Aquí estoy de
nuevo para compartir otra voz femenina, la de Sara K. Con ese nombre parece la protagonista de una
película de espías, pero no, es una cantautora estadounidense que se retiró en
2009 pero que he recuperado muchos años después de haberla conocido. Cada voz es única, por supuesto, pero para mí, la de Sara K. es
particularmente singular, por eso creo que vale la pena que la conozcáis..
Si os fijáis
en la foto, su guitarra solo tiene 4 cuerdas. Sara creció en una familia
rodeada de música. Todos, su madre, su padre, su hermano y su hermana, cantaban
o tocaban algún instrumento como pasatiempo. A principios de la década de 1970,
a los 15 años, la más pequeña de la familia comenzó a tocar la guitarra
clásica, usando una que su hermana había dejado, pero quitándole las cuerdas
originales para sustituirlas por tan solo cuatro cuerdas graves. Sara K.utilizó esta afinación desde entonces, convirtiéndola en una de sus señas de
identidad. Yo la conocí gracias a su álbum “Hell or High Water” hace… 15 años… uf!. Su voz me pareció la evocación de la desolación, del calor
del suroeste americano.
A pesar de hacer tantos años que se retiró, tanto
su canal de Youtube
con en el de Spotify sigue
teniendo muchos seguidores. A través de sus canciones, Sara K. nos muestra un
universo musical que nos permite vislumbrar su alma. Es valiente, va adonde
quiere, no pretende ser una artista de masas pero se lleva al oyente consigo.
Lo primero requiere convicción, lo segundo, poder de seducción. Sus letras son
una poesía única, sincera e imaginativa, fácilmente asimilable, pero con un
profundo significado: una mano suave en un guante de boxeo, que el oyente se
deja llevar con gusto a un reino de sueños.
En su discografía encontramos también versiones muy, muy potentes. De su disco “Hobo” (1997) me encantan Brick House, una versión acústica del gran éxito de 1977 de los Commodores, y Oh
Well, del gran Fleetwood Mac.
Sara K.
compartió varios proyectos con su compañero y alma gemela, el guitarrista Chris Jones
Su primer
trabajo juntos, “Water Falls” (2001), fue seguido por una gira ese mismo año,
que a su vez proporcionó material para el álbum en vivo “Live in Concert. Are
We There Yet?” (2002).
La cantautora
tejana y su acompañante se fusionan maravillosamente. Su guitarra de cuatro
cuerdas y la guitarra de acero de él impulsan canciones como All Your Love.
.Chris Jones fallece en 2005 a causa de un linfoma de Hodgkin
poco antes del lanzamiento de su último álbum juntos “Hell or High Water” En
2009 la cantante estadounidense le dedica su álbum "Made in the
Shade", uno de los mejores de Sara, quizás el mejor. Como el buen vino,
esta obra posee ese brillo interior, ese resplandor con el que el verdadero
arte ilumina el mundo. Guitarras, instrumentos exóticos y, esta vez, también el
arpa, enmarcan a Sara K., quien aquí suena completamente preparada, madura y
absolutamente despejada: apasionada y controlada a la vez, como el puño de un
boxeador con guantes de terciopelo.
Con el lanzamiento de su álbum de 2009, anunció su retirada del mundo de
la música. En una nota a sus fans en la página web de su sello, Sara declaró: “Después
de muchos años de gira y componiendo música, he decidido dejar de girar y
grabar. Es difícil explicar por qué, pero espero que lo entiendan. Tuve una
buena racha, pero creo que se acabó. Hoy en día es demasiado para muy poco. “Made
in the Shade” lo explica lo mejor que sé».Por favor, acepten mi
cariño y gratitud por todos los años que me han dado”.
Nada más por esta noche. Espero que os haya gustado. ¡Ah! Y, ya sabéis...
Buenas noches.
Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב
Спокойной ночи Добрий вечір.
Respetó la tradición pero desobedeció (Félix Grande)
"Paco vivió como quiso y murió jugando con sus hijos al lado mar". Así
se expresaba en un comunicado la familia de Paco de Lucía cuando
se fue hace 10 años, el 25 de febrero de 2014. “No
hay consuelo”, declararon. "El dolor ya tiene fecha". Hoy tendría 79 años. Tal vez podría seguir jugando al fútbol en
la playa con su hijo, justo lo que estaba haciendo cuando empezó a encontrarse
mal. “Infarto masivo”, dijeron los médicos. Estaba de vacaciones en Playa
del Carmen, México, con su familia.
Foto de RTVE
Paco de Lucía nació en Algeciras como Francisco Sánchez Gómez, el 21 de diciembre de 1947. Hijo del también guitarrista Antonio Sánchez Pecino y de la portuguesa Luzía Gomes (Paco de…Lucía), aunque no nació gitano,
fue reconocido por todos los artistas y aficionados del flamenco como uno de
los más grandes, si no el mejor, guitarrista de flamenco de todos los tiempos. Su padre fue siempre muy estricto con él, tanto que hacía que el joven Paco
practicara doce horas al día, todos los días, con la firme voluntad de allanar el camino de una
exitosa carrera en la música. Incluso lo sacó del colegio para que se
centrara únicamente en la guitarra. El mismo Paco nos explica que aprendió a tocar
la guitarra como un niño aprende a hablar. El discipulado padre-hijo ha sido
comparado con el de Mozart y su padre, Leopold.
En 1958, el joven artista hace su primera aparición radiofónica en Radio Algeciras. Tenía 11 años. Un año después, recibió un premio especial en el Festival Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera, corazón de la cultura flamenca gitana. Despues de grabar sus primeros discos con su hermano Pepe, en 1967 publica "La fabulosa guitarra de Paco de Lucía", su primer gran éxito en el que se vislumbran ya los destellos de su genialidad. En enero de 1969 fue uno de los artistas invitados de Laura Valenzuela y Joaquín Prat en el programa Galas del sábado”. Paco tenía 22 años.
Ese
mismo año conoció a Camarón, casi por casualidad, convirtiéndose en uno de sus socios artísticos más importantes. Una relación que empezó muy bien y acabó de forma turbulenta, una pérdida muy dolorosa para el guitarrista. Grabaron juntos
once álbumes inolvidables con colaboraciones del hermano de Paco, Ramón de Algeciras. Como resultado de esa unión, el canto de Camarón comenzó a
evolucionar desde la ortodoxia hacia un estilo más personal. Así mismo, Paco de Lucía empieza a experimentar con otros ritmos. Aquí tenéis un vídeo de ambos, de los años 70.
Al
igual que el gran sitarista Ravi Shankar,
el maestro del tango Astor
Piazzolla o los grandes del jazz Charlie Parker y Miles Davis, Paco de Lucía
modernizó y, de hecho, revolucionó el flamenco para popularizarlo internacionalmente. Gracias a su música pionera se creó un nuevo género, el nuevo flamenco, abriendolas fronteras tradicionales del género a ritmos, armonías e instrumentos del
resto del mundo. Pero, incluso cuando tocaba un tango, usando acordes de jazz o
acompañado de un bajo eléctrico, su música seguía siendo inconfundible y
autoritariamente flamenca.
Y llegó el éxito. En
1973 publica “Fuente
y Caudal” un álbum que comenzaba con la rumba titulada Entre dos aguas. El tema fue inicialmente compuesto con el objetivo de completar o rellenar el
álbum, pero acabó catapultándolo a la fama (con la ayuda de El loco de la colina). Esta canción es el nexo de unión
entre el flamenco ortodoxo y el nuevo flamenco. Con el acompañamiento de
bongos y un bajo eléctrico, De Lucía produjo su tema más famoso.En su momento, llegó a alcanzar las
300.000 copias vendidas y estuvo 22 semanas liderando las listas de éxitos, lo cual era un hecho insólito en el mundo del
flamenco.
"Mi
flamenco no es una fusión",dijo
en 2004. "Siempre he tenido cuidado de que no se pierda la
esencia y el arraigo y la tradición de lo que es el flamenco. He incorporado
otras cosas, pero cosas que no alteran la filosofía de la música. Tengo
como único interés en todo esto crecer como músico que toca flamenco, y no
traer cosas que de una manera u otra cambien la identidad de esta música."
Deezer
La
discografía de Paco de Lucía está integrada por casi una treintena de discos
que reflejan las distintas etapas de su carrera. A principios de la década de
1980 amplió su larga colaboración con sus hermanos, con Ramón a la guitarra y Pepe de Lucía, cantaor, formando un sexteto con Jorge Pardo,
Carles Benavent y Rubem Dantas, un
percusionista brasileño. Los discos que salieron de allí, "Sólo quiero caminar" y
"One Summer Night" son propiamente hablando la primera fusión real en
el flamenco, la primera innovación.Para seguir con la modernización del flamenco, el grupo
introdujo un nuevo instrumento de percusión, el cajón peruano, una caja de
madera de seis lados que descubrieron durante una gira por América Latina y que
desde entonces se ha convertido en un elemento básico de la música flamenca.
Tocaron juntos durante más de quince años.
El
de Algeciras tenía 28 años y gran éxito comercial cuando en 1976 conoció a Al Di Meola que lo sumergió en el jazz y lo transformó definitivamente. Tres años después, fascinaba al público tocando junto a John
Mclaughlin, compartiendo escenario con Larry Coryell. Nosotros
tuvimos la enorme fortuna de asistir al concierto que dieron en el Palau dels
Esports de Barcelona el 13 de febrero de 1979. Un
concierto para no olvidar. Con la marcha de Coryell y su previsible sustitución por Di Meola, se abrió
paso a un periodo de actividad frenética de este Guitar Trío. Uno de sus álbumes más populares es “Passion, Grace & Fire” (1983).
Juntos hicieron
giras por todo el mundo y entre sus grabaciones se incluye “Friday
Night in San Francisco”, que vendió más de un millón de copias.
La
última etapa de su producción comienza en 2004 con la edición del disco “Cositas buenas”, con nuevo grupo en directo formado por
valores emergentes como Tomatito, Niño
Josele o La Tana.
Su penúltimo disco lo grabó con Miguel Poveda, quien ha llegado a comparar al guitarrista con Mózart. El último, póstumo, titulado “Canción
andaluza”, vería la luz en abril de 2014. Paco de Lucía nos despedía a todos con el mejor
regalo: su música. Al
margen de su biografía y su discografía, no puedo dejar de resaltar la personalidad del artista, misteriosa, insegura y atormentada, en su permanente búsqueda de la
perfección sonora, de la nota precisa, del tiempo justo. Una perfección sonora
que sólo encontraba estando en paz, buscando el silencio. Sin embargo, su refugio terrenal
no estaba en España sino en México, en Tulum, cerca de Cancún, desde donde
emprendió su último viaje. Nunca pudo alejarse del mar, no en
vano su pueblo natal está “entre dos aguas”, origen del título que le lanzó a
la fama, en homenaje al océano Atlántico y el mar Mediterráneo.
Diario El Mundo
Su inesperada muerte provocó un doloroso impacto en todo el mundo, dejando un enorme vacío en la música. Chick
Corea afirmó en un comunicado:“Paco me inspiró en la construcción de mi propio mundo musical tanto como
Miles Davis y John Coltrane, o Bartok y Mozart”. Y José Mercé, declaró a Europa Press que nadie alcanzaría el nivel de De Lucía en los próximos
200 años. A los 10 años de su muerte, desde el martes 20 se celebra en Nueva
York la “semana de Paco de Lucía”Si queréis asombraros
con los actos que se llevan a cabo clicad aquí. También los hay en Colombia, ¿Y en España?. Solo he sabido encontar un concierto homenaje en su ciudad natal, Algeciras, otro en el Palau de la Música de Barcelona y, sí, varias propuestas de cara al futuro. Pero en una fecha tan redonda, nuestro guitarrista flamenco más ilustre se merecía algo más. Cuando murió, las cosas se hicieron muy mal. Sus amigos tuvieron que tirar de contactos para repatriar el cuerpo. Estas son las actitudes que nos definen como país. En fin.
Casa del Arte Flamenco
Si aún tenéis ganas y tiempo, podéis ver en el siguiente vídeo extractos del programa "Lazos de
Sangre" de TVE. Su viuda y su hijo rememoran la figura del marido, padre y
artista en un documental que se adentra en la historia de un genio, de una
leyenda de la guitarra, un perfeccionista que estaba obsesionado con el ritmo y consiguió hacer internacional el flamenco; con sus manos. Aquí,
el documental entero. Vale la pena.
El 1 de marzo tuvo lugar en el cementerio viejo de Algeciras la multitudinaria despedida del guitarrista. Vecinos, admiradores y compañeros, entre ellos los guitarristas John Mclaughnin, Vicente Amigo y Tomatito, dieron su último adiós. Muchísimas personalidades del flamenco se dieron cita allí. Los familiares habían pedido un entierro en la intimidad, como él hubiera querido, pero fue imposible.
RTVE
"Respetó la tradición, pero la desobedeció", se lee en la guitarra que preside el mausoleo donde descansan los
restos del guitarrista en el cementerio viejo de Algeciras; una obra escultórica de Nacho Falgueras. La frase es de
Félix Grande, estudioso del flamenco y amigo del guitarrista algecireño, que
quiso ser guitarrista... hasta que escuchó tocar a Paco.
“Soy
un purista dentro de mi aura de revolucionario, vanguardista o creador”,
dijo Lucía en una entrevista con el periódico El País. “Sigo siendo un purista
porque siempre he respetado lo que creo que es respetable. Lo que
tengo no es la obediencia que siguen teniendo los puristas, sino el respeto por
la esencia, lo viejo, lo válido. Memoria." Memoria; siempre memoria, nuestra asignatura eternamente pendiente.
Cuidaos
mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión
rusa! ¡Libertad para Ucrania! Imposible acabar sin gritar: ¡Poned fin al
genocidio palestino!
Buenas
noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب
مساؤك. לילה טוב
Después de
haberme encontrado a Mia Doi
Todd cuando profundicé en la figura del guitarrista brasileño Fabiano
Do Nascimento para mi entrada en el blog, y descubrí su álbum “Floresta”, esta
cantautora ha estado en mi radar durante todo este tiempo esperando su momento.
Creo que ya ha llegado. En estos momentos de fracturas y fronteras conviene escuchar la voz de una ciudadana del mundo.
“Me
siento ciudadana del mundo, por lo que me parece natural cantar en muchos
idiomas diferentes y asociarme con diferentes culturas. El inglés es mi primer
idioma. Es un lenguaje muy práctico y bello a su manera, pero no tan
apasionado, lírico y sónico interesante para el cantante como lo son el
portugués, el francés y el español. Realmente he disfrutado aprendiendo
canciones en esos idiomas últimamente. Me permiten usar mi voz más
completamente. Los sonidos vocálicos son más ricos” (The many influences
of Mia Doi Todd)
Y es que Mia
Doi Todd es un alma gentil. Esta hija de un padre escultor californiano y
madre, juez del Tribunal de Apelaciones de California, de descendientes
japoneses, compone canciones populares acústicas y multilingües, que canta con
la pureza de una cantante folk comprometida. Hay una entrevista
en la que su madre habla de ella que me enamoró. Supongo que por ello me
interesó aún más.
“La
gente solía decirle a mi hija, “Ah, ¿quieres ser abogada como tu madre?” Y mi
hija decía, “Oh, No. Los abogados no pasan suficiente tiempo con sus hijos”.
Pero la otra cosa que recuerdo que ella decía… ella tenía alrededor de dos años
y medio o algo así, y yo la llevé al juzgado conmigo un día, y mi vecino de al
lado era Bob Higa, un maravilloso juez y amigo muy querido. Así es que le
presenté a mi hija a Bob Higa y ella lo miró, me miró a mí, y dijo, “¡No sabía
que los hombres podían ser jueces!”, lo cual pensé que era maravilloso”
Su discografía
la componen doce álbumes y un montón de temas de esos que hacen que te
enganches a su voz. Siguiendo su
trayectoria de alma libre no es difícil imaginar que encajara con el movimiento
hippie del Laurel
Canyon del sur de California de finales de los años 60, principios de los
70, algo muy evidente en buena parte de sus canciones.
Para hacer
boca podemos empezar con algo como My Baby
Lives in Paris, un tema del lanzamiento de su álbum Cosmic Ocean Ship.
La música de
esta artista es como un retiro auditivo, lejos del ajetreo y el bullicio de la vida
cotidiana. Hermosas y encantadoras canciones populares en el más verdadero
sentido, quieto, paciente, más bien parecido a Joan Baez.
Pero, aunque
no lo parezca, del disco que os quería hablar era de “Floresta”.
Todo comenzó
en 2009, cuando Mia recorrió Brasil para realizar algunos conciertos y viajar por
ese país por primera vez en su vida. En São Paulo, conoció a Maurício Takara, percusionista,
baterista y miembro del metro de São Paulo, quien le presentó a algunos de los
protagonistas de la música brasileña. Junto a Takara, también se encontró con
el guitarrista y productor de siete cuerdas Fabiano do Nascimento, como ella,
en Los Ángeles. A partir de ese momento, la relación entre Mia y Brasil comenzó
a brotar. Dos años más tarde decidió comenzar su álbum Cosmic Ocean Ship con
una canción estilo bossa-nova llamada Paraty: esa fue la
primera vez que el artista estadounidense escribió una canción que recordaba directamente
el ritmo brasileño. Además, también incluyó en la lista de canciones una tapa
del viejo Canto de Iemanjá
escrito por Vinícius
de Moraes y Baden Powell.
Grabar y producir un álbum de canciones brasileñas parecía un curso fijo en la
carrera de Mia Doi Todd. Aun así, los resultados son sorprendentes y
originales.
“Floresta”,
que también es el décimo capítulo en la discografía de Todd, a pesar de no ser
temas propios, refleja por completo el arte y el alma de su intérprete. A pesar
de que ha decidido confrontarse con algunas de las mejores melodías brasileñas,
la cantante no ha dejado de impresionar su huella digital, para agregar su
firma a ellos. Encontramos canciones memorables y apasionadas como Cais de Milton do Nascimento
o el alegre Chovendo Na Roseira de Jobim dados.
Para los arreglos del álbum, el músico Angeleno y sus compañeros brasileños se basan en cierta
manera en el refinamiento del jazz para enriquecer y
poner un poco de maquillaje a estas obras populares. De esta manera, melodías
consolidadas como Luz Do Sol
originalmente escrita por Caetano
Veloso, como la composición de Dércio MarquesSegredo Vegetais o la tradicional influencia
de África Occidental Ewé, rejuvenecen a
la vez que conservan sus significados originales y fuertes. Además, lo que hace
que “Floresta” sea un proyecto en sí misma es el hecho de que el portugués
está lejos del idioma nativo de Mia. Sin embargo, independientemente de sus
orígenes de América del Norte, parece perfectamente cómoda con el acento
brasileño: puede dejar que su voz brille y se vuelva un intérprete natural de
una cultura distante.
“Floresta” probablemente
no está considerado como un álbum crucial de su carrera, pero seguramente como
el enésimo paso impresionante realizado a lo largo de su notable trayectoria creativa:
un paso que revela completamente otro aspecto sorprendente de su arte
omnipresente. Y, sobre todo, a mí me encanta. Por ello lo quiero compartir con
vosotros.
Espero que quienes tenéis
agujetas en el alma como yo, hayáis encontrado en ella refugio y confort. Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安グッドナイトBuonanotte. לילה טוב.Oíche mhaith. Wengi alus.
Esta noche,
una vez más, vamos a seguir a la búsqueda de la calma. Los tiempos no han
cambiado; incluso, a fuerza de que me tildéis de pesimista, creo que han
empeorado. Parece que, como le escuché hace poco al subdirector de El Periódico, cada vez que a la hora de tomar decisiones se puede elegir entre lo malo y
lo peor siempre eligen lo peor. Pero estos días no todo han sido noticias
desastrosas para la mayoría. También ha habido lágrimas y abrazos sanadores,
corazones latiendo en medio de tanto ruido.
Brasil ha sido
siempre una tierra plagada de grandes y revolucionarios guitarristas. Nombres
como los de Baden
Powell o Toquinho, que
también cantaba, han dejado un recuerdo imborrable en los aficionados. Un
tesoro al que hay que añadir constantemente nuevas joyas. La mina está
lejos de agotarse. Pero no sólo de “bossa-nova” viven los buenos aficionados a
los excitantes sonidos que nos llegan desde hace siglos desde aquella parte del
mundo, como demuestra la maravillosa música que produce Fabiano do Nascimento
que esta noche quiero compartir con todos vosotros. De él no sabía
absolutamente nada más que lo que Carlos
Galilea nos ha mostrado esta mañana, así que tenía que empezar a buscar
información y a dejarme llevar por las cuerdas de esa guitarra.
Fabiano nació en Río de Janeiro en 1983. Estudió piano clásico y teoría musical cuando era niño. Desde el momento en que tocó sus primeras notas en la guitarra a los doce años, se dedicó a ese instrumento. Fabiano nació en una familia musical, un linaje que se remonta a su bisabuelo Ladario Teixeira un virtuoso saxofonista ciego, quien se convirtió en un saxofonista profesional en Brasil en la década de 1920, (contribuiría pocos años después a que Sidney Bechet fuera uno de los primeros en tocar ese instrumento) y que contribuyó a la creación del instrumento en sí, reinventando el saxofón, agregando más claves a la versión anterior del saxofón "Aldolph Sax". Además, Fabiano estudió en el Conservatorio de Música Brasileira en Río de Janeiro, y con su tío, el fallecido Lucio Nascimento en sus primeros años de adolescencia, se mostró siempre fascinado por la música brasileña y el jazz americano. En 2000, Fabiano dejó Brasil para ir a Los Ángeles, California, donde pronto tuvo gran éxito por su sonido auténtico. Pronto contactó con Pablo Calogero, y el percusionista Tiki Passillas, formando Trioranico, un trío de jazz latino con sabor brasileño, grabando su primer álbum “Triorganico”. Después siguieron su álbum "SUL" con el joven y brillante saxofonista Sam Gendel y “Floresta” con la cantante Mia Doi Todd. La voz de esta mujer se merece un capítulo ella sola en la noche. No tardará en llegar.
En 2015 se da
el lanzamiento, a través de Now Again records, de su álbum debut en solitario
titulado "Dança dos Tempos" con el legendario percusionista brasileño Airto Moreira, una de
las revelaciones más agradables del año.
En su último
álbum, “Tempo Dos Mestres” (Now Again,
2017), este joven guitarrista de Brasil recoge la esencia de la zona del
Amazonas de una forma parecida a como lo hicieron en su momento referentes como
son Hermeto Pascoal
o el mismo Airto Moreira.
Sólo os
ofrezco una pieza, pero si necesitáis huir muy lejos, meteos en los 42 minutos
del disco. Cada pieza está guiada por
las escurridizas y nostálgicas cuerdas de nilón de la guitarra del autor,
aunque a ellas se suman de forma juguetona percusiones, saxo, flauta y unas
voces que acercan algunas de las composiciones a la Samba.
Autodidacta en
muchos aspectos, a través de intensa investigación y práctica, Nascimento ha desarrollado
habilidades excepcionales y es un virtuoso preocupado por el sonido
hasta límites insospechados. Por ello incluyó una cuerda más en su guitarra, para dotarla
de una sonoridad más pianística, que
le permite abarcar una gama mayor de notas en la zona más grave del arco
sonoro. A estas capacidades singulares, Fabiano une una formación sólida que
pasa también por el conocimiento de los clásicos y por el estudio de las
disciplinas como composición y armonía y el manejo de otros instrumentos
distintos del que le caracteriza como el piano, por ejemplo.
Sí; hay innumerables brasileños que tocan la guitarra, pero Nascimento mantiene quizás el espíritu pionero de su abuelo a través de su manera de tocar y de composiciones innovadoras y evocadoras. Tal vez en homenaje a Senhor Teixeira, Nascimento presenta al saxofonista que le acompañó en SUL, Sam Gendel, en casi todas sus presentaciones y formaciones. El baterista / percusionista Tiki Pasillas se unirá a Nascimento y Gendel en “Bluewhale”.
Para
despedirme quiero compartir este tema. No he descubierto el álbum en el que lo interreta, si es que lo hay; y no toca su
guitarra de siete cuerdas, pero es una delicia. Quizás sea un tema tradicional
brasileño, no le sé. Quizás alguno de vosotros sabe su origen.
Fabiano do Nascimento
es un artista completo con un conocimiento amplio de la música tradicional de
su país que, además, utiliza el jazz y las sonoridades contemporáneas para
conseguir que avance hacia el futuro. Espero que hayáis cargado las pilas para
empezar una semana que se prevé igual de espesa. Buenas
noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُالخَير .
Gabon. 굿나잇. Boas
noites. 晚安グッドナイト
Buonanotte. לילהטוב
“La tierra
tiene grietas por donde escapa el dolor, aquel que ha sido enterrado
injustamente y que busca una manera de hacerse oír. A veces suena a flamenco, grita las penas por
bulerías y sangra por
la guitarra. Un grito de guerra, una reivindicación. Si la batalla de los
gitanos por dejar de ser un pueblo discriminado lleva siglos librándose, son ahora
las mujeres las que aúllan para denunciar la doble dificultad —la de su sexo y
la de su etnia— para hacerse un hueco en este arte que ya los romaníes practicaban
en las fraguas al son del martillo.” En la lucha de las tocaoras por hacerse un hueco en este
arte, Noemí López Trujillo en El Español lo define muy bien: el flamenco
sangra.
Tocaora, sustantivo común femenino, una
palabra que se halla escasísimas veces empleada en la bibliografía sobre
flamenco, si exceptuamos
su función adjetiva,
calificando términos como
dinastía, sensibilidad, personalidad, calidad... Esta ausencia responde a un
hecho sorprendente. Si en la
historia y actualidad
del flamenco encontramos
un elenco imprescindible y
esencial de mujeres
cantaoras, bailaoras o
jaleadoras, de insólito
podemos calificar la casi
total ausencia de mujeres dedicadas
al arte de la guitarra
acompañante o, más recientemente, de
concierto. ¿Por qué
falsetas, rasgueos, acordes... han
pertenecido casi exclusivamente
al patrimonio masculino? Basta con teclear en internet "mujer tocaora
flamenco" para toparse con un
foro en el que se plantea la siguiente cuestión: "¿Cuántas
guitarristas flamencas conoces?". "Yo no soy machista, pero la guitarra
flamenca no pega en una mujer. Las pocas que he visto son flojas tocando, el
flamenco necesita mucha fuerza y sangre caliente, y un sentimiento un tanto
agresivo que muchas veces una mujer no puede expresar bien", contesta
un usuario en el hilo.
Fuerza y
sangre caliente que la mujer no puede expresar bien. La tocaora noruega afincada en España Bettine Flater ha comentado en varias
ocasiones que, en una de sus primeras clases en Sevilla, un compañero le dijo: "¿Tú
sabes que Paco de Lucía ha dicho que las mujeres no tienen fuerza en la mano
para tocar la guitarra, no?". Y es que desde que murió el de
Algeciras, hace algo más de tres años, algunos cabales dicen que no tiene
sustituto y otros se arriesgan y nombran a Tomatito, Niño Josele o Vicente Amigo. Son sólo
algunos de los que se barajan porque en España hay muchos tocaores y muy buenos. También algunas tocaoras, pero casi nadie las cita. Antonia, Marta, Caroline o Noa
son nombres que no se escuchan cuando se nombra a los posibles herederos de Paco de Lucía.
Pero eso no ha
sido siempre así. Desde el siglo XIX y hasta la Guerra Civil, hubo más tocaoras que hoy; incluso algunas de
ellas llegaron a ser reconocidas a nivel internacional aunque fueran muy pocas
las mujeres que se dedicaran a esta profesión o que llegaran a obtener tanta
fama y popularidad como los hombres. A todas les resultó más complejo “hacerse
hueco” en este arte ya que desde los comienzos del flamenco, este ha sido
considerado un mundo de hombres.
Adela Cubas (Revista Nuevo Mundo 8-3-1906)
Adela Cubas es un
ejemplo. Sus padres no le permitían actuar pero ella consiguió ser profesional
ya en 1900. “El deber de entretener”, como lo llama la profesora Eulalia
Pablo Lozano en su libro “Mujeres
guitarristas”, daba acceso a las “señoritas” a tocar el arpa, el piano o la
guitarra para ejercer de perfectas anfitrionas. No para subirse a un escenario
o hacer carrera artística. Una mala racha económica hizo cambiar de idea a los
padres de Cubas y así fue como la guitarrista mantuvo a su familia
interpretando todo tipo de músicas, también flamenco, por toda España. No sólo
tocaba, también dirigía espectáculos y los críticos se referían a ella como la
“notabilísima” o “celebérrima” guitarrista. Otras de la misma época, como La
Antequerana o Anilla
la de Ronda, citada por Federico García Lorca en 1922 en el Concurso
de Cante Jondo de Granada, tocaban para acompañar su propio cante y también
vivían del flamenco. Pero Cubas tenía un gancho especial con el público, en un
tiempo y un entorno que Eulalia Pablo define “de hombres, duro y socialmente
desprestigiado”.
Estas y otras tocaoras se vieron obligadas
constantemente a luchar para que su trabajo sea reconocido, tratando de evitar
el machismo que se ha generado culturalmente a lo largo de la historia por el
mero hecho de ser mujer. Noelia Heredia, gitana madrileña de 44 años recuerda
que hasta la Guerra Civil, la guitarra era un instrumento mayoritariamente de
mujeres. "Las gitanas eran tocaoras y, además, fumaban puros. Hay
un retroceso brutal". Sus nombres se perdieron en las brumas del
tiempo y, quizás también, se enterraron en los años oscuros de una Dictadura
que relegaba a la mujer al papel social de un menor de edad. “El
modelo de mujer inspirado en la sección femenina hizo que muchas ni se
plantearan el espectáculo, menos el flamenco, como medio de vida”,
explica Alicia Cifredo,
directora de Tocaoras (ver presentación) un
documental que investiga la evolución de la mujer en el mundo de la guitarra
flamenca a través de la figura de Eloína, una estudiante de baile flamenco y
antropología social que, con ayuda de su amiga Carmen, inicia un estudio sobre las
mujeres guitarristas flamencas. Su primera sorpresa aparece al conocer que el
título en esta especialidad se expedía en Rotterdam cuando aún no existía en
España. A partir de aquí, emprende un curioso viaje en el tiempo para localizar
a las tocaoras de los dos siglos
anteriores. Eloína se apasiona cada vez más al irse encontrando con las mujeres
que ejercen profesionalmente este oficio en la actualidad. Ellas le muestran su
arte, su disciplina, sus miedos, sus giras, sus compañeros... todo su mundo.
Mujeres entre
las cuerdas. Mujeres que deslizaban sus dedos con presteza y maestría desde la
prima al bordón. Mujeres guitarristas flamencas como hoy lo son también Antonia
Jiménez, Marta Robles, Caroline Planté, Bettina Flater, Noa Drezner... Mujeres
con las que tenemos una deuda pendiente.
La primera vez
que escuché a Antonia
Jiménez fue este verano en el programa Carne
Cruda, junto a Marta Robles,
la principal compositora del grupo Las Migas. En clase,
entre las decenas de niños que aprendían a rasguear la guitarra, ella era la
única niña que lo hacía. Y siguió siendo la especial, la distinta, la minoría
en un mundo, el del flamenco, que permite que la mujer cante y baile pero no
que toque. “No tuve el apoyo de mi padre, tampoco el de mi madre y todos en mi
entorno decían que estaba loca”. Con motivo del Festival
de Flamenco de Berlín, la tocaora asegura en
una entrevista que "en el
flamenco hay una mirada muy masculina"."Hacerte un hueco es bastante difícil. Empecé mi carrera
profesional con quince años. He tenido que luchar un montón, como todas. Mi
caso no es nada especial porque en todos los aspectos de la vida las mujeres
siempre tenemos que luchar más. A mí como guitarrista me criticaban mucho, me
miraban con lupa". Antonia toca la guitarra desde hace 30 años y es
guitarrista de referencia para varias compañías de primer nivel, como la del
bailaor Marcos
Flores. Aunque apenas se la conoce fuera del flamenco, es un modelo para
las que empiezan.
Cuando Marta
Robles fue alejándose de la guitarra clásica para adentrarse en la flamenca se
encontró con la misma soledad. ¿Dónde estaban las mujeres?
Fernando
González-Caballos, periodista especializado en flamenco, las puso en contacto.
Que tenían que tocar juntas. Fue hace tres años. Desde entonces, estas dos
pioneras de la guitarra flamenca se juntan en el escenario con el espectáculo Dos tocaoras pre el Festival
Flamenco Diverso el primero con un enfoque de género y LGTBQI dentro de
este mundo. Nunca habían trabajado juntas, explican en el programa de Javier
Gallego, pero la complicidad al preparar este trabajo fue instantánea, y su
esfuerzo de meses vio la luz a finales de junio en un espectáculo sin
precedentes. En “Dos tocaoras” reivindican el lugar de las instrumentistas,
absoluta minoría tras 170 años de tradición
Noa Drezner,es una de esas tocaoras (¿os habéis fijado cuantas
guitarristas extranjeras estamos nombrando?) que han seguido la estela de
Antonia Jiménez. “En cuanto llegué a España vi que tocar aquí iba a ser complicado”.
Esta mujer de 34 años tañe desde los siete y le choca que siendo esta la cuna
del flamenco le cueste tanto a las mujeres hacerse una carrera tocando.
La canadiense
Caroline Planté fue la primera mujer en grabar un disco de toque flamenco. Fue
en 2010. “hace años me lo decían en Montreal, mira que si fueras tú la primera
mujer guitarrista flamenca que graba disco…” dice en la revista digital
deflamenco.com
Y así fue. Hoy, la niña que eligió la guitarra siguiendo los pasos de su padre,
es una de las más reconocidas por la crítica y dirige el Festival de Flamenco de Montreal.
Cuando llegó a España ya llevaba 18 años como profesional pero el aterrizaje
fue un shock. “Un maestro de Sevilla me dijo que me enseñaría a tocar para concierto,
pero no para acompañar baile ni cante porque eso era para los hombres”.
Buscando videos de la canadiense me he encontrado con este corto, una verdadera joya.
“La
guitarra clásica para las niñas. La guitarra flamenca para los hombres”.
Así le respondió su padre a Laura González a mediados de los noventa cuando
siendo adolescente le informó de que prefería empuñar la guitarra que dedicarse
al baile, faceta junto al cante en la que las mujeres no encuentran tantos
impedimentos. González se enfrentó a su familia y consiguió convertirse en una
celebrada concertista y profesora de conservatorio. Escuchad esta Guajira, de su disco "De aquí
p'alla" (2008), acompañada por José Rojo (2ª guitarra) y Jorge Cano
(percusión).
Davinia
Ballesteros, la más joven de todas las tocaoras
que aparecen aquí, es la que tienen, quizás, una formación más académica de
todas. Nació en Málaga en 1982, lugar donde comienza sus estudios de guitarra a
los 6 años de edad. Estudió guitarra clásica en el Conservatorio Superior de
Música de Málaga con matrícula de honor, Premio de Honor Fin de Grado y es
licenciada guitarra flamenca, recibiendo diferentes premios a la largo de su
carrera. En la actualidad además de conciertos, da clases de pedagogía y
lenguaje musical.
Acabaremos con
Bettina Flater. Nació en Noruega, pero
cuando toca la guitarra suena a rondeña y tangos. Viajó a Sevilla buscando
raíces musicales y descubrió que tenía que encontrarlas sólo por dentro. Dice
tener complejo de “guiri” en ciertos ambientes flamencos, pero la suya es la
historia de una mujer fuerte y valiente, segura de lo que hace. En 2012 editó su
primer disco, “Women en Mi”. Pop anglosajón, folclore
noruego y guitarra flamenca son las tres patas de su fusión musical.
Una vez más cada claro que debemos
seguir luchando para visibilizar la presencia de las mujeres en cualquier ámbito
para lograr una igualdad efectiva de derechos y oportunidades entre hombres y
mujeres.
Buenas noches.
Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇.
Boas noites. 晚安グッドナイト Buonanotte. לילה טוב
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