Liuba María Hevia: La voz femenina de la Nueva Trova Cubana que desborda ternura

Su trabajo “Vidas Paralelas” es un homenaje a la canción de autor, una reverencia a la trova.

Esta noche os quiero presentar a Liuba María Hevia, una cantautora cubanoespañola que descubrí hace unos tres años, como tantas otras voces, por casualidad, que es la mejor manera para que algo te sorprenda, gracias a esta canción.

¿Qué os parece? Cuanto más la escucho más me emociona. ¿Quiénes son estas mujeres? me pregunté. Buscando respuestas he sabido que Liuba María es una de las voces imprescindibles del panorama musical cubano y latinoamericano. Y Marta Gómez es una cantante colombiana afincada en Barcelona, ganadora de un Latin Grammy que transformó su rabia por la violencia y la guerra de su país en un esperanzador mensaje de paz para grandes y chicos. Con los hilos de la luna, conocida popularmente como El abuelo, (escrita por Hevia para su álbum “Puertas” de 2008), es uno de los más bellos temas dedicados al emigrante e inspirado por su abuelo asturiano, aquel hombre que calificó como “su primera escuela”.

    

Esta canción, nos dice la cantautora, fue inspirada en mi abuelo asturiano y es además un homenaje a los emigrantes que no olvidan sus raíces, porque así fue mi abuelo Hevia, un ángel que nunca perdió su esencia, y quedó sembrado en Cuba, con el corazón lleno de amor. "Estoy hurgando en mis raíces asturianas y homenajeándolas, es un orgullo poder hacerlo a través de mis canciones" afirma, "Cerraré el ciclo cuando me quede en Asturias para siempre, como hizo mi abuelo en Cuba".

Esta colaboración entre ambas artistas forma parte de su monumental trabajo “Vidas Paralelas”, una antología de 4 discos (2 CD) con 68 canciones. Ella misma lo ha calificado de entrañable porque realiza duetos con artistas muy queridos, tanto cubanos como extranjeros, defensores de la canción de autor, interpretando canciones propias y de los artistas que la acompañan. Vio la luz en 2017 después de estar trabajando en él durante 4 años, casi cinco, Supuso una verdadera agotadora proeza productiva grabar en la distancia, en distintos estudios, sujetos a las diferencias horarias, pero que fue posible gracias a la complicidad de todos.

Seguiremos con Vidas paralelas junto al cantante dominicano Pavel Nuñez Esa nación es para Liuba casi su segunda patria, adora su cultura y a su gente. Allí tiene amigos y familiares y es fanática de Juan Luis Guerra.

En este viaje que cruza por amores y tiempos, por poesía penetrante y voces que enriquecen el sentir del Caribe nos encontramos cantando a dúo Puertas con Silvio Rodríguez, una persona muy importante en su carrera. El propio Silvio expresó: “Liuba María Hevia y su grupo son aroma, sabor y sonidos febriles que han sabido robarle silencio al misterio, a la poesía de nuestra isla”.

Hevia cree en las cosas que fluyen en el arte, en la inspiración, en las musas y las señales. “Cuando una idea o frase melódica viene a torturarme deliciosamente, tomo la guitarra y me pongo a buscar dónde está”, reveló la compositora de temas como Si me falta tu sonrisa, que canta en esta ocasií con el puertorriqueño Danny Rivera.

Otro de los colaboradores de este magnífico trabajo es Pablo Milanés con el que canta Ya se va aquella edad. La canción original forma parte del disco “Comienzo y final de una verde mañana” (1984) de Milanés.

Seguimos esta selección con la inconfundible y venerada Omara Portuondo otra de las grandes voces que representa la cultura cubana, interpretando a dúo la canción Trovada en La Habana. Según cuenta Liuba en el post que presenta el sencillo, Omara se aprendió la letra de la canción en el propio estudio a tan solo momentos previos de que comenzara la grabación.

Dueña de una dulzura que define su estilo y a pesar de la sensibilidad de sus composiciones y el lirismo de sus textos, Heiva no se considera una poeta. Para mí sí lo es; como muestra este tema de su álbum “Ilumíname” (2002), acompañada de Luis Pastor.

Cabe destacar, también, su capacidad de fusionar diversos géneros musicales. La habanera, la balada, las guajiras, los sones y boleros constituyen un ejemplo de la variada sonoridad que impregna esta artista a sus canciones. A continuación, cantando a dúo Decimas con la cantante. instrumentista, compositora y productora argentina Georgina Hassan.

Por último (hacer una selección entre 68 canciones no ha sido nada fácil) Ana Belén y Liuba interpretan juntas Tristeza, también del disco “Puertas”. Liuba declaró a la AIN que el acompañamiento de Ana Belén aporta una sonoridad inconfundible. Lo podéis comprobar.

Aquí acaba este homenaje a la trova. “La buena trova para mí y mi generación fue un compromiso con lo hermoso, encontrar un modo de decir diferente, delicado, profundo y también popular”, dice Liuba.

No me quiero despedir sin poner de relieve una de sus cualidades especiales: su dedicación a los niños, con canciones propias o la interpretación de clásicos del repertorio infantil hispanoamericano. En 2012, el Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF) la nombró Embajadora de Buena Voluntad por su vocación y trabajo no sólo en los teatros, sino también en los barrios populares, escuelas y hospitales llevando a cabo una sostenida labor en favor de los niños.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania! Imposible acabar sin gritar: ¡Poned fin al genocidio palestino! No seamos soldados de los telediarios y los magacines, dejemos de ser habitantes de las trincheras mediáticas, no nos lavemos las manos con agua que está teñida con sangre. Digamos ¡basta! ¡Palestina libre desde el río hasta el mar!

Buenas noches.  Bona nit.  Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك. לילה טוב 

Otras fuentes

https://www.lyricslayers.com/liuba-maria-hevia/1736270/
https://www.espectaculosyediciones.com/liuba-maria-hevia/
https://www.cubahora.cu/cultura/vidas-paralelas-un-regalo-a-la-cancion-de-autor
https://oncubanews.com/cultura/musica/liuba-maria-hevia-y-las-senales-de-una-deliciosa-obsesion/#:~:text=%E2%80%9CCuando%20una%20idea%20mel%C3%B3dica%20o,duende%20y%20%C3%81ngel%20y%20Habanera.
https://www.elplural.com/playtime/musica/liuba-maria-hevia-entrevista_320085102
https://www.rtve.es/play/audios/tarde-lo-que-tarde/conversamos-cantante-cubana-liuba-maria-hevia/6647262/
https://laud.udistrital.edu.co/musica/la-voz-femenina-de-la-nueva-trova-cubana-liuba-maria-hevia-en-bogota
https://gruposmedia.com/descargas/liuba-maria-hevia-dossier.pdf
https://quetengopati.blogspot.com/2011/08/simplemente-liuba.html
https://www.abc.es/espana/madrid/abci-liuba-maria-hevia-canciones-cronica-vida-202110150042_noticia.html
https://fernandolucini.blogspot.com/2015/03/liuba-maria-hevia-cuando-canta-la-vida.html
https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20230301/voz-femenina-nueva-trova-cubana-liuba-maria-hevia-trovadora-concierto-barnasants-luz-gas-83930677
 

“A 20 pasos de la fama”: Estrellas en la sombra

 Millones de personas conocemos sus voces, pero pocos sabemos sus nombres.

Hace un tiempo que seguimos CaixaForum+, la plataforma de streaming digital orientada a contenidos culturales y a la divulgación científica creada por La Fundación “la Caixa”. Se trata de una plataforma gratuita que está abierta a todos los usuarios, sean o no sean clientes de la entidad. Fue en ella donde pudimos ver “20 Feet from Stardom”, una cautivadora película ganadora del Oscar al mejor documental 2013 del director Morgan Neville que arroja luz sobre la verdadera historia no contada de las voces que hay detrás de algunas de las mayores leyendas musicales del siglo XXI. A veces han sido reconocidas y apreciadas y otras no. A veces se han contentado con un papel secundario y otras no. Pero lo queda bien claro es que una vez que aceptaron el papel de corista, les era muy difícil escapar. 

Fotogramas

Algunas de las personas que reflexionan sobre la situación de estas marginadas del rock y del pop son grandes estrellas como Sting, Bruce Springsteen, Lou Reed, Stevie Wonder, Ray Charles, Mick Jagger, Tina Turner, Joe Cocker o David Bowie. Sus elogios a las coristas con las que han trabajado son sinceros y muy reveladores, pero su presencia también enfatiza los desequilibrios raciales y de género que están tan profundamente arraigados en el mundo de la música. a pesar de reconocer el valor de sus acompañantes, hay mucho "qué le vamos a hacer, es lo que hay".

La canción que suena en los títulos iniciales, Walk on the Wild Side de Lou Reed, es una elección provocativa pero también apropiada. La famosa letra del coro (“y las chicas de color cantan/doo, da-doo, da-doo, doo doo doo doo...”) establece el tema de la película y también su razón de ser.

La relación entre el vocalista principal y el coro secundario, como bien señala Bruce, tiene sus raíces en la llamada y la respuesta de la iglesia negra, donde la mayoría de las cantantes de este documental, mujeres negras de más de 60 años, comenzaron su carrera. Muchas de ellas son hijas de predicadores. De ellos aprendieron a cantar en el coro de la iglesia y la capacidad para empastar sus voces con las de otras personas. Nunca pensaron que terminarían repitiendo esa forma de cantar una y otra vez. Una de ellas, Mable John, cerró el círculo. Esta ex del grupo The Raelettes, que exclamaba "ooh" y "aah" junto a Ray Charles, ahora es pastora y fundadora de Joy in Jesus en Los Ángeles.

El cuadro que nos pinta Neville es complicado. Algunas cantantes (muy a menudo afroamericanas) que surgieron en el ambiente altamente disciplinado del rhythm and blues de la década de 1960, se sintieron liberadas cuando a principios de los 70 grupos de rock blanco como los Rolling Stones aparecieron y las alentaron a “liberar la pasión” que sentían que había dentro de ellas; a ser, como más de uno expresa, “más negras”.

Con la espléndida excepción de Darlene Love, que fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2011, la mayoría de las vocalistas entrevistadas no son muy conocidas. Aun así, Darlene no recibió el reconocimiento adecuado por su participación en varios éxitos, por lo que tuvo que trabajar como limpiadora de casas antes de reclamar el lugar legítimo que le correspondía.

En el film descubrimos nombres como Merry Clayton, Táta Vega y Judith Hill que trabajó con dos de los más grandes artistas del pop y soul contemporáneos, como son Michael Jackson, durante su última gira “This Is It” (ella fue la encargada de cantar Heal the World  en su funeral); o Prince, quien además la tomó como protegida durante los dos últimos años de su vida llegando a producirle su primer disco en solitario, “Back in Time”.

También conocemos a Claudia Lennear que fue una parte integral de los shows de los Stones a principios de los años 70, como lo ha sido Lisa Fischer, una cantante de rango y delicadeza verdaderamente prodigiosa, desde 1989. 

Después del éxito de la película, David Bowie contactó con Darlene y le ofreció escribir canciones para su próximo proyecto.

La historia más terrible, quizás, es la de Merry Clayton que cuenta que los Stones la llamaron a un estudio de grabación en medio de la noche, embarazada, para grabar una pista vocal incendiaria: Gimme Shelter. Al regreso sufrió un aborto.

Muy potentes son sus imágenes de archivo, de conciertos y grabaciones, auténticas joyas, e imágenes de los carteles o álbumes en vinilo. "A 20 pasos de la fama" es una película llena de vida, de música, de energía pero que también deja constancia de la tristeza personal y de fracaso profesional de la coristas que acompañan a estos grandes cantantes o grupos musicales, y que sin ellas sería complicado poder sacar adelante sus proyectos. 

Darlene Love, Tatá Vega, Merry Clayton, Judith Hill y Lisa Fisher ( La Vanguardia)

Acaba aquí, pues, una crónica de explotación y apropiación (en otras palabras, el negocio de la música) pero también de historias de compromiso profesional y, en cierta manera, triunfo artístico; carreras en solitario que no llegaron a suceder a causa de la misteriosa combinación de suerte, ambición y prejuicios que, en este mundo de la música, mantiene en la sombra a algunos nombres de enorme talento, mientras que otros, quizás menos dotados, se convierten en grandes estrellas. Nombres de mujeres que no brillaron con luz propia, pero que ayudaron a brillar a otros más relevantes de la historia de la música. 

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania! Imposible acabar sin gritar: ¡Poned fin al genocidio palestino! No seamos soldados de los telediarios y los magacines, dejemos de ser habitantes de las trincheras mediáticas, no nos lavemos las manos con agua que está teñida con sangre. Digamos ¡basta! ¡Palestina libre desde el río hasta el mar!

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Otras fuentes

https://www.revistafreerockin.com/merry-clayton-desgarro-en-la-sombra/ https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20160517/lisa-fischer-rolling-stones-barts-20-pasos-fama-5138239

https://www.elconfidencial.com/cultura/cine/2014-05-23/las-grandes-marginadas-del-rock_134378/ http://www.filmdreams.net/2014/05/a-20-pasos-de-la-fama-2013.html

https://www.elantepenultimomohicano.com/2014/03/a-20-pasos-de-la-fama-critica.

htmlhttps://nohacefaltaescribirnadamas.wordpress.com/2017/03/10/critica-no-59-a-20-pasos-de-la-fama-20-feet-from-stardom/

 

El mundo poético y musical sefardí de Françoise Atlan

La tradición no es el culto a las cenizas, sino la preservación del fuego. Gustav Mahler)

Vivimos en un mundo enajenado. El odio enciende, cuando menos te lo esperas, la mecha de la furia, ciega la razón, nubla los sentimientos y hace que las mayores atrocidades sean una realidad. La lucha por el relato es encarnizada. La verdad es lo primero que desaparece. El respeto al otro, al que no piensa como tú, al que no tiene tu mismo dios, tantas veces excusa perfecta para atizar los fuegos entre comunidades, se desvanece. Pero yo necesito parar, necesito trascender al tiempo y las circunstancias, llegar a ese lugar donde las almas se elevan y los corazones encuentran consuelo: la Música. Por eso esta noche la quiero dedicar a la cantante franco-bereber Françoise Atlan, símbolo de la fusión de las músicas y de la convivencia de distintas culturas y religiones. Esta maravillosa cantante, pianista y musicóloga ha desarrollado una carrera fuera de lo común, al ritmo de una sensibilidad muy personal y un singular enfoque de su voz liderando, además, una tenaz lucha por la perpetuación de sus raíces. Espero que os guste.

ADEM, ateliers d'ethnomusicologie 

Nacida en Narbona en 1964 en el seno de una familia judeo-bereber que acababa de abandonar Argelia, un padre cabilio abogado, una madre pianista y cantante de ópera, a los cuatro años, viviendo en Saint-Etienne, Françoise ya toca el piano, estudia hebreo en el Talmud Torá y acompaña a menudo a su padre a la sinagoga. “También hice estudios de lírica y aprendí de grandes cantantes de ópera”, declara. En 1990, la familia se instala definitivamente en Marruecos. “Allí me doy cuenta de que me han amputado mis raíces judeo-bereberes. Observo con asombro que aquí están vivas, sin nostalgia, en una especie de coherencia natural entre las comunidades, en particular los judíos y los musulmanes. Y que estas canciones que escucho son las mismas que escuché en la sinagoga, cuando era pequeña. Trabajé en esto para mi propia reparación y también para mis padres”.

No obstante, Françoise Atlan se posiciona más allá de repetir esas antiguas tradiciones de la cultura de sus padres. Su profundo conocimiento de la tradición andaluza le ha permitido desarrollar una técnica especial, incomparable y muy expresiva que combina el tecnicismo vocal y la sensibilidad sefardí, rica herencia de los judíos expulsados de España en 1492 y diseminada por la cuenca mediterránea; romances que forman la voz única de un pueblo, pero que fue integrando, progresivamente, las aportaciones de las diferentes culturas que les acogieron en su diáspora. Sin embargo, estas van evolucionando a lo largo del tiempo y la geografía, conservando una identidad propia. Temas, musicales o poéticos que cruzan el mar, llegan a las orillas más opuestas y, aun así, son reconocibles desde la primera nota. Fueron las mujeres las garantes de la supervivencia cultural de todo un pueblo: es esta doble voz, sefardí y femenina, la que Atlan hace oír por todo el mundo.

Su primer álbum "Romances Séfarades" grabado en 1992, fue muy aclamado por la crítica, mientras que su segundo CD titulado "Entre la Rose et le Jasmin" recibió el premio "Diapason d'or" otorgado por Diapason, revista francesa especializada en música clásica.

Ganadora del premio “Villa Médicis Hors les Murs” en 1998 concedido por el Ministerio de Cultura, fue recompensada con una beca que le permitió trabajar durante tres años sobre el repertorio árabe-andaluz de tradición de Fez, junto a Mohamed Briouel. Juntos grabaron “Nawba M’Cherqi”, fruto de estos años de trabajo.

Sumergiéndose con la misma pasión que en el canto sefardí, en los repertorios contemporáneos, medievales o incluso en múltiples tradiciones mediterráneas, esta cantante con formación lírica, floreció naturalmente en la música árabe andaluza; esa música erudita que perpetúa la nostalgia y el espíritu de la época dorada de una civilización donde judíos, musulmanes y cristianos tocaron y cantaron con una sola voz, tejiendo juntos sus conocimientos musicales en la España de Al-Andalus.

Su discografía no es muy extensa. Me gustaría resaltar “Ay!! Amor (Constantinopla)” trabajo que se inspira en la música de la cuenca mediterránea, pero también en la Europa medieval y renacentista, así como en las tradiciones musicales de Oriente Medio. Al igual que la ciudad que le da nombre, el conjunto es un crisol de todas estas culturas. 

 

En abril presentó en Córdoba su último trabajo; una edición con textos, letras y fotografías, además de 17 canciones de la tradición oral sefardí. "Zajor, Sefarad (Recuerda, Sefarad) Un trozo de la memoria de un pueblo. 

Con una voz naturalmente hermosa, Françoise Atlan canta en griego, turco, árabe, hebreo, español y francés .

La delicadeza de sus interpretaciones, impregnadas de calidez y pureza reflejan el talento luminoso que, evidentemente, le ha dotado la naturaleza. “Ella entra a la habitación y algo sucede. Algo potente, luminoso y alegre, es imperceptible, flota un poco en el aire, hay gente así. Françoise Atlan es así. Françoise Atlan es artista. No es sólo su trabajo, es su manera de estar en el mundo", resume Michaël Dian, fundador y director del Festival Chaillol “Para ella, el arte no es entretenimiento, es una responsabilidad, una ética, algo que supera el lenguaje para elevarse más allá del verbo."

Para acabar, otro aspecto que ya no es ni siquiera una idea que defender, y mucho menos un concepto, es su realidad como artista y como mujer: el diálogo interreligioso en un mundo en el que la convivencia de cristianos, judíos y musulmanes a lo largo de la Historia ha estado y está llena de enfrentamientos. En 2019, Françoise Atlan actuó ante Mohamed VI y el Papa Francisco. En su actuación, mezcló su canción hebrea primordial Adonay Elohenou con la llamada a la oración del muecín Smahi El Harrati. Acompañadas por la soprano Caroline Casadesus, las tres voces dialogaron extensamente sobre el Ave María de Caccini (que, por cierto, no es de Caccini). Tras esta extraordinaria actuación, el rey Mohamed VI le concedió la nacionalidad marroquí.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania! Imposible acabar sin gritar: ¡Poned fin al genocidio palestino! No seamos soldados de los telediarios y los magacines, dejemos de ser habitantes de las trincheras mediáticas, no nos lavemos las manos con agua que está teñida con sangre. Digamos ¡basta! ¡Palestina libre desde el río hasta el mar!

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Otras fuentes

https://www.iemj.org/es/atlan-francoise/
https://adem.ch/fr/cours/chants-sefarades
https://earlymusicmorella.com/francoise-atlan/
https://www.radiosefarad.com/francoise-atlan-sefarad-del-mediterraneo/

https://cordopolis.eldiario.es/cordoba-hoy/sociedad/ecos-sefarad-regresan-cordoba-disco-memorable_1_11299132.html

 

Un año sin Tina Turner

 Una estrella que resistió la violencia, la enfermedad y el suicidio de su hijo.

Se cumple el primer aniversario de la muerte de Tina Turner, un huracán, un animal escénico, una cantante magnética de fuerza explosiva. Su incomparable torrente de voz ronca, su magnetismo sexual y energía abrumadora, siendo ejemplo de lucha y resiliencia en lo personal, la convirtieron en una intérprete en vivo inolvidable y en una de las artistas de mayor éxito discográfico de todos los tiempos.

Fotografía de El Diario

De muestra, un botón. I Can't Stand the Rain, una canción grabada originalmente por Ann Peebles, en 1973. La versión del álbum fue un poco más suave que su versión en vivo.

La Reina del “rock 'n' roll”, nacida como Anna Mae Bullock, comenzó su carrera como cantante a los 18 años, cuando todavía iba a la secundaria en East St. Louis, Illinois, cantando con la banda Kings of Rhythm dirigida por su futuro esposo Ike Turner en 1957. Al principio solo actuaba ocasionalmente, pero pronto se convirtió en la estrella del grupo y en la esposa de Turner. Su conjunto, que pronto pasó a llamarse Ike and Tina Turner Revue, se convirtió en uno de los principales grupos de soul en gira por los locales negros del llamado circuito chitlin . ya pintaba maneras. Su primer éxito en el Top 10 lo tuvo en 1971 con su versión de Proud Mary, la canción de Creedence Clearwater Revival.

En sus primeras memorias (escribió tres) de 1993, Yo, Tina, la cantante reveló el maltrato al que la sometió Ike durante toda su relación y cómo el abuso la llevó a un intento de suicidio en 1968. En julio de 1976, solicitó el divorcio “diferencias irreconciliables”. Por fin, Tina lanza en 1984 su álbum debut en solitario “Private Dancer”. "No lo considero un regreso", dijo en su documental, Tina “Tina nunca había llegado”. Trabajando con compositores más jóvenes y respaldada por un sonido suave y sintetizado que envolvía su voz cruda y urgente, lanzó tres éxitos descomunales: la canción que da título al álbum, escrita por Mark Knopfler de Dire Straits; Better Be Good to Me, y What’s Love Got to Do With It. Fue un éxito revolucionario y le valió tres premios Grammy, incluido el de Grabación del Año y por, esta última, el de Mejor Interpretación Vocal Femenina.

El álbum vendió cinco millones de copias e inició una serie de giras que convirtió a Turner en un fenómeno mundial. Otra poderosa balada es We Don't Need Another Hero que apareció en “Mad Max Beyond Thunderdome” la película de Mel Gibson (1985). La letra resonaba con la desolación del mundo post-apocalíptico de la película. Turner apareció en el vídeo musical como su personaje Aunty Entity, con quien dijo que se conectaba porque era "fuerte y resistente" dijo Tina. "Me identifiqué con sus luchas porque las viví".

La canción fue otro éxito, llegó al número dos en los EEUU y obtuvo una nominación al Grammy y un premio Ivor Novello. Luego vinieron muchos otros álbumes exitosos, como “Break Every Rule” (1986) y “Foreign Affair” (1989) De este último The Best que fue escrita en 1988 originalmente para la cantante galesa Bonnie Tyler, pero fue solo un éxito menor. Al año siguiente, Tina añadió algo de fuerza vocal extra y una nueva producción convirtiéndola en una de sus canciones emblemáticas y en uno de los himnos definitorios de la década.

Enumerar una lista de “las x mejores canciones de Tina Turner” es una tarea inútil. Podría ser interminable. Están las “mejores”, las “imprescindibles” pero todas igual de deslumbrantes.  Aun así, seguiré mi selección con otra canción empoderadora y feminista del álbum “Foreign Affair”, Steamy Windows, que habla sobre tomar la iniciativa en un encuentro sexual. Music Week la describió en ese momento como "un número deliciosamente atrevido" con "traviesos toques de guitarra".

Un tema de James Bond es un hito para cualquier artista. En 1995, Tina Turner interpretó el tema central de la película “Goldeneye” que fue el tiro de salida de una serie de geniales canciones que acompañaron al agente 007.  "Tuve que trabajar muy duro., explicó la cantante, Entonces supe que podía cantar cualquier cosa que se me pusiera delante".

Turner anunció su retiro en 2000, un año después de lanzar su último álbum en solitario, “Twenty Four Seven”, aunque regresaría a los escenarios en 2008, actuando en los premios Grammy con Beyoncé y para una gira para conmemorar los 50 años de su carrera.  Ese fue definitivamente el final. "Estaba cansada de cantar y hacer felices a todos", dijo al New York Times en 2019 . "Eso es todo lo que había hecho en mi vida".

Gira de despedida de 2099. Revista Debate.

La siguiente canción, de su álbum recopilatorio “All the Best” (2004) Open Arms , se convirtió en un éxito entre los 40 primeros en la mayoría de las listas en las que apareció.

Turner llevó a cabo colaboraciones muy recordadas como State of Shock,  un sencillo de 1984 del álbum “Victory” de los Jacksons 5, cantada por Michael Jackson y Mick Jagger, pero además, existe una versión extraoficial cantada por Michael Jackson y Freddie Mercury, con quien originalmente se grabó la canción. El cantante de los Rolling Stones cantó en el escenario junto a Turner este tema y el de su banda, It's Only Rock 'n' Roll.

Además de serios problemas de salud y años de maltrato Tina sufrió como madre cuando su hijo Craig se suicidó en julio de 2018. 

Infobae

"Mi momento más triste como madre", tuiteó la cantante junto a una foto de ella esparciendo las cenizas de Craig desde el costado de un barco. “El jueves 19 de julio de 2018, le dije adiós por última vez a mi hijo, Craig Raymond Turner, cuando me reuní con familiares y amigos para esparcir sus cenizas frente a la costa de California. Tenía cincuenta y nueve años cuando murió tan trágicamente, pero siempre será mi bebé”.

Quiero acabar en un tono menos explosivo, con una canción, cómo no, de “Foreign Affair” (el toque de trompeta me encanta), una canción dedicada a mujeres de cierta edad, cómo yo, que aún valoran el amor

“La felicidad verdadera y duradera proviene de tener un espíritu inquebrantable y esperanzador que puede brillar, pase lo que pase”, dijo a The Guardian en 2020.  "Eso es lo que he logrado y mi mayor deseo es ayudar a otros a ser también verdaderamente felices". No hay más que decir, Tina.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania! Imposible acabar sin gritar: ¡Poned fin al genocidio palestino! No seamos soldados de los telediarios y los magacines, dejemos de ser habitantes de las trincheras mediáticas, no nos lavemos las manos con agua que está teñida con sangre. Digamos ¡basta! ¡Palestina libre desde el río hasta el mar!

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Otras fuentes:

https://www.rtve.es/noticias/20230524/diez-mejores-canciones-tina-turner/2447418.shtml
https://www.nytimes.com/es/2023/05/24/espanol/tina-turner-muerte.html
https://www.infobae.com/historias/2024/05/24/a-un-ano-de-la-muerte-de-tina-turner-sus-piernas-aseguradas-su-mayor-tristeza-como-madre-y-una-fortuna-sin-repartir/

La Novena de Beethoven, símbolo de paz y de la unidad de Europa, celebra 200 años

 Una obra maestra, una de las cumbres de la cultura de todos los tiempos

El pasado 7 de mayo celebramos el 200 aniversario del estreno de la Novena Sinfonía de Beethoven quizás la sinfonía más interpretada y deslumbrante de todos los tiempos, una obra maestra amada por los amantes de la música en todo el mundo. Estrenada el 7 de mayo de 1824 en el Kärntnertortheater de Viena, probablemente fue uno de los momentos más conmovedores de la historia de la música.

 Detalle del "Retrato (1820) de Ludwig van Beethoven" componiendo la "𝘔𝘪𝘴𝘴𝘢 𝘚𝘰𝘭𝘦𝘮𝘯𝘪𝘴", de "Joseph Karl Stieler" (1781-1858)

 Como todos sabemos, son numerosas las ocasiones en las que la obra ha servido para celebrar, conmemorar o institucionalizar sentimientos colectivos y dotarlos además de una dimensión ética, aportando, durante dos siglos, significado de belleza, amor y unidad a este mundo caótico, y continúa sirviendo como símbolo de esperanza y paz en la actualidad. 

(Primer movimiento)

Fue un encargo de la Sociedad Filarmónica de Londres, que interpretó la obra el 21 de marzo de 1825. Beethoven no les envió la partitura hasta después de que tuvo lugar la representación en Viena.

El programa del estreno, decidido exclusivamente por el propio Beethoven también incluyó la Obertura de la "Consagración de la Casa" y tres secciones de "Missa Solemnis" (Kyrie, Credo, Agnus Dei) cantadas en alemán. En el escenario se congregó la orquesta más grande jamás reunida por Beethoven, entre 82 y 100 músicos, procedentes de la orquesta del teatro, de la Sociedad de Amigos de laMúsica de Viena y de aficionados. También contó con un coro de 80 voces y cuatro solistas vocales. La contralto solista, Caroline Unger, tenía 20 años en el estreno 

Como el genio ya estaba completamente sordo, (había sufrido una pérdida de los agudos a una edad temprana y ya no podía oír los tonos altos) como las notas de flauta. otro músico tuvo que asumir la dirección de la orquesta. Beethoven estaba de espaldas al público para poder leer las palabras de los cantantes en sus labios. Al final del concierto estallaron unos frenéticos aplausos que el compositor no notó, por lo que el público empezó a agitar pañuelos. Entonces Caroline tomó a Beethoven de la mano y lo volvió hacia el público. Sólo entonces vio a la multitud entusiasta y agradeció a los oyentes con numerosas reverencias.

El tema principal de su cuarto y último movimiento, An die Freude (“Oda a la alegría”) fue elegido como Himno de Europa en 1985; un himno que Europa aún está por merecer.

La portada de la Sinfonía n.º 9 de Beethoven con la dedicatoria 

manuscrita al rey de Prusia, Federico Guillermo III

El tema principal de su cuarto y último movimiento, An die Freude (“Oda a la alegría”) fue elegido como Himno de Europa en 1985; un himno que Europa aún está por merecer. Friedrich Schiller la escribió en 1785, inspirado por su amistad con Christian Gottfried Körner, quien lo acogió cuando atravesaba dificultades legales y financieras. La melodía (que no la letra) fue arreglada por Herbert von Karajan para que sirviera de himno de la Unión Europea.

Este movimiento se ha convertido en un himno para ideologías muy diferentes y ha desempeñado un papel simbólico en la reconciliación entre pueblos. Se ha utilizado, por ejemplo, en España para homenajear a las víctimas del terrorismo, para conmemorar el aniversario de la Constitución de 1978 o para integrar a un grupo de personas con discapacidad auditiva en un medio para ellos ajeno y extraño como es la sala sinfónica. De forma análoga, sirvió para honrar a las víctimas del 11-S en la Última Noche de los Proms de 2001 y para celebrar la caída del muro de Berlín en 1989 en un legendario concierto dirigido por Leonard Bernstein.

Este movimiento se ha convertido en un himno para ideologías muy diferentes y ha desempeñado un papel simbólico en la reconciliación entre pueblos. Se ha utilizado en España para homenajear a las víctimas del terrorismo, para conmemorar el aniversario de la Constitución de 1978 o para integrar a un grupo de personas con discapacidad auditiva en un medio para ellos ajeno y extraño como es la sala sinfónica. De forma análoga, sirvió para honrar a las víctimas del 11-S en la Última Noche de los Proms de 2001 y para celebrar la caída del muro de Berlín en 1989 en un legendario concierto dirigido por Leonard Bernstein.

Bernstein sustituyó “Freiheit” por “Freude” para dirigir esa orquesta de músicos de todo el mundo. Un símbolo para resaltar la hermandad entre las dos Alemanias. Bernstein sustituyó “Freiheit” por “Freude” para dirigir esa orquesta de músicos de todo el mundo. Un símbolo para resaltar la hermandad entre las dos Alemanias. El mismo explica por qué lo hace.

No hay evidencia del mito de que el poema de Schiller se llamó originalmente An die Freiheit (“Oda a la libertad”). De hecho, ahora sabemos que fue inventado por el biógrafo de Beethoven, Alexander Thayer. Las primeras palabras que escuchamos cantadas, “O Freunde, nicht diese Töne! Sondern laßt uns angenehmere anstimmen, und freudenvollere” (¡Oh amigos, basta de estos sonidos! ¡En lugar de eso, toquemos notas de alegría y placer!), no son de Schiller, sino del propio Beethoven. Lo que sí es cierto, sin embargo, es que la última estrofa original del poema comenzaba con el verso “Rettung von Tirannenketten” (Rescate de las cadenas de los tiranos), que cortó cuando revisó el poema poco antes de su muerte en 1805.

No hay evidencia del mito de que el poema de Schiller se llamó originalmente An die Freiheit (“Oda a la libertad”). De hecho, ahora sabemos que fue inventado por el biógrafo de Beethoven, Alexander Thayer. Las primeras palabras que escuchamos cantadas, “O Freunde, nicht diese Töne! Sondern laßt uns angenehmere anstimmen, und freudenvollere” (¡Oh amigos, basta de estos sonidos! ¡En lugar de eso, toquemos notas de alegría y placer!), no son de Schiller, sino del propio Beethoven. Lo que sí es cierto, sin embargo, es que la última estrofa original del poema comenzaba con el verso “Rettung von Tirannenketten” (Rescate de las cadenas de los tiranos), que cortó cuando revisó el poema poco antes de su muerte en 1805.

En la capital de Japón, Tokio, la Novena sirve como excusa inmejorable para reunir una vez al año en la capital a un coro de 10.000 aficionados de todo el país el primer domingo de diciembre en lo que constituye para todos ellos —y para el público— una experiencia sobrecogedora.

Con motivo del 250 aniversario del nacimiento del músico, en 2020, la Deutsche Welle produjo un documental titulado “Una sinfonía para el mundo”, difundido principalmente a través de plataformas digitales. La Novena ¿es tan solo un gran éxito de la música clásica?, ¿un himno europeo, una fetichización de la metafísica occidental?  ("Es el fetiche musical de Occidente", decía el escritor Esteban Buch en su libro Beethoven's Ninth: a Political History. ¿O es simplemente una obra maestra de increíble belleza que hasta el día de hoy conmueve a personas de todo el mundo? Cuál es su secreto? El documental sigue las huellas de la Novena a través de cuatro continentes. Encuentra personas cuyas vidas están estrechamente entrelazadas con la sinfonía de Beethoven y ofrece a los espectadores una visión profunda de una música en la que Beethoven abrió la puerta a una utopía para toda la humanidad.

Aún hoy, esta genial obra transporta al público a un estado de éxtasis. Así es como un alma torturada, un individuo notoriamente dependiente del alcohol, ceñudo, acaparador de dinero y socialmente intolerable, compone su manifiesto filosófico-musical sobre la superación del aislamiento. Aquí, Beethoven da la máxima expresión a los sentimientos de interconexión, alegría y liberación de las cadenas del miedo, la compulsión y la demagogia. Poco antes de las elecciones europeas de 2024, en un año en el que aumentan las preocupaciones sobre un giro hacia la derecha en Europa, la fuerza La Oda a la Alegía tiene más sentido que nunca. Visto lo visto, quizá bastaría con desembarazarnos de todo lastre ideológico y vivirla mientras intentamos soñar, como hiciera Miguel Ríos en 1969 “el nuevo sol en que los hombres volverán a ser hermanos”. Escojo esta versión poque yo estuve allí 😉

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania! Imposible acabar sin gritar: ¡Poned fin al genocidio palestino! No seamos soldados de los telediarios y los magacines, dejemos de ser habitantes de las trincheras mediáticas, no nos lavemos las manos con agua que está teñida con sangre. Digamos ¡basta!

Buenas noches.  Bona nit.  Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك. לילה טוב

Otras fuentes:
https://www.xataka.com/magnet/cantico-nazi-a-himno-union-europea-como-novena-beethoven-se-convirtio-simbolo-politico
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/novena-sinfonia-beethoven-cumple-dos-siglos-por-que-es-tan-extraordinaria_21295
https://www.rtve.es/television/20240507/novena-beethoven-anos-obra-maestra-200/16092984.shtml
https://www.rtvcnoticias.com/musica-novena-sinfonia-de-beethoven-historia