¡Alerta, el fascismo avanza! (27/5/11) Manu-Chao

Declaración Universal de los Derechos Humanos
Art. 19 Toda persona tiene derecho a la libertad de opinión y de expresión
Art 20.1 Toda persona tiene derecho a la libertad de reunión y de asociación pacíficas


Esta noche (viernes, 27 de mayo de 2011) mi música nocturna no es intimista, no es reflexiva, no es un remanso de paz después de un día agotador. Esta noche mi música nocturna y alevosa es un grito de rabia y de impotencia ante el avance del fascismo y del totalitarismo de una derecha crecida por el apoyo de una sociedad lobotomizada.

Desconectar, encerrarte en tu interior cuando en nuestro mundo pasan cosas tan graves como el desalojo de la Plaza Cataluña esta mañana por los mossos (ese cuerpo policial  que, teóricamente, ha de defender nuestro estado de derecho) sería una actitud rastrera, egoísta, insolidaria y… suicida.

Las cosas empezaron el 15 de mayo con ciudadanos y ciudadanas indignados que, ellos sí, se han rebelado ante lo que está sucediendo, ante la incapacidad de los políticos, una casta privilegiada, que vive de todos nosotros (incluso los honestos), de hacer lo correcto: conseguir la justicia social. 

¿Cuál fue la respuesta de un Estado democrático contra esta actitud de rebeldía? Los mossos, liderados por el talibán conseller de Interior, Felip Puig, arremetieron contra la concentración pacífica de personas que estaban mostrando su desesperación y hartazgo ante una clase política culpable, contra un sistema corrupto que favorece a ricos y poderosos , y castiga a los más débiles.

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Para ver una buena cantidad de videos de Antena 3 de la “limpieza” de la Plaza Cataluña clicad aquí

Después de un uso de la violencia tan brutal, cuando la reacción de los acampados debía haber sido de agresividad y rabia, los "indignados" una vez demostraron su civismo. Este video, por restricciones de edad, solo se puede ver el Youtube clicando aquí.

Por eso esta noche qué mejor que escuchar al cantautor Manu Chao. Su tema Para todos, todo de su disco "Radio Bemba Sound System" (un recopilatorio de actuaciones en directo) es una clara alusión a la lucha por los derechos humanos.  La letra es  el Manifiesto zapatista en Nahuat y la voz la del subcomandante Marcos, a quien Manu Chao dedicó un concierto, su grabación y edición con el fin de recaudar fondos para el EZLN.

Desgraciadamente, en unos tiempos en los que vamos de cabeza a tener que reivindicar de nuevo nuestros derechos básicos, los mismos que el subcomandante Marcos reclama en su discurso, su letra vuelve a tener vigencia para amplias capas de la población.

Hermanos,

Nosotros nacimos de la noche

En ella vivimos

Y moriremos en ella

Pero la luz será mañana para los más

Para todos aquellos que hoy lloran la noche

Para quienes se niega el día

Para todos, la luz

Para todos, todo

Nuestra lucha es por hacernos escuchar

Y el mal gobierno grita soberbia

Y tapa con cañones sus oídos

Nuestra lucha es por un trabajo justo y digno

Y el mal gobierno compra y vende cuerpos y vergüenzas

Nuestra lucha es por la vida

Y el mal gobierno oferta muerte como futuro

Nuestra lucha es por la justicia

Y el mal gobierno

se llena de criminales y asesinos

Nuestra lucha es por la paz

Y el mal gobierno anuncia guerra y destrucción

Techo, tierra, trabajo, pan, salud, educación,

Independencia, democracia, liberta

Éstas fueron nuestras demandas

En la larga noche de los 500 años

Éstas son hoy nuestras exigencias

Para acabar, especialmente dedicado a Felip Puig, el video de la canción “Señor Matanza” una mirada de Manu, cuando era el líder del grupo Mano Negra, a la militarizada realidad colombiana.

Hemos de estar alerta. El fascismo avanza de forma inmisericorde y no podemos quedarnos con los brazos cruzados.

Loreena McKennitt

En el mundo, el alba comenzará a despuntar iluminando levemente los bosques oscuros, y el rocío de la mañana perlará la melancolía de las lápidas…

            En toda rutina no obligada, reside un espacio de reencuentro, a pesar de los avatares de la vida. En este día de verdadera locura en una semana de las que no quisiera repetir muy a menudo, suena Loreena Mckennitt, una mujer que me fascina y que descubriera hace un tiempo en mi búsqueda de mujeres comprometidas con la música y con el mundo. Porque la banda sonora de mi vida tiene que seguir llenándose día a día de pequeñas joyas que compartir. Y ésta lo es.

        
        Loreena McKennitt es una canadiense que ha viajado por medio mundo empapándose de todo. La cantidad de influencias e ideas que ha adquirido en este viaje ha dado lugar a una música que, desde una herencia celta, la que más me engancha, se ha convertido en global, multicultural y riquísima en detalles. No en vano para Loreena la música es un medio de comunicación entre las distintas culturas.

   Cuando canta esta mujer tiene esa rara cualidad de transportarnos a un mundo de sensaciones y paz espiritual que muy pocos artistas consiguen con su obra. La magia que encierran el arpa y la voz, expresión genuina de un talento rico en matices, son capaces de tocar el corazón de cualquiera por su extraordinaria sensibilidad.

       El primer video de esta noche fue grabado en la Alambra de Granada (“The Nigths from the Alambra”), un lugar de ensueño y muy significativo para mí y mi familia. El tema, The Lady Of Shalott, un triste y maravilloso poema, basado en una leyenda artúrica, se presta como pocos a la interpretación apasionada de Loreena McKennitt, que con su voz lánguida e inflamada logra cautivarnos. A mí, al menos, sí.  

                El siguiente tema, Dante's Prayer, cierra su disco “The Book fo Secrets” de forma tan dulce como melancólica. El origen de este tema está en un viaje que la cantante canadiense hizo a través de Siberia mientras leía La Divina Comedia, de Dante Alighieri. 

Cuando la oscuridad del bosque cayó ante mí
y todos los senderos estaban cubiertos de vegetación
Cuando los sacerdotes del orgullo dicen que no existe otro camino,

cultive las penas de piedra.

No creía porque no podía ver
Aunque tú viniste a mí en la noche,
cuando el amanecer parecía perdido para siempre
tú me mostraste tu amor
a la luz de las estrellas

Dirige tu mirada hacia el océano.
arroja tu alma a el mar
Cuando la noche oscura parezca no tener fin...
por favor... recuérdame.

Luego, la montaña surgió ante mí
cerca del profundo pozo del deseo,
desde la fuente del perdón,
más allá del hielo y del fuego.

Dirige tu mirada hacia el océano.
arroja tu alma a el mar.
Cuando la noche oscura parezca no tener fin...
por favor... recuérdame.
...
Aunque compartimos este humilde sendero, solos.
¡Qué frágil es el corazón!.
Oh, regala alas para volar a estos pies de arcilla,
para acariciar el rostro de las estrellas.

Sopla, vida a este débil corazón,
levanta este velo mortal de miedo.
Toma estas esperanzas deshechas, grabadas con lágrimas
Nos elevaremos sobre estas preocupaciones terrenales.

Dirige tu mirada hacia el océano;
arroja tu alma al mar.
Cuando la noche oscura parezca no tener fin... 
por favor... recuérdame.

        
          En este enlace encontraréis todos lo videos de Loreena en Youtube. Que los disfrutéis y os acaricie el alma como me la acaricia a mí.

Let it Be – The Beatles

El último capítulo del cuarteto de Liverpool

El 4 de junio, en la IV Festa de l'Escola L'Aixernador, un grupo de madres, un par o tres de padres y yo, dirigidos por la incansable Noemí, cantaremos una versión catalana de Let it Be, la mítica canción de The Beatles.

El último álbum del grupo se publicó hace 41 años, el 8 de mayo de 1970, en Gran Bretaña, la última colección de temas con material nuevo de la banda, pero no fue lo último que grabaron. Aunque el grueso de Let it Be se grabó durante los primeros cuatro meses de 1969 con la idea de grabar un álbum cuyo nombre iba a ser Get Back aludiendo al regresar a las raíces rocanroleras del grupo, el proyecto se aparcó hasta 1970. Junto con el lanzamiento de este disco se anunció su separación.

Se trata de un álbum controvertido desde su concepción. Desde que dejaron de tocar en vivo en 1966 por la imposibilidad de plasmar su música en el escenario, los Beatles se propusieron grabar un álbum para tocar un último concierto en vivo, tal vez en un barco o en un lugar público.

Así, Paul McCartney comenzó a gestar Let it Be incluso antes de la salida del álbum blanco en 1968. Las sesiones de grabación del disco comenzaron a ser filmadas en 1969 por el cineasta Michael Lindsay-Hogg. En 1970 se editó este material en un documental convertido en película con el mismo título del disco. Este film ganó el óscar a la mejor banda sonora (mejor adaptación musical) de 1970 por la canción del mismo nombre Let It Be. Sin embargo, sólo Paul McCartney recogió el premio.

Los ensayos fueron tensos, con constantes discusiones entre los miembros del grupo que denotaban una convivencia cada vez peor y más hostil entre ellos. Incluso Harrison abandonó el grupo por unos días. La fractura se veía cada vez más cerca.

Las grabaciones de los ensayos fueron enlatadas y olvidadas; el proyecto fue aparcado para acometer la grabación de Abbey Road a mediados de 1969. "No era nada divertido, declaró un día Harrison. Todos estábamos hartos y todos queríamos dejar el grupo. Aunque salvamos el tipo y logramos grabar algunos temas interesantes, todo el disco está producido bajo una gran depresión". 

El origen de la canción también tiene su mito. Paul McCartney dijo que escribió Let It Be tras soñar con su madre que había fallecido cuando él tenía 14 años, durante las tensas sesiones. “Me encantó volver a conversar con mi madre. Me sentí bendecido por tener ese sueño” En una entrevista posterior declaró que su madre le había dicho: Todo saldrá bien, déjalo así (let it be). Pero como McCartney era hijo de padres católicos irlandeses, estaba bautizado y fue educado como católico hay quien quiere ver superpuesta a esta imagen la de la Virgen María, una oración para que le ayudara a salvar al grupo.

Independientemente de todos los tropiezos y discusiones, Let it Be es considerado uno de los mejores discos de todos los tiempos y perdurará por siempre, no solo como un gran álbum de la historia del rock sino como ese último instante de trabajo en común del grupo.

Cuando tengo momentos de angustia

La madre Mary se acerca a mí

Diciendo sabias palabras

Déjalo estar

Y en mis horas de oscuridad

Ella se queda delante de mí

Diciendo sabias palabras

Déjalo estar

Déjalo estar, déjalo estar

Déjalo estar, déjalo estar

Susurrando sabias palabras

Déjalo estar

Y cuando los desconsolados

Que viven en el mundo se pongan de acuerdo

Habrá una respuesta

Déjalo estar

Porque aunque vivan separados

Todavía hay una posibilidad de que puedan ver

Habrá una respuesta

Déjalo estar

Déjalo estar, déjalo estar

Déjalo estar, déjalo estar

Susurrando sabias palabras

Déjalo estar

Déjalo estar, déjalo estar

Déjalo estar, déjalo estar

Susurrando sabias palabras

Déjalo estar

Y cuando la noche está nublada

Todavía hay una luz que brilla sobre mí

Que brilla hasta mañana

Déjalo estar

Me despierto al sonido de la música

La madre María se acerca a mí

Diciendo sabias palabras

Déjalo estar

Déjalo estar, déjalo estar

Déjalo estar, déjalo estar

Habrá una respuesta

Déjalo estar

Déjalo estar, déjalo estar

Déjalo estar, déjalo estar

Susurrando sabias palabras

Déjalo estar

Aquí os dejo esta versión de Paul en solitario, en el Concierto transmitido en Memoria del 11 septiembre de 2001

Y ésta con Billy Joel

Tatuaje

Esta tarde revolviendo en el “baúl de los recuerdos” de mi portátil me he tropezado con el homenaje que CCOO de Catalunya hicimos a Manuel Vázquez Montalbán, “nuestro” Manolo, al cumplirse los 30 años de “Los Mares del Sur”, Premio Planeta de 1979. Escritor de raza. Hombre a quien nada humano le era ajeno. Antifranquista militante. Guerrillero contra el pensamiento único, creador de mundos y personajes en los que dejara su empuje creador. Su talante humanitario y abierto, y su talento, fueron largamente demostrados.

Podría explicar la infinidad de momentos de aquel acto, momentos interesantes, emotivos y divertidos gracias a las diferentes intervenciones sobre el autor de “Tatuaje”, una de sus novelas de la serie Carvallo, el detective de Barcelona de orígenes gallegos, crecido en el Raval, que pasó de comunista a agente de la CIA, que tiene por novia a una puta y por socio a un raterillo, con una necesidad compulsiva, a veces como homenaje otras como autocastigo, de quemar libros: Un cuerpo de hombre joven desnudo sobre la arena, y en la piel, un tatuaje: «He nacido para revolucionar el infierno.»

Y tirando del hilo del tatuaje como única pista nos sumergiremos en la Barcelona de mediados de los 70 o las comunidades de emigrantes españoles en Holanda.

En ese momento fue un escándalo para cierta crítica. “A principios de los setenta -dijo Vázquez Montalbán en una entrevista- vivíamos en una dictadura literaria: o escribías como Juan Benet o no eras nadie. Un día, en plena euforia etílica con mi amigo José Batlló, nos burlábamos de la literatura de vanguardia y él me desafió a escribir una novela de guardias y ladrones. Acepté el reto y escribí Tatuaje en 15 días. La crítica la recibió fatal y me acusaron de lanzarme a un suicidio profesional, a una operación comercial. Para mí, sin embargo, era una novela experimental, ya que Carvalho no era un detective al uso. Vivía con una puta, quemaba libros, era ex comunista y ex agente de la CIA”.

Pero Tatuaje es, sobretodo, una canción extraordinaria, un clásico, un mito de la copla, más allá y más aquí del bien y el mal establecidos en los años cuarenta. Con una letra y una música desgarradoramente apasionadas de los maestros del género, los autores Rafael de León, Antonio Quintero y Manuel Quiroga, este es un tema de los más emblemáticos de la cultura que marcó el transcurso de una época negra para España y que popularizó la que fue reina del género por excelencia, Doña Concha Piquer, (aunque a mí me gusta más la de Miguel de Molina) . Vázquez Montalbán no dudó en afirmar que canciones como ésta o cantantes como “Doña Concha” o Estrellita Castro ejercieron sobre él una seducción asumida.

Para nuestro querido Manolo, Tatuaje fue un grito de protesta contra las condiciones en que las mujeres españolas de la posguerra tuvieron que vivir, de cola en cola, de espera en espera, de rutina en rutina, tatuadas por una historia de frustraciones y tristezas. 

Os ofrezco esta versión (completa) de Rocio Jurado, en su musical "Azabache" con la fuerza que le caracteriza y ese chorro de voz, y que a mí me encanta (a pesar de los arreglos), 

Y esta curiosa y personal interpretación de Ana Belén que recrea la canción con elegancia y de forma melódica, con naturalidad, como si cantara cualquier canción de su repertorio personal. Es evidente que no puede dejar indiferente a nadie, aunque me imagino que los admiradores puristas del género no apreciarán esta interpretación positivamente. Seguramente, Manolo tampoco lo haría.

The Eagles. Hotel California

Vivir en la vía rápida

Ainhoa, mi hija, tiene un amigo, Dani, un muchacho de 17 años que, musicalmente, podría tener mi edad, la edad de mi generación. Cada vez que comparte algo en el Facebook o que se acerca a algunos de las piezas musicales (de esas que perduran para siempre) que comparto con vosotros consigue sorprenderme. En la noche del lunes al martes “colgó” el tema estrella de mi música nocturna de hoy:  Hotel California de Eagles. ¡Va por ti, Dani!

Por cierto. Hotel California también es una de las canciones de la “cinta maravillosa” (¿recordáis?), ese cassette (qué sonoridad tiene la palabra en francés) que Jesús grabó , junto a otras joyas,  para enamorarme (y lo consiguió). 

Pero comentemos cosas de este tema que se ha convertido en una canción característica del rock norteamericano. El disco, el quinto álbum del grupo, lleva el mismo nombre y fue lanzado en 1977. De este “larga duración” se han vendido 16 millones de copias sólo en EEUU. La revista Rolling Stones la incluyó dentro de las 50 mejores canciones de todos los tiempos y el Salón de la Fama del Rock & Roll de 1998 la nombró como una de las 500 canciones que forman el Rock & Roll.

Lo que poca gente sabe es que este gran éxito fue interpretado por primera vez al telonear a la banda rockera “Jethro Tull”. Investiguemos el origen de Hotel California.

Existe un Hotel California en la localidad de Todos Santos, en Baja California Sur. Cuenta la leyenda que los Eagles se inspiraron en este pequeño hotel para escribir su canción más conocida. Pero, como tantas otras canciones, una cosa es la realidad y otras las leyendas que se tejen a su alrededor. Y la historia de este hotel nada tiene que ver con The Eagles.

La verdad es que en los años 50 la gente viajaba a este lugar para comprar productos agrícolas como la caña de azúcar o el tomate. Y que el emigrante asiático Antonio Wong Tabasco montó una tienda para abastecer a los compradores que se acercaban a la pequeña localidad. Como ésta estaba en medio de la más absoluta nada, decide construir cinco habitaciones en la parte de arriba de la tienda para que la gente que llegara pudiera quedarse a descansar. Junto al hotel había la iglesia del pueblo. Pero si analizamos la mítica canción de los Eagles vemos que data del año 1976, cuando no había sido construida la autopista con la que arranca el tema. Aún hoy, una simple carretera comunica las localidades más al norte con Todos Santos. Ante la polémica con los orígenes de la canción, la hija de Tabasco decide enviar una carta a Don Henley, el cantante de la banda californiana. Este le responde que no sabe donde está Todos Santos.

Algunas otras historias más rocambolescas dicen que Hotel California es un homenaje a Alexander LaVey, un tipo que escribió una biblia satánica entre las cuatro paredes de esta parada para caminantes en busca de la tierra prometida. Bueno, ya sabéis que si pones el disco al revés se escuchan versos satánicos…

Mucho se rumoreó que la canción fue creada sólo como estrategia de mercado y que Don Haley la creó mientras descansaba en una hamaca del mismo hotel de la canción. Pero posteriormente fue negado por el mismo.

Está muy claro que Hotel California es una canción sometida minuciosamente a metáforas de manera que solamente su propio creador conoce lo que quiere decir esta obra.

La banda siempre afirmó que es una canción que, como tantas de su época, habla sobre las drogas; marihuana y cocaína para ser más específicos. Lo cual, leyendo su traducción, toma mucho más sentido. La droga como un “hotel”.

Esta canción, no sólo por su letra, marcó un cambio en los Eagles que les llevó a sendas algo más fructíferas musicalmente. Con este tema, el grupo abandona el country-folk para abrazar el hard rock.

Aquí os dejo tres versiones: la original.

Acústica.

Subtitulada en español. 

Y en vivo, de 1998.

Adam Hurst

Poesía musical : Atrapando realidades en los sueños. Realidades nacidas de los sueños que provocan y evocan instantes que irrumpen en la cotidianidad

Cuando era pequeña, y como todas las niñas de clase obrera soñaba con una vida diferente, me  gustaba imaginar que llegaba a ser la mujer más rica del mundo y que, gracias a ello, conseguía poseer dos enormes edificios. El primero sería una gran biblioteca con una edición de TODOS los libros que se habían editado. En el otro habría perfectamente ordenados por épocas, estilos y autores un ejemplar de TODOS los discos que se habían grabado con TODAS las músicas.

A medida que pasó el tiempo comprendí lo absurdo de mi deseo, no sólo porque lo que no puede ser no puede ser y además es imposible sino porque en cada rincón, al doblar cada esquinita de nuestra vida, en el CD del coche que espera junto a ti en un semáforo, en la radio que se escucha a través de una ventana, entre los ruidos de un bar, entre las hojas de un libro o buceando en internet, siempre, siempre, siempre podemos encontrar algo o alguien nuevo que nos sorprenda. 

Eso me ha pasado a mí, una vez más, con Adam Hurst. Quizás mi ignorancia no sea la vuestra y para los amantes de la música este extraordinario violonchelista sea alguien familiar ya que Hurst ha publicado ocho discos compactos de música original, habiendo vendido miles de copias en todo el mundo. 

Aún así, me ha costado muchísimo encontrar datos sobre su vida. Sólo he podido saber que estudió violonchelo en Skidmore College y en la Universidad de Brown. Entre 1998 y 2002 enseñó violonchelo en Providence College y, además, como un complemento para poder vivir, daba clases particulares.

Con el paso del tiempo, este gran compositor se ha ido abriendo un espacio propio en el panorama musical internacional por lo que ha sido varias veces galardonado en los EE.UU. y en Europa, tras recibir el encargo de componer e interpretar una obra original para ballet clásico, danza del vientre y danza contemporánea. 

Algunos de sus temas se han utilizado, también, en películas independientes y documentales. Entre sus obras al respecto más representativas están Broken – Sparrow, un ballet coreografiado de James Canfield, el director del Oregon Ballet Theatre,  del que Hurst compuso la partitura entera, Vals de medianoche y  Anima.

Influenciado principalmente por la música de Medio Oriente, India Raga y las tradiciones europeas, la música original de Adán Hurst es a la vez inquietante, etérea, evocadora y romántica, con bellos pasajes apasionados y muy emotivos. Para ello, Adam Hurst usa el violonchelo como un solo melódico de voz, verdadera poesía musical que va directa al alma.

No lo escuchéis con prisas; dejaros desgarrar por su manera hipnótica de tocar, por sus tonos llenos de luces y otros densos y oscuros.

“Armándome de todo el coraje y la paz que pueda reunir, iniciaré este viaje en el único lugar en donde puedo encontrar la verdad: dentro de mí mismo"

Más belleza cristalina en un viaje de sueños donde la imaginación es nuestro atrevido conductor.

Disfrutadlo. Es sábado. Tenemos tiempo.

Piano Man

Cuando la noche te lleva de cabeza a la tristeza, sin poder huir del sentimiento de derrota. 

Hay canciones que están ahí, que se pasan los años a nuestro alrededor, que permanecen en tu vida siempre escuchándolas una y otra vez, y que, aún así, mantienen esa grandeza de los grandes himnos, para disfrutar de ellas, sin más. Esto pasa con Piano man, balada de Billy Joel que aparece en el disco del mismo título en noviembre de 1973 y que está considerada una de las grandes canciones del pop-rock.

Es, sin lugar a dudas, la canción más conocida y más coreada en todo el mundo de este cantante que antes de ser un excelente pianista fue boxeador de ligas amateurs en Nueva York y que se retiró de esa actividad luego de una lesión en su nariz.

Pero, a pesar de lo que se dice de él, yo creo que Billy Joel agotó sus ambiciones artísticas con este fresco desolador inspirado en sus días como cantante de salón en Los Ángeles, después del fracaso de su primer álbum titulado "Cold Spring Harbor". A causa de las malas ventas del disco, Joel estaba intentando solucionar la negociación de un contrato con discográfica Family Productions, que lo tenía endeudado. Mientras, tuvo que “esconderse” en un bar y actuar bajo el nombre de Bill Martin hasta que firmó con Columbia Records. 

La letra, quizás, merece ser un cuento de personajes fracasados, de sueños no realizados: Un barman (Jonh) que quiere salir de ese garito para ser actor, un novelista solterón  y sin éxito (Paul), un marinero (Davy), eterno recluta para poder vivir, y una camarera dando conversación a un hombre de negocios, todos ellos pasando un rato agradable con las canciones de un pianista que nos narra su historia, unidos por su soledad y fracaso. La parte del coro está inspirada en esas típicas canciones de bar, donde todos los clientes con sus cervezas y gin tónics cantan juntos. En Piano man Billy Joel plasmó sus sentimientos personales sobre este fracaso en los sueños frustrados de los personajes de su canción. En varias entrevistas, Joel ha admitido que todos los personajes de la canción, salvo el marinero Davy, fueron inspirados por personas reales que pasaban por el bar donde trabajaba.

Os dejo con varias versiones de esta grandiosa canción llena de melancolía, de poesía nocturna y de historias reales de gente común que acaba en la barra de un bar para que el alcohol y un piano les transporte a un mundo soñado.

Este es el video original.

Aquí oiréis la versión en estudio del disco.

En Youtube había una sobervia interpretación en directo con Elton Jonh, en solitario. Imposible encontrarla. La que había compartido me la han eliminado, así que he encontrado otra pero acompañado por el propio Billy Joel. 

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La versión de Víctor Manuel cantada por Ana Belén con la fuerza que le caracteriza, aparece en el álbum “Con las manos llenas” en 1980. Con letra algo diferente de la de Joel pero impresionante igualmente ya que ambas son canciones tristes, melancólicas llenas de alma que, no tengo la menor duda, aparecen como tabla de naúfrago en algún momento de nuestras vidas.

Y para no perder la costumbre de los últimos posts, una curiosidad. Un aficionado a la guitarra como yo la canta con este instrumento. ¡A ver si me la consigo aprender!

Por cierto. Como podéis suponer, la foto de Billy Joel que he elegido no es casual.