y la máxima ternura, ira, tristeza, anhelo. Incluso la forma en que se toca: literalmente abrazado por tus brazos, hombros apoyados contra tu pecho, la parte inferior del combate tocando las rodillas, el cuello apoyado en el cuello. Oblivion de Piazzolla es la exhibición perfecta del violonchelo como cantante de canciones de amor ".

Esta versión para cuarteto es preciosa, también.

El “Concierto para violonchelo” de Dvorak es, quizás, la obra más querida para violonchelo y orquesta. Es una pieza asombrosa. Pero detrás de ella hay una historia curiosa. En marzo de 1894, Dvorak escuchó a la Filarmónica de Nueva York interpretar el nuevo concierto para violonchelo en mi menor de su amigo Victor Herbert. Después, se dice que Dvorak corrió detrás del escenario y le dijo a Herbert que era "espléndido, absolutamente espléndido". Casi exactamente un año después, Dvorak terminó de escribir el concierto que tan bien conocemos.

El tercer movimiento de la Sonata para violonchelo op. 19 de Rachmaninoff nos muestra lo romántico que puede ser el violonchelo. A continuación interpretada Nikolay Shugaev y Fatima Alieva

Ninguna lista de las mejores obras para violonchelo de la música clásica estaría completa sin la primera Suite para Violonchelo nº 1 de Johann Sebastian Bach, la mano de Dios.

No es fácil definir quién es el cellista más grande de todos los tiempos. Hay varios músicos que podrían obtener este honor (Cassadó, Tortelier, Starker o Rostropovich). Intérpretes de este instrumento como la británica Jacqueline du Pré o el chino Yo-Yo Ma han llevado la música en cello a altos niveles de calidad y excelencia.

Hagamos un alto en Jaqueline du Pré y su interpretación más famosa, el Concierto para violonchelo de Elgar. Fue una de las últimas obras del compositor inglés,  acabada en 1919, después de haber acordado muchos años antes que escribiría tal concierto. La interpretación elegíaca de Jacqueline del Adagio sigue siendo la grabación más notable de la obra hasta la fecha. Grabada en 1965, la interpretación de du Pré fue tan popular que Rostropovich, su maestro, eliminó la obra de su propio repertorio. El uso de Elgar de melodías ricas y evocadoras, y un mínimo acompañamiento orquestal genera una sensación de melancolía que perdura durante todo el movimiento.

Si bien todos ellos han sido grandes intérpretes del cello, seguramente para nosotros no habrá nadie como Pau Casals y su Cant dels ocells.

En el panorama musical actual, emergen con fuerza grandes instrumentistas. Este es el caso de Camille Thomas. Esta violonchelista llama inmediatamente la atención por la abrumadora sonoridad que extrae de su instrumento, un Ferdinando Gagliano de 1788.  Podemos escucharla interpretando Après un rêve (Op. 7, n.º 1) del compositor francés Gabriel Fauré

Sigamos con el chelista croata Stjepan Hauser, (es el intérprete de la anterior pieza de Piazzolla) alumno Rostropóvich y uno de los últimos chelistas escuchados por su maestro antes de morir. Su forma de interpretar me parece conmovedora.

Otro de los instrumentistas que se ha hecho un hueco entre los principales violonchelistas de su generación es el alemán Gabriel Schwabe. En este video nos ofrece un tema contundente, el primer movimiento de la Sonata para violonchelo solo, de Kodaly. A pesar de su melodía errática y sus atrevidos saltos de octava, la pieza no pierde legitimidad emocional. La falta de acompañamiento hace que el violonchelo solo sea aún más sorprendente.

No solo en la música clásica el instrumento de esta noche tiene gran protagonismo. Temas populares como Eleanor Rigby de los Beatles, por ejemplo, tienen entre sus principales sonidos el del cello, o en la banda finlandesa de heavy metal Apocalytica, conformada por cuatro cellistas con formación sinfónica que tocan en el cello melodías de lo más agresivas.

Hemos llegado al final. Hemos podido comprobar que el cello es uno de los protagonistas de las agrupaciones orquestales pequeñas (orquestas de cámara, cuartetos de cuerda) o de las grandes (sinfónicas, filarmónicas), de composiciones clásicas o modernas. Y eso es así porque sus tonalidades oscuras y ensoñadoras, son capaces de despertar emociones que van de la más exultante alegría al más profundo desasosiego o temor. Este ha sido un sentido viaje a través de mis emociones. Espero que para vosotros también lo haya sido.

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć. Bon lannwit. Fie. God nat. Usiku mwema. Oimore. Cuidaos mucho.

Otras fuentes
https://www.labellezaescuchar.com/2012/08/antonin-dvorak-4-piezas-romanticas.html?m=1
https://www.rtve.es/play/audios/a-traves-de-un-espejo/
https://blog.derrama.org.pe/cello-instrumento-barroco-que-emociona-a-publicos-modernos/

Raúl Prieto, organista

El alma sobre el escenario

Raúl es un hombre alegre, amable, extrovertido, cercano, simpatiquísimo, dicharachero, vital. Jesús y yo tuvimos el gran placer de conocerlo en persona el año pasado, en la visita guiada al órgano de la Basílica de Santa Maria que organizó el V Festival Internacional d’Orgue de Mataró. El músico nos explicó con pasión la historia y la musicalidad de “su amigo”, como a menudo le llama, un instrumento magnífico de 4.557 tubos de hasta 6 metros de altura, con 4 teclados de 61 notas y un pedal de 32 notas.

            Raúl Prieto es uno de los talentos más emocionantes en la escena internacional de conciertos de órgano en este momento. Pero, ¿quién es este organista? Raúl Prieto Ramírez nació en Navalmoral de la Mata, Cáceres, en 1979. Empezó sus estudios de órgano en Salamanca que concluyó posteriormente en Barcelona con matrícula de honor. Aprobó el examen final en la Staatliche Hochschule für Musik und Darstellende Kunst de Stuttgart y obtuvo la mayor calificación que se había otorgado nunca en este centro. En 2007 debutó en Estados Unidos en el Merrill Auditorium de Portland y tocó también en el Methuen Memorial Music Hall. En 2008 hizo su primera aparición en Rusia (Filarmónica de Perm) y en la Catedral de Milán. En 2009 tuvo lugar su primer concierto en el Victoria Hall en el Reino Unido.

Raúl en la visita guiada al órgano de la Basílica de Santa Maria

Cuando fue nombrado, a los 26 años, el primer organista residente del famoso  Auditorio Nacional de Música de Madrid, que es a la vez la sede de la Orquesta y Coro Nacional de España, nuestro protagonista de esta nohe se confirma como artista de gran talento en el escenario internacional del órgano de tubos. En los primeros seis meses de su nombramiento multiplicó por 30 la asistencia a los recitales de órgano de la sala y los críticos lo elogiaron como uno de los talentos más emocionantes en la escena musical española. Sin embargo, como él mismo nos explicó aquel día mientras le escuchábamos interpretar, empezó a tocar el órgano muy tarde.

Nacido en una familia que disfrutaba del arte y la danza, a los 11 años se sintió fascinado por el sonido del órgano en un programa de radio local. Durante los siguientes cinco años aprendió a tocar mientras buscaba toda la información que pudiera encontrar sobre el instrumento. Sin embargo, con sólo un pequeño teclado de 4 octavas que tenía, ¿cómo podía tocar música de órgano con pedales? "En mi adolescencia la solución era hacer mis propias transcripciones de las piezas que escuché", recuerda Raúl en alguna entrevista. En sus años de escuela temprana él había construido una biblioteca formidable de sus propias transcripciones para órgano de la música orquestal. No pasó mucho tiempo antes de que estuviera tocando Bach en los órganos históricos con pedales en las aldeas y pueblos circundantes y, de allí a instrumentos cada vez más grandes y la música de Liszt, Reger, Dupré entre otros

Raúl con la pianista María Teresa Sierra, su mujer.

Además estudió piano con Leonid Sintsev (Conservatorio Rimsky-Korsakov en San Petersburgo), órgano con Ludgar Lohmnn en la Hochschule für Musik in Stuttgart. Y participó en clases magistrales con Marie-Claire Alain, con Guy Bovet, Lionel Rogg, Eric Lebrun , Zsigmon Szathmary y Luigi Ferdinando Tagliavini, fallecido el pasado 11 de julio, entre otros. También, estudió la carrera de filosofía.

"Tuve una buena educación artística, pero no necesariamente en la música", admite. "Yo fui autodidacta durante cinco años a partir de los 11 años, pero en realidad no me considero un organista porque soy un músico que sólo quiere desarrollar mi capacidad y todas mis posibilidades musicales", añade. "Estudié filosofía porque era algo en lo que me interesaba, pero me di cuenta de que podía hacer mucho más con mi música, se convirtió en mi ambición en la vida".

El pasado 8 de julio tuvo lugar el concierto inaugural del VI Festival d’orgue de Mataró, su concierto anual en la capital de El Maresme, un concierto reivindicativo para la restauración completa del órgano.  El órgano de la Basílica de Santa Maria es el más grande de Catalunya. “Es una pieza de valor único, un símbolo que demuestra que Mataró fue una ciudad puntera a nivel europeo” afierma Prieto. Este año el concierto estuvo dedicado a la música que se escuchaba en la época de Puig i Cadafalch. La entrada, como siempre, fue gratuita; las ayudas económicas que se reciben del público asistente van destinadas a la restauración y mantenimiento del instrumento.

No hay más que tenerlo delante para captar la pasión que Raúl siente por el órgano, un instrumento que ve como un vehículo casi ilimitado para su expresión musical. Realizando un amplio repertorio con talento y energía, sus transcripciones del Mephisto Waltz de Liszt o de Clair de lune de Debussy fueron espectaculares. Los asistentes quedamos atrapados por su entusiasmo contagioso, por su afán pedagógico, por sus emocionantes interpretaciones, todas ellas de memoria, que combinaron un virtuosismo deslumbrante con gran poder expresivo. Al acabar, después de dos bises, (hubiera dado tantos bises como le hubiéramos pedido) nos dijo sonriente que estaba agotado. No es de extrañar.

Descrito por los críticos como audaz, emocionante, iconoclasta, trascendente y chisporroteante, la pasión absoluta de Raúl Prieto Ramírez por la música lo mueve a compartir su talento en cualquier lugar. Además del concierto inaugural del Festival, cada mes de julio toca su propio instrumento al aire libre en Mataró, durante más de tres horas. En 2008 el organista descartó empresas de órganos electrónicos y diseñó su instrumento en su casa con el apoyo de los trabajadores de la madera e ingenieros locales. Con la intención de tocar con su esposa en lugares donde un órgano de tubos no está disponible diseñó un instrumento fácilmente transportable que cabe en una camioneta de tamaño medio y utiliza sólo 8 tornillos. Con dicho instrumento ha sido capaz de promover el órgano y su música en numerosos lugares de Europa.

Entre una amplia selección de piezas de órganos románticos, barrocos, modernos e incluso teatro, siempre es Bach el compositor, que congrega a un público más amplio.

"La gente me dice que no les gusta el órgano, aunque no hayan ido a un concierto de órganos. Pido a todos que vayan a darse un paseo antes de opinar". Al darse cuenta de que el órgano no es del gusto musical de todos, Raúl ha dedicado mucho tiempo a promover su sonido único con la esperanza de atraer a más oyentes a conciertos de órganos. De ahí que el Festival d’orgue de Mataró tenga también su academia.  Esta academia ofrece, clases colectivas y particulares a cargo de profesores de reconocida proyección internacional, seminarios y dos conciertos a cargo de los alumnos. Los alumnos tienen a su disposición órganos de estudio. También se les facilita alojamiento y manutención a precios asequibles. En el concierto inaugural nos presentaron a unos muchachos que venían de New York.

Raúl Prieto Ramírez fue un pionero en llegar a un público más amplio a través de Internet. Un ejército de partidarios internacionales continúa siendo atraído por sus actuaciones altamente populares de YouTube. Su ahora legendaria transcripción de la Danse Macabre sigue siendo el espectáculo de órgano no comercial más visto en Internet.

Pero os puedo asegurar que no hay video que pueda transmitir lo que transmite una actuación suya en directo. Si algún día tenéis la ocasión de asistir, no os la perdáis. Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

La música clásica y la Navidad

Un regalo para el alma

La música tiene el poder de recuperar la memoria de quien la escucha: recuerdos de la infancia alegrando el presente, invitando a crear nuevos recuerdos sobre las experiencias compartidas con amigos, familiares y seres queridos.

Bartolomé Esteban Murillo 

Por otra parte, la Navidad no ha sido ajena al arte y su relación con la música es incuestionable, así que muchos compositores han tratado de reflejar y transmitir su espíritu a través de sus obras musicales. La música clásica, tan vinculada durante siglos a la Iglesia, también se tiñe de Navidad. Y cada Navidad se tiñe de recuerdos. Un círculo perfecto.

Pero, cuando hablamos de música para la Navidad parece existir una cierta monotonía repetitiva, siempre lo mismo. Hay que tener en cuenta que la música navideña se divide en dos: aquella música clásica escrita para esa ocasión y otra que es tomada con tal motivo sin haberse escrito con ese fin, como sucede con El Cascanueces, que siempre va en esta época, pero no es música escrita especialmente como obra navideña. Sin duda hace falta que directores e intérpretes procuren una mayor diversidad en torno al repertorio navideño, que metan la nariz en el repertorio antiguo, en el no tan común, para que podamos ofrecer un mercado diferente de obras navideñas que también son maravillosas.

Con esta intención empezaremos con el Canto de la Sibila de Mallorca, Anónimo (Edad Media 1360-1366)

Este es un canto gregoriano que se interpreta la noche del 24 de Diciembre, en "la misa del Gallo", sobretodo cantada en las iglesias de Mallorca porque fue donde se quedaron aisladas algunas de las prohibiciones del concilio de Trento de 1572, ya que supo sobrevivir y convertirse al cristianismo gracias a la analogía entre la original profecía mitológica del fin del mundo de épocas romanas y griegas y el proceso del juicio final de la Biblia. 

La Sibila es una sacerdotisa con poderes atribuidos de un espíritu profético del fin del mundo; nos echa un sermón sobre el juicio final tanto a buenos como a malos, anunciando la llegada del Rey Dios universal, en condición humana y como salvador. Sujeta la espada que le da el poder de la palabra de dios.

Sin abandonar esta época os propongo el Hodie Christus natus est, la antífona del Magnificat, que se canta en la Misa del día anterior a Navidad. Como todo canto gregoriano, es monofónico, de una belleza sutil y atractiva.

Es posible que algunos no sepáis que “antífona” significa “voz que contesta” y consiste en una melodía, generalmente corta y sencilla, que se utiliza como un estribillo que se canta antes y después de un himno, salmo o cántico, normalmente en latín, en los Oficios o en las Misas de la Iglesia Católica.

Letra Original: Hodie Christus natus est, hodie salvator apparuit. Hodie in terra canunt angeli, laetantur Archángeli. Hodie exsultant justi dicentes. Gloria in excelis Deo, alleluia.

Traducción: Hoy, Cristo ha nacido; hoy, el Salvador ha aparecido; hoy, en la tierra, cantan los ángeles; hoy, se alegran los arcángeles; hoy se alegran los justos diciendo: Gloria a Dios en las alturas, Aleluya.

Esta versión de Jordi Savall que os recomiendo para mí es la mejor, pura fantasía, una música hipnótica que crece en la mística sagrada de la palabra mientras los coros vocean el anuncio final.

Alejándonos de la música medieval, además de los clásicos de Tchaikovski y Händel, la música navideña tiene un gran repertorio que podría ser explorado en estas fechas, desde el Oratorio de Navidad, de Bach; A ceremony of Carols, de Benjamin Britten, o El reposo, de Vivaldi, así como piezas de Arcangelo Corelli, Georg Philipp Telemann y un sinnúmero de misas renacentistas y barrocas dedicadas a la Natividad.

Hagamos un alto en “A Ceremony of Carols”, una obra concebida inicialmente como una serie de canciones no relacionadas entre si, pero que se reunificaron para la Navidad en una antifonía gregoriana. La ceremonia comienza con una procesión a capella, "Hoy cristo ha nacido" y finaliza con la misma en una variación. Entre el principio y el final hay 9 villancicos; destacaría el sexto y séptimo villancico con dos interludios evocadores, preciosos, con un instrumento tan maravilloso como es el arpa.

Aunque me sea imposible sustraerme a Händel (¿Quién no ha canturreado el “Alleluiah” del “Mesias”?) obviamente el grandísimo referente es Johann Sebastian Bach ¿Por qué Bach?, porque su música es la más perfecta; es indiscutiblemente el músico más profundo que hay.

El Oratorio de Navidad recoge 6 partes relacionadas con la natividad del salvador, llevando el peso de la narración el evangelista, como en la pasión según San Mateo. Abriremos boca (y oídos) con el coro inicial de la primera cantata del Oratorio. Destacaría la frescura libre de los coros y la expresividad de la narración entusiasta y una pulida técnica que Koopman, como musicólogo reconocido, dirigiendo el Coro y Orquesta Barrocos deAmsterdam,  nos eleva de la pompa terrenal y nos deleita con el ingenio máximo de Bach. 

¿Seguimos? Ya con 75 años, en 1660, y tocando el barroco medio, la Historia de Navidad de Heinrich Schütz una obra que transmite una paz y una serenidad propicias para afligirse a la sensibilidad real de estas fechas navideñas, un oratorio protestante luterano en el que el evangelista es el tenor que nos narra la historia del nacimiento bíblico en una preciosa historia melómana de las más rotundas y bellas de la Navidad.

De la obra navideña de Marc-Antoine Charpentier podemos resaltar la  Messe de Minuit pour Noel  y els Nöels & Christmas Motets. La primera es una sobrecogedora "misa del gallo" usando los villancicos populares al servicio en esta misa de iglesia pero con una música muy, muy hermosa que no os tenéis que perder. Era la moda y la música en la Francia del barroco medio que marcaban un estilo en la Europa de la época, con un arte muy refinado y selectivo, reflejado en la elegante sencillez con los temas que nos trata Charpentier. 

Nöels & Christmas Motets. es una recopilación de villancicos o noels, en francés, de diversas obras del autor recogidas en melodías populares de la época, música suave, agradable y encantadora.

Pegamos un salto enorme en el tiempo y en la historia para adentrarnos en los finales del romanticismo, con La Noche de Navidad (Nochebuena) suite orquestal de Nikolai Rimsky-Korsakov. Esta suite está extraída de una ópera que el amigo Nikolai compuso basándose en un cuento navideño popular ruso. Son unos 30 minutos de una música ligera y llena de color, no tan exótica como Scheherezade o el Capriccio Espagnol, pero todavía con sabor étnico de la navidad rusa y con la maestría típica de Korsakov.

Y de Rusia saltamos a la "bella" Italia, en Roma, con Arcangelo Corelli y los Concerto grosso op.6 en el que incluye el nº 8 en sol menor per la Notte di Natale, cuyo último movimiento, Pastoral, representa la Natividad. Como curiosidad anotemos que no se publicó hasta un año más tarde de la muerte de su propio autor.

Huyendo de lo habitual me he emperrado en obviar El Mesías, de Haendel. Pero por mucho que lo escuchemos hasta la saciedad siempre será magnífico.

Hay ni se sabe cuántas diversas obras del Mesías y versiones que resultan más o menos modernas al original. En cambio en este caso tenemos la original de 1751 con unos tonos agudos más inusualmente cálidos, habiendo sustituido con sutileza a las mujeres como las soprano que cantan habitualmente, por niños dándole en general una expresión a la obra, quizás más adecuada a la Navidad y la infancia. Aquí tenéis parte de su alma, de la luz, el color, y la brillantina propias.

También están la Sinfonía de Navidad de Corrette , los conciertos para Navidad de Francesco Manfredini y de Giuseppe Torelli, así como una misa y piezas para órgano de François Couperin. Y todos aquellos compositores europeos que, al fungir como maestros de capilla, tenían responsabilidades religiosas y tuvieron que componer música para esta ocasión solemne. Pero en algún momento hay que decir basta.

Quizás este post de nuevo tan largo solo tenga por objetivo despedir el 2014 para dar la bienvenida al nuevo año, reivindicando la música como medio para alcanzar la Libertad y sobrevivir en este universo tan triste. Porque, como un día dijo Savall, en toda época de crisis la música ha salvado a la gente.

FELIZ AÑO NUEVO A TODOS

Música de una amiga invisible

"¿Con nocturnidad?"

Cada Navidad, en la escuela donde trabajo, el último día antes de iniciar las vacaciones de Navidad llevamos a cabo el ritual del “Amigo Invisible” pero de una forma particular.

Durante diez días vamos dejando “pistas” que definen la persona a la que irá dirigido el regalo. Os puedo asegurar que es muy, muy divertido ver el ingenio y el esfuerzo que ponemos en la elaboración de las pistas para identificar, agasajar y arrancar una sonrisa de las personas a quienes van dirigidas.

En ese contexto, el pasado martes me encontré con este CD que, evidentemente, me identifica, lleno de música que tengo el enorme placer de compartir con quien desee escucharla.

La primera pieza que pude escuchar es Arabesque n 1 de Debussy

Esta obra es la primera de una suite de dos, llamadas "Arabesques". Si tienen o no algo que ver con la forma decorativa del arte islámico es algo que tendréis  que descubrir vosotros. Lo que sí es seguro es que ambas son bellas, exquisitas, evocativas...

El Concierto para dos violines en Re menor del más grande músico del barroco (hay quien dice que de todos los tiempos), Johann Sebastian Bach es tal vez una de sus obras más famosas y reconocidas, y considerada una de las obras maestras del Barroco. Bach la compuso en Leipzig entre 1730 y 1731. No cabe duda de que esta obra constituye una de las páginas más bellas y más magistralmente escritas por Bach. Los dos instrumentos solistas están colocados en un plano de igualdad absoluta.

Así, después de escuchar a Debussy pude deleitarme con el primer movimiento de este concierto, quiero pensar que interpretados por los más virtuosos e inigualables violinistas  Itzhak Perlman e Isaac Stern

Al escuchar el Concierto de Aranjuez,  magistral composición para guitarra y orquesta del compositor español Joaquín Rodrigo, que me ha acompañado desde que nací, me he llevado una grata sorpresa. Es una versión ni más ni menos que en saxo!.

No es de extrañar. Nunca una obra española alcanzó tal popularidad, y probablemente pasará mucho tiempo antes de que otra le haga siquiera sombra, ni aún dentro de la amplia producción del maestro valenciano. La verdad es que ni en youtube ni en goear he encontrado una versión para guitarra y saxo pero, para que os hagáis una idea os propongo esta maravilla con Chet Baker a la trompeta, Paul Desmond con el saxo alto, Ron Carter con el bajo, Steve Gadd en la batería, Jim Hall a la guitarra y Roland Hanna al piano. Fascinante.

El tema siguiente podemos decir que es el encuentro de dos genios noruegos, Grieg e Ibsen.

En 1876 Edvard Grieg contaba treinta y tres años de edad y había empezado a despuntar dentro del ámbito musical de su país con composiciones como el célebre Concierto para piano en la menor y las Piezas líricas para piano. Henrik Ibsen acababa de escribir algo totalmente diferente a su tónica habitual: un drama en cinco actos que tomaba como base el folklore y la mitología nacional para contar la vida de un ambicioso muchacho que vive insólitas aventuras. El fruto de esta conjunción de talentos fue Peer Gynt y el propio Ibsen siempre se vería obligado a admitir que parte del éxito que cosechó la obra se debía a aquellos números musicales, en un principio, destinados a rellenar huecos. Por su parte, Grieg, que admiraba profundamente a Ibsen, temía no estar a la altura de las circunstancias y tuvo que superar numerosas dificultades hasta lograr una música que se ajustase perfectamente al texto.

Mi amiga invisible me ha deleitado con la Danza de Anita

Asturias (Leyenda) es una de las piezas que integran la suite para piano solo Suite española, compuesta alrededor de 1886 por  Isaac Albéniz.. Originalmente, la suite constaba de cuatro partes. Un editor agregó otras cuatro después de la muerte del compositor (1909), entre ellas un preludio que correspondía a otra suite y le llamó Asturias, leyenda.

Esta pieza debe ser una de las escasas obras que transcritas para otro instrumento adquieren otra dimensión y resultan más bellas que la versión original. A tal punto es así que Asturias es interpretada con mucho mayor frecuencia en su transcripción para guitarra antes que en la original para piano, que siempre resulta un poco ruda, debido, no está demás decirlo, a la dificultad que presentan los enormes saltos en el teclado. ¡Cómo no compartir la interpretación de Narciso Yepes!

Siguiendo con los autores españoles, el CD de mi amiga invisible me ha llevado hasta Enrique Granados.

El conjunto de sus Doce Danzas Españolas supuso el primer reconocimiento internacional de Granados, recibiendo el efusivo elogio de compositores consagrados de la talla de Saint-Saens, Massenet y Grieg. La serie de doce piezas para piano se constituyó así en una de las máximas aportaciones al repertorio pianístico español del siglo XIX. La Danza española n.º 2, denominada Oriental, es una bella danza escrita en do menor. La primera sección es un andante en el que la mano izquierda dibuja un sentido acompañamiento, mientras que la derecha entona la melancólica melodía principal. En el vídeo, la composición está interpretada por el profesor de piano Héctor Frances.

Después de Granados nos vuelve a acompañar Bach. Muchas de las colecciones de obras de Bach dependen del género Suite. Las hay para violín o violoncelo solo y para teclado (Suites francesas, suites inglesas, partitas o suites alemanas). Para orquesta existen cuatro cuya cronología y fechas de composición no se conocen con certeza. Lo que sí se sabe es que Bach no se interesó por la Suite hasta que no estuvo instalado en Köthen.

Las suites para orquesta de Bach están netamente marcadas por la música francesa. Curiosamente, la Suite nº2 carece de Courante y en su lugar aparece un episodio que no se asocia a ningún ritmo de danza en concreto, la conocidísima Badinerie o badinage, una danza breve y muy viva.

La versión que os dejo corresponde a una excepcional interpretación de la Amsterdam Baroque Orchestra dirigida desde el clave por Ton Koopman y con la intervención de Wilbert Hazelzet como instrumentista de flauta barroca. Corresponde a una versión moderna con un conjunto reducido al máximo de instrumentistas y, sin llegar a ser estrictamente una auténtica versión original, nos brinda una sugerente idea de cómo Bach hubo de imaginar esta bellísima obra. Sobra decir que este tipo de interpretación con un conjunto musical reducido es infinitamente superior a las decimonónicas y pesantes lecturas realizadas con una orquesta de mayores dimensiones.

La Danza Ritual del Fuego es una danza perteneciente al ballet El Amor Brujo, del compositor español Manuel de Falla. Falla es, junto con los catalanes Isaac Albéniz y Enrique Granados, el tercero de los compositores que conforman la gran trilogía de la música nacionalista española.

Manuel de Falla nos permite escuchar una obra fantástica, clásica de todos los tiempos. Con una imaginación espectacular, utilizó la imagen del fuego y sus movimientos, para componer esta maravilla.

El negro de la voz de oro. Porque, si bien no hay negro que cante mal, no creo que haya humano con la capacidad vocal de Bobby McFerrin.  Su inspirada interpretación a capella del Aria de la Suite Orquestal nº 3 de Bach,  es para mi gusto una de las composiciones más asombrosas, perfectas e irrepetibles que se hayan conocido en este mundo. Y en cualquier otro.

“Me sorprende cuando escucho la música de Bach; sólo te dejas llevar. Es tan edificante… es una danza”

Imposible no recordar a Goethe, para quien Bach “evoca a la Eterna Armonía hablando consigo misma, como debió ser poco antes de la creación del mundo”. Esa cualidad intemporal queda acentuada, al lado de McFerrin, por la versión “histórica” de Ton Koopman, de nuevo junto a la Orquesta Barroca de Amsterdam (aunque no forme parte del CD)

A continuació hi trobem una sèrie de cançons populars catalanes com la famosa nadala “El noi de la mare” interpreteda a piano.

Y para acabar este maravilloso regalo de mi amiga invisible, Federico Mompou Durante los años exitosos de Mompou en París una de las obras que más cautivaron a su público fueron las escenas (Escenas de la infancia). Se componen de los tres Jeux (juegos) que compuso en 1915, a lo que añadió la pieza de apertura Cris dans la rue (Gritos en la calle), y, como un final, los conocidos Jeunes filles au jardin (Chicas en el jardín).

En fin. Un verdadero placer. ¡GRACIAS! Esa música ya es un regalo en sí misma. Creo saber ya quién es esa amiga invisible que tan bien conoce mis gustos. Aun así esperaré al martes para desvelar el secreto. Buenas noches. Bona nit!

Johann Sebastian Bach, "el genio de Dios"

"Inicialmente estaba Bach... y entonces todos los otros" (Pau Casals).

La esencia de la música puede adoptar formas y colores muy dispares una vez que es percibida por el oyente. Esta sensación, que toma como vehículo las notas, los acordes, incluso los silencios, es manejada y torneada por el compositor hasta convertirla en verdadera obra de arte. Pensada sobre la partitura, pero construida con delicadeza y esmero sobre el aire, convierte a éste en efímero papel tapiz sobre el que dibujar su pensamiento, incluso su fe.

Me tenéis que perdonar pero hablar de Bach me infunde un enorme respeto. Siento que balbuceo. Los adjetivos para aludirlo se me agotan rápidamente y me  quedo invariablemente corta para dimensionar el papel que este hombre ha jugado en la música, en el arte, en la cultura universal. Porque Bach es todo: la armonía, la perfección, la simplicidad, la belleza, la maestría, la esencia, la delicadeza, la unión y la mezcla de sonidos, de sensaciones... 

“El único propósito y razón final de toda la música debería ser la gloria de Dios y el alivio del espíritu”

La música de Bach eleva al hombre más allá de su palmaria mediocridad. Es la prueba viva de que el ser humano puede ser algo más que un triste organismo autodestructivo. Sin su creación musical, etérea e inmarcesible al mismo tiempo, el mundo, tal y como lo conocemos, quedaría mutilado, desfigurado y falto de espíritu.

¿Hubo música antes de Bach? Por supuesto que la hubo. Grandes compositores dedicaron su alma a llenar el espacio vacío con obras que, aun hoy, asombran a los que albergan en su interior el raro talento de escuchar y dejarse arrastrar por ese torbellino intangible. Pero ninguno de ellos tenía el inmenso genio del cantor de Leipzig aunque su obra permaneció ignorada por la inmensa mayoría hasta que alrededor de cien años después de su muerte, Mendelssohn se empeñó en la tarea de darlo a conocer al público de la música. Es muy conocida la anécdota que cuenta que éste se encontró nada más y nada menos que  La pasión según San Mateo de Bach, la cual, había sido utilizada por un carnicero para envolver la carne de su tenderete. 

Esa anécdota, sea verdadera o no, ilustra muy bien la realidad, ya que es cierto que el gran Bach fue prácticamente desconocido hasta que Mendelssohn lo llevó a las salas de conciertos. La película de Portabella “El silencio antes de Bach” recrea el asunto de las partituras con tinta de ternera. (Si clicáis el enlace podréis ver la película completa.)

En el mundo de la música, su nombre sólo era pronunciado por unos cuantos (Mozart, Beethoven, Schumann y Brahms lo veneraban más que a Dios mismo por lo que  una se pregunta si Dios no está en deuda con Bach). Precisamente, atendiendo a la cantidad y calidad de su producción, fue Beethoven quien, haciendo un juego de palabras con el significado de su apellido en alemán, dijo de él que “no debiera llamarse Bach (arroyo, en alemán), sino Meer (mar)” Al paso del tiempo, su obra irrigó la sensibilidad de los hombres que gustan de lo bello en general y de la música en particular. 

Hubo pues, antes de Bach, un silencio que sólo él pudo inundar de luz y esperanza.

Por lo tanto, obra de Bach ha dado a la humanidad una nueva dimensión de sí misma. La obligada reflexión sobre la condición humana quedaría incompleta si nunca hubiera sido escrito aquel oratorio de La pasión según San Mateo. Eso en el caso de que alguien pudiera aportar algo más sobre la condición humana después de Shakespeare. Si es fácil concluir que el ser humano posee todas las facilidades para inclinarse hacia lo perverso, en este caso queda demostrado que podemos aspirar a lo sublime aunque sólo sea de forma efímera.

Si os adentráis en su prolífica obra llegaréis a la misma conclusión que yo: Bach era, en cierto sentido, un extraterrestre, una montaña en medio de la verde llanura del talento, una fuente inagotable de ignotas emociones. La proyección mística de Johann Sebastian Bach es, por tanto, infinita. Mientras haya música, la inspiración del “viejo peluca”, como le llamaba cariñosamente su hijo Johann Christian, seguirá iluminando las fibras más íntimas de nuestra agonizante sensibilidad.

4 de julio de 2013

Como esperaba ( y no me ha defraudado) Xavier Perarnau nos hace un par de propuestas: la sublime versión de Anner Bylsma  de la Suite nº 1 y La pasión según San Mateo por Christoph Prégardien (tenor) Tobias Berndt (baritone) y Dorothee Mields (soprano)