miércoles, 22 de junio de 2022

Pat Metheny en las Noches del Botánico, un sueño cumplido

“Cada sueño comienza con un soñador”

Jesús tenía un sueño, asistir al concierto que, con dos años y medio de retraso, iba a dar Pat Metheny en el Palau de la Música de Barcelona como parte de su gira internacional de presentación de su último trabajo “Side-Eye NYC (V1.IV)”, un álbum en vivo grabado en la ciudad de Nueva York antes de la pandemia. La gira fue repetidamente suspendida, primero por las restricciones por todos conocidas, y luego porque la banda no pudo garantizar la vacunación de sus integrantes. Nuestra sorpresa fue mayúscula cuando a finales de octubre de 2021 las entradas estaban ya prácticamente agotadas. ¿En qué otras ciudades toca?, nos preguntamos. El 18 de junio, en las Noches del Botánico. Así que, hacia Madrid nos dirigimos; un viaje relámpago, 1300 km, ir y volver en dos días haciendo noche en una pensión, con un calor sofocante (41º al llegar y 33ª al empezar el concierto), tan solo para poder cumplir un sueño. Una locura que nos hizo rejuvenecer. Este post es la crónica de un concierto maravilloso gracias a la entrega total y la magia de su protagonista. Va por ti, Jesús.

Y es que hay artistas y conciertos que entran en una categoría especial, y el de Pat Metheny fue uno de ellos. El guitarrista estadounidense, con una formación bastante novedosa, entusiasmó a un público abrumadoramente maduro, no había más que vernos. Sus guitarras, de las que empleó varias, eléctricas y acústicas, venían respaldadas por dos talentosas estrellas en ascenso: el pianista/tecladista Chris Fishman y el baterista Joe Dyson, dos músicos muy jóvenes pero magistrales, a los que Pat ha seleccionado para que sean conocidos, a la vez que los acoge bajo su tutoría, tal y como hicieron con él "cuando se fogueaba en el mundo del jazz siendo apenas un chaval”. Algo parecido a un mecenazgo. Metheny le ha dado a este concepto de banda el nombre de Side-Eye   un grupo rotativo de músicos que pueden ir y venir en diferentes combinaciones. Hasta ahora ha habido cuatro iteraciones, de ahí el subtítulo V.1-IV.

Con el recinto a rebosar, el concierto empezó puntual, algo que cada vez es más inusual en el mundo del espectáculo. El comienzo fue apoteósico. Desde la oscuridad Metheny apareció con su característica melena, camiseta ancha, (sin sus habituales rayas, cosa rara), pantalones y calzado deportivo, y ese aire juvenil envidiable, si tenemos en cuenta que tiene 67 años. Solo, en mitad del enorme escenario, flanqueado en la parte derecha por la batería y en la izquierda por el set electrónico, con sus asientos todavía vacíos, cual prestidigitador, nos saludó con su alucinante guitarra Pikasso, obra de arte de la luthier canadiense Linda Manzer, extrayendo de las 42 cuerdas que tiene este instrumento de madera y metal tanta música, que parecía mentira que todo lo que sonaba viniera de un solo hombre. 

Tras seis minutos de improvisación en la que por momentos fue posible asociar sonoridades con un arpa, de la nada surgieron discretamente, como por arte de magia, sus dos jovencísimos acompañantes: Fishman rodeándose de una fortaleza de teclados y mesas, y Joe Dyson sacudiendo la batería como si le fuera la vida en ello, para interpretar So May It Secretly Begin. A falta de poder compartir un video del concierto nos deleitaremos con este.

 

 El trío brilló también interpretando Minuano (Six Eight) una de las más conocidas piezas de “Still Life (Talking)” (1987). Esta versión es del concierto de Japón de 2008.

La calidad del conjunto fue incuestionable en todo el concierto, alternando intensidad y sosiego, los solos acústicos de Metheny en los que se perdió durante un buen rato en el interior de la música, con las versiones más espectaculares y conocidas de su repertorio, recorriendo títulos que fueron trascendentales en su época, muchos de ellos de aquella etapa dorada que forjó junto a Lyle Mays. Cómo no, también hubo sonidos atonales y estridentes, en definitiva, todas sus facetas juntas. 


Bright Size Life, pieza que da nombre al álbum debut de 1976 permitió lucirse por primera vez a Fishman quien de manera brillante tuvo la responsabilidad de emular el bajo con un sintetizador. Jesús no hacía más que decirme, ¡¡no hay bajista pero el bajo se oye!!.

A continuación tocaron la emotiva Better Days Ahead del mítico “Letter from Home”, icónico en su trayectoria, permitiendo al guitarrista lucirse en todos sus registros, con esos ensordecedores sobreagudos que caracterizan su toque, ante un auditorio cada vez más entregado y entusiasmado.

Y llegó el swing, con una versión de Timeline, una composición de Metheny que salió en un disco de Michael Brecker. Magistral.

En ese flujo y reflujo de calma e intensidad que recorrió todo el concierto, le tocó el turno a la excelente Always and Forever de su exitoso álbum "Secret Story", ganador del Grammy como Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo en 1992. Metheny solo con su guitarra, Dyson adornando con platillos y un tenue sonido de contrabajo hecho por Fishman, mantuvieron en absoluto silencio a las 4000 personas presentes que habían agotado las entradas, emocionándonos hasta las lágrimas. No he encontrado otra interpretación más parecida a lo que allí escuchamos.

Otra maravilla de las que reconocí fue When We Were Free, del disco “Quartet” (1996) con un excelente solo de batería de Dyson.


Más sutil se mostró cuando se ayudó para It Starts When We Disappear de una versión reducida del extraño artefacto al que llama Orchestrion, compuesto de un vibráfono, marimbas, instrumentos musicales acústicos y eléctricos.

El set terminó con Side Eye, otra de las piezas que Metheny ha recuperado en este disco que presentaban, que se extiende por más de 10 minutos y que tuvo el piano como especial protagonista.

Vale la pena señalar que uno de los mejores momentos de la noche llegó cuando Metheny interpretó a dúo con cada uno de sus dos músicos unos pasajes, entre la improvisación y la estructura predecible.

Metheny fue generoso en las propinas.  El primer bis fue un medley acústico, pacífico, de esos que nos inducen al trance. Pudimos disfrutar de su toque en solitario, desgranando temas encadenados entre los que pudimos apreciar, con transiciones casi imperceptibles entre una y otra, Minuano (Six Eight) / As It Is / September 15 / Omaha Celebration / Antonia/ Slip Away / This Is Not America  Last Train Home.

Pero los bises se alargaron, con Metheny saliendo una y otra vez, solo y con los otros dos músicos, para interpretarnos cinco piezas más. Para sacarnos del trance nos ofrecieron una conmovedora interpretación de Are You Going with Me?. He encontrado esta interpretación del Festival International de Jazz de Montréal, Canada. (1989) que puede servir.

Make Peace, el tema que cerraba el primer disco del dúo entre Pat Metheny y el pianista Brad Mehldau, publicado en 2006, y Song For Bilbao, del indispensable doble LP "Travels" (1983), tema dedicado al público de Bilbao, fue la manera ideal de despedir un concierto generoso, intenso y delicado a partes iguales, con una ejecución impecable.

La puesta en escena fue sencilla. Unos discretos pero muy efectivos efectos de luz y color lograron un espectáculo pintado de psicodelia y buen gusto, mientras Metheny se adaptaba perfectamente a los estados de ánimo que provocaba. Con una efusión expansiva de texturas, tonos y melodías a los que este gran guitarrista se acerca con su instrumento como pocos más pueden hacerlo, nos hizo llorar, sonreír, emocionarnos, aplaudir como locos, ponernos de pie una y otra vez. El jazz en sus manos se vuelve exuberante, inagotable y contemporáneo, y su público caímos rendidos a sus pies.

Habrá más; estoy segura de que no tardaremos en entusiasmarnos con un nuevo proyecto. Su viejo amigo Steve Rodby, bajista de su mítico Pat Metheny Group, le dijo en una ocasión que era “productivo-compulsivo”, lo cual define bastante su personalidad: el guitarrista confiesa que se levanta cada madrugada a las cuatro y se pone a trabajar en su música, sin un objetivo o destino concreto; simplemente es, según sus palabras, “para lo que vive”En una entrevista para La Vanguardia, afirmó que “la música es un trabajo a tiempo completo”. Pues mientras su nuevo trabajo ve la luz, podremos recordar con la piel de gallina este concierto antológico, dos horas y media ininterrumpidas de un Pat Metheny desbordante, en plena forma y dando lo mejor de sí mismo, arropado por sus jóvenes músicos. Un sueño cumplido.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania!

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć. Bon lannwit. Fie. God nat. Usiku mwema. Oimore. Sula bulungi. Добрий вечір


miércoles, 8 de junio de 2022

Los sonidos del silencio

“El camino a todas las cosas grandes pasa por el silencio” (Friedrich Nietzsche).

A pesar de lo que dijo el filósofo alemán, cada vez más personas viven en ciudades, cerca de ruidosos aparatos, de tráfico incesante y de innumerables estímulos físicos y psíquicos. No es sorpresa, pues, que el silencio se haya convertido en un bien en peligro de extinción. Hoy por hoy, el silencio tiene ya un mercado y es considerado un producto de lujo. Por ello algunas personas viajan por el mundo cazando zonas de silencio como si se tratara de las más raras aves. Pero el silencio no puede existir, solo existe en el vacío, solo existe en relación al sonido, como la oscuridad a la luz o quizás también como el propio vacío que en realidad es una plétora de energía creativa en potencia. El ruido ha llegado a ser sinónimo del estrés. En esta sociedad contaminada también acústicamente, los científicos parecen confirmar la antigua noción de que el ruido lastima, dilacera, perturba y enferma desgarrando el pulcro velo del silencio, que mantiene un aura, una atmósfera virginal, propia.

Yo adoro el silencio, no es la primera que lo digo ni la última vez que lo diré. Hace justo 11 años le dediqué al silencio una entrada en este blog. El silencio es la música que sale del fondo del alma. Contiene un sonido preciso, armónico, lleno de sentido. El sonido del silencio es la palabra que brota mansamente, como el limpio cauce del arroyo, con la pequeña, con la humilde belleza de lo cotidiano para cultivar el espíritu. Odio el estruendo de rumores y murmullos, la palabra hueca de los políticos, el bullicio financiero, el grito constante y desgarrador de la injusticia social. En estos tiempos de cháchara, liviandad y estridencias, el silencio es una bendición, un bálsamo.

de davidhuerta.typepad

Una de las consecuencias de tener muchos más años por detrás que por delante es que hace tiempo que no puedo “escuchar el silencio”. Cuánta razón tuvo Quevedo cuando dijo Todos deseamos llegar a viejos pero todos negamos que hayamos llegado”. Sin embargo, por mucho que lo quisiera negar, que no es el caso, esos zumbidos que escucho en el “silencio de la noche” son la certificación del inexorable paso de mis años. Dice mi otorrino que yo que adoro el silencio estoy condenada a no volver a escucharlo nunca más. Cuando me envuelve el silencio, este está compuesto de una graduación casi infinita de sonidos inaudibles para los demás cada vez más sutiles, como los infrasonidos que pueden emitir algunos cetáceos o como los sonidos siderales que míticamente escuchaban los filósofos pitagóricos. Tal vez necesitemos un tercer oído para detectar esa paleta mística del sonido que tiene el silencio. Tal vez… Esta noche, para combatir los acúfenos que me acribillan impidiendo mi descanso he pensado que nada mejor que dedicar mi recopilación a los “sonidos del silencio”.

Os propongo, pues, una selección de 10 temas que tienen un ritmo y estilo muy diferentes entre sí pero que apelan a ese silencio interior que necesitamos a veces. Puede incluso que sea fácil reconocernos: desde la angustia de estar solo en la oscuridad hasta la paz que surge al encontrar la serenidad.

Como no podría ser de otra manera empezaremos con The sounds of silence, uno de los mayores éxitos musicales de los años 60 en Estados Unidos y el resto de occidente, un aldabonazo inesperado al movimiento folk-rock que consagraría para siempre a unos por entonces jovencísimos Paul Simon y Art Garfunkel, y que a muchos de nosotros nos ha acompañado durante casi toda la vida. Aunque ha habido múltiples teorías sobre su significado, desde los primeros versos se aborda el tema principal: la incomunicación. La canción es una demostración de cómo con simplicidad melódica y una letra que llegue se puede hacer una obra maestra.“Las canciones no son sólo lo que dicen las palabras, sino lo que dice la melodía y el sonido. Si no tienes una melodía correcta y cantable, da igual lo que tengas que decir, porque la gente no lo va a escuchar, decía Simon. 

“Eye in the Sky” fue el sexto álbum de estudio de The Alan Parsons Project posiblemente, el disco más exitoso de toda su carrera. ​El secreto fue mezclar hábilmente un producto de calidad, con arreglos orquestales y maneras de rock progresivo, con melodías sencillas al oído en clave pop-rock. La canción elegida, Silence and I es una buena muestra de ello. El vídeo está subtitulado en español; os recomiendo que también prestéis atención a la letra francamente sugerente.

   

“In a silent way” (1969) es uno de los álbumes que, de manera silenciosa y sin grandes pretensiones, supuso el primer brote de una de las ramas del jazz que conforman el gran árbol del género, y del que, según explica en la revista caravanjazz, el crítico estadounidense Lester Bangs: “Esta es la clase de álbum que te da fe en el futuro de la música”. “In a silent way” encarna el auténtico espíritu de Miles Davis, “The kind of blue”, mucho más azul, con tonalidades más eléctricas, donde la brisa suave y melancólica de este último se transforma en los momentos posteriores a la tempestad, allí donde huele a lluvia, a tierra mojada, a cansancio y a desvanecimiento. A la nada más absoluta que, sin saber muy bien cómo, te llena el alma de silencio. Un silencio que si alguna vez tuviera que sonar, estoy segura que lo haría muy parecido a lo que se grabó en 1969 en este álbum.

“El silencio se está convirtiendo en una bien muy escaso”, dijo Jorge Drexler en una entrevista sobre su gira “Silente”. Y sin silencio no hay canciones. “El silencio en realidad es la hoja en blanco sobre la que se escribe la música”. Silencio es una canción sobre el poder del silencio. Es una canción sobre la paz que surge al encontrar la serenidad y la soledad de estar solo en la oscuridad. Es una hermosa canción que explora las diferentes formas en que el silencio puede afectar nuestras vidas.

Sigamos con Enjoy The Silence, el tema más exitoso de los ingleses Depeche Mode (que sufrió la muerte prematura de su fundador Andy Fletcher hace un par de semanas) Solemne, profunda y a la vez muy apropiada para la pista de baile, una combinación inusual. Es quizá la canción quintaesencial de los artistas que la concibieron y un obligado punto de referencia en su obra. Su letra por sí sola es un oxímoron tan simple como tajante: el silencio que comunica lo que las palabras no pueden expresar. El gesto sigiloso que transmite los sentimientos guardados durante toda una vida. Enjoy the silence es el tema más reproducido de los ingleses en Spotify.

Sons of the Silent Age es una canción escrita por David Bowie en 1977 para Heroes. Fue la única canción del álbum compuesta antes de las sesiones de grabación, ya que todas las demás fueron improvisadas en el mismo estudio. La pieza, que llegó a ser el título provisional del disco, es una de las más sombrías no solo por la melodía en la que predomina el saxofón sino por la letra. El texto ha sido interpretado como un renacimiento en tercera persona de los temas de misantropía patológica explorados por Bowie en su anterior álbum "Low” ("Paseando sus habitaciones como las dimensiones de una celda "), y una referencia a los personajes de una canción de su Superman ("Ellos nunca mueren simplemente se van a dormir un día "). El escritor Nicholas Pegg no dudó en sugerir que el verso: "Plataformas, miradas en blanco, sin libros" puede ser una alusión al régimen nazi.

Vamos a dar un salto copernicano para escuchar un tango, un género que me encanta. Y Silencio (también conocido como Silencio en la noche) tiene su historia. La letra es una adaptación libre de un drama familiar “para construir un homenaje a la soledad de las madres mientras los soldados mueren en el campo de honor”. Fue uno de los temas del film Melodías de Arrabal en el que Carlos Gardel lo canta acompañado por la orquesta de Juan Cruz Mateo.

Otra pirueta en el aire. The Knife fue un dúo sueco de música electrónica formado por los hermanos Karin Dreijer Andersson y Olof Dreijer. Su segundo álbum de estudio, fue "Silent Shout·.  La canción que da nombre al disco nos habla de un ser vulnerable, una obra que se adentra en el mundo onírico de un hombre temeroso de ser visto como inferior a lo que la sociedad espera que sea. El título, dijo Karin, refleja una expresión sofocada: “Cuando sueñas y realmente quieres gritar algo, no sale nada”.

El silencio que acompaña al arrepentimiento puede durar toda la vida, especialmente si se trata de una oportunidad perdida. Eso es lo que nos dice Elliot Smith en su I Better Be Quiet Now, de su álbum “Figure 8” publicado el año 2000. Elliot canta sobre un protagonista que no logra obtener el número de quien le gusta. La soledad se está apoderando de él.

También tiene un espacio en esta recopilación la banda de rock británica The Who, la responsable de la siguiente canción sobre el silencio. The Quiet One trata sobre el lado oscuro del silencio. La canción fue escrita por John Entwistle: "Soy yo tratando de explicar que no soy realmente callado. Empecé siendo callado y ese es el casillero en el que he estado atrapado todos estos años” La letra advierte de las personas tranquilas y calladas, ya que no son ellas las que no hablan sino sus compañeros los que no escuchan.

Para acabar, un extra point: este tema de Gregg Allman, alma del rock sureño, que murió, también, antes de tiempo a los 69 años. Fundó The Allman Brothers Band, seleccionada por la revista 'Rolling Stone' como una de las mejores de todos los tiempos. Silence Ain't Golden Anymore, pertenece al álbum “Searching for simplicity”. Sin cuerdas, coros ni sintetizadores, el conmovedor barítono de The Allman brilla. Un tema que desconocía pero que me ha transportado a ese piso del barrio de Sant Andreu en el que empecé mi vida con Jesús.

“Nunca rompas el silencio sino es para mejorarlo”, afirmó hace muchos años el gran músico y compositor Beethoven. Espero haberlo conseguido porque a veces es difícil. Hay silencios que dicen más que mil palabras. Hay silencios que gritan, que consienten, que censuran, que claman, que duelen... La música es melodía, palabra y silencio. Se acabó por esta noche; han sido 10 temas, pero podrían haber sido más. Si hay alguno que os gusta en particular, no tenéis más que proponerlo y lo incluiré.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania!


Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć. Bon lannwit. Fie. God nat. Usiku mwema. Oimore. Sula bulungi. Добрий вечір

Otras fuentes

https://www.ondacero.es/solo-ondaceroes/10-historias-10-canciones/canciones-sobre-el-silencio_201711085a0305160cf2ebaa1668ca26.html
https://www.lacultureria.com/diez-canciones-sobre-silencio/
https://culturainquieta.com/es/inspiring/item/9406-los-efectos-que-produce-el-silencio-en-el-cerebro.html

martes, 24 de mayo de 2022

Una estona ben a prop de Maria del Mar Bonet

 “A vegades t’enamores de qui menys et convé. I aquest és el Jim”

Us vull fer una proposta entorn la cantant protagonista d’aquesta nit, Maria del Mar Bonet. Trieu aleatòriament qualsevol cançó de la seva discografia, qualsevol serveix, i espereu que comenci a cantar. Estic segura que, de cop i volta, la seva veu omplirà el lloc on estigueu i banyarà el vostre cos. Banyarà, el verb no és casual. Perquè les seves melodies tenen aquest sabor mediterrani inconfusible, destil·lat de les tradicions musicals dels diferents pobles banyats per aquest petit però alhora immens mar. Ningú com ella resumeix tota la història de la Mediterrània, que és gairebé com dir la de la Humanitat. I tot gràcies a una trajectòria fonamentada en l'interès per les cultures, la música, la gent, les llengües i la història del seu estimat mar. La Mediterrània com a inspiració i com a passió.

Bonet i Camp. Fotografia de la pàgina oficial 

Exuberant i clara, sàvia i profunda, la veu de Maria del Mar Bonet és un far que ha il·luminat la cançó del sud d'Europa durant més de mig segle; veu que com va afirmar el desaparegut escriptor i periodista, Joan Barril, “s'introdueix a la categoria dels millors instruments de la música”. La veu és una preocupació fonamental de la cantant, fins al punt de sentir-se obsessionada amb el seu tractament: “La veu és un instrument que cal tractar com a tal afirma contundentment. Cal estudiar-la i no crec que aquesta preocupació motivi un distanciament amb el públic. Aprenem d'altres i cal evitar convertir-se en cantants camaleons. Cal fixar-se en allò difícil, en allò inimitable. A través de la tècnica es pot arribar al sentiment, i la meva admiració es dirigeix cap a Maria Callas, Pavarotti o Camarón”.

Maria del Mar neix a Palma de Mallorca el 1947 on des de petita va aprendre cançons populars de les Balears. La primera vocació va ser la ceràmica, i això la va dur a estudiar a l’Escola Massana de Barcelona. Però la música se li va creuar en el camí. Aquella Barcelona dels anys 60 bullia amb un activisme cultural lligat a la cançó, a la llengua i a la resistència antifranquista. En els seus estudis, però, Bonet va descobrir la pintura, la qual no ha deixat de practicar des de llavors duent a terme dues exposicions, una a Mallorca i una altra a Manresa. Fins i tot, l'any 1987 publicà “Secreta veu” un llibre de poesia acompanyada d'il·lustracions i pintures seves. Una dècada després, s'editaren totes les lletres de les seves cançons originals, també acompanyades de pintura pròpia, a “Quadern de viatge” (1998).

La seva carrera musical comença el 1965 quan és convidada per l'Associació de Música Jove de Palma per cantar en el que seria el seu primer recital públic. Dos anys més tard es trasllada a Barcelona i entra a formar part de Els Setze Jutges, un moviment pioner de la Nova Cançó. El 1968, la censura del franquisme li prohibeix cantar Què volen aquesta gent?. Com ella sempre ha dit:“no és que jo anés contra Franco; és que Franco anava en contra meva, en contra nostra”

Rafael Subirachs Lluís Llach i Maria del Mar Bonet a
La Cova del Drac Pau Barceló en Enderrock

A principis dels setanta viatja per Europa i enregistra un disc en directe a l'Olympia de París. Abans, l'any 1971, l’àlbum on apareix L'Àguila negra és disc d'or a l'Estat espanyol. El seu interès per la música d'origen ètnic la porta a gravar “Anells d'Aigua” (1985) en col·laboració amb el Conjunt de Música Tradicional Tunisiana. La seva carrera professional es ja, imparable. D’aquí a l’eternitat. Al llarg dels darrers cinquanta-quatre anys, amb més de 40 publicacions, la llum natural del seu repertori ha brillat en tots els contextos. Maria del Mar és inextingible.

Però, ves per on, aquesta nit he volgut detenir-me en la Maria del Mar que obre les seves portes al jazz quan al 1988 estrena al Teatre Lliure  de Barcelona l’espectable “Ben a prop”, juntament amb el músic i pianista Manel Camp. Dues persones amb perfils diferents que venien d’entorns diferents i que van decidir assumir junts el risc d'introduir-se en un camp musical nou on tots dos oblidaren una part de la seva personalitat per intentar crear alguna cosa original. El nom de l’espectacle definia molt bé el que en essència era, una cosa íntima (podeu veure’l sencer clicant aquí)

La crònica sobre el concert que Miquel Jurado va publicar en el diari El País resumeix nítidament el que va suposar aquest projecte: “Maria del Mar Bonet no se ha convertido en una cantante de jazz, simplemente ha demostrado ser una cantante con mayúsculas, capaz de afrontar repertorios muy variados, hacerlos suyos y seducir a todo aquél que los escuche. "Ben a prop" será una de las sorpresas del año, y no precisamente por el morbo de comprobar si Bonet es capaz de salir airosa del trance, sino por su honestidad y su calidad” Un any després veuria la llum el celebrat disc amb el mateix nom. Maria del Mar ho tenia tot per fer un disc de jazz vocal: sentiment, textura, veu plena de matisos i un ampli registre.

 El disc comença i acaba amb una peça de Camp, Ja n’hi ha prou. Mireu què opina sobre aquest tema el propi compositor. “Si alguna cosa defineix els interludis instrumentals en un concert de duet, és la necessitat de definir atmosferes per poder-les transmetre a qui comparteix l'escenari, així com també al públic. En alguns moments cal crear intimitat, en altres és necessària l'energia vibrant. Aquest darrer referent sempre l'he trobat en "Ja n'hi ha prou".

Encara que tot el disc m'encanta, la cançó que més m’arriba i m’emociona és la darrera, Jim, que en clau d’homenatge a  Billie Holiday, va ser adaptada per Quico Pi de la Serra. Sobre la cançó, Maria del Mar diu al diari Ara que sempre hi ha una part autobiogràfica en tot el que canta: “No sé si a tothom li passa, però a vegades t’enamores de qui menys et convé. I aquest és el Jim”.

I per demostrar que "sempre he intentat agafar les cançons i fer-les meves, respectant-les" segueix emborratxant-nos amb la gran dama del jazz, cantant la seva versió de Lover Man.

El disc inclou adaptacions del millor Gershwin amb Abraça'm (Embraceable you) i En algun lloc del meu cor (Someone to watch over me), però també Dolça remor de cada tarda (As  tears go by) dels Rollins Stones que, en opinió de la cantant, té un sentiment gairebé mozartià.

“Ben a prop” tradueix a l’idioma del jazz els aires mediterranis en Epigrama, poema de Salvat-Papasseit amb música de Toti Soler, Jo em donaria qui em volgués, de Palau i Fabre i la preciosa balada Si véns prest, de la pròpia Maria del Mar amb la que vull acabar el recopilatori d’aquesta nit.

Per si us bé de gust, afegiré un extra point. He trobat aquest vídeo de TV de Catalunya de l’any 1977 que em sembla fantàstic. El programa “Personatges” va ser una sèrie d'entrevistes biogràfiques a persones destacades de Catalunya, presentat i dirigit per l'estimada i enyorada escriptora i periodista Montserrat Roig, emesa els anys 1977 i 1978. En aquest cas, l'entrevistada és la cantant mallorquina. Roig es documentava  i estudiava els personatges abans d'entrevistar-los. En mirava de conèixer les seves rutines, fins i tot visitava casa seva o mirava de passar tot un dia amb ells. Buscava la profunditat per aprofitar els minuts d'entrevista. Jutgeu si no ho aconsegueix.

Hem arribat al final. Estareu amb mi que comparat amb la Maria del Mar enluernada amb la cultura mediterrània, "Ben a prop” s'escolta com un beneït atreviment, un clàssic potser menor del seu llegat discogràfic, però un d'aquests discos nocturns que disparen emocions.

Bonet i Camp. Fotografia pàgina oficial

Cuideu-vos molt. I cuideu la Cultura perquè ella tingui cura de nosaltres. I no a la invasió russa! Llibertat per a Ucraïna!

Bona nit. Buenas noches. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć. Bon lannwit. Fie. God nat. Usiku mwema. Oimore. Sula bulungi. Добрий вечір

Otras fuentes
https://www.irunhondarribiahendaye.com/bidasoafolk_old/2002/bf3/bf32ca.html
https://www.tnc.cat/uploads/20090618/dossier_bonet_cat.doc
https://mariadelmarbonet.com/es/discography/ben-a-prop/
https://www.nuvol.com/la-ruta-del-jazz/manel-camp-sempre-he-sigut-molt-tastaolletes-191100
https://elpais.com/diario/1988/05/06/cultura/578872802_850215.html
https://www.efeeme.com/operacion-rescate-maria-del-mar-bonet/

miércoles, 20 de abril de 2022

Alasdair Roberts; para los fans del folk escocés

Tam-Tam Press

Esta noche, otro descubrimiento gracias a Delicatessen, el programa presentado por Albert Puig, en el que nos ofrece canciones selectas de su cosecha de cada temporada. Un buen momento para desconectar del ruido diario y descubrir nuevos talentos. Os lo recomiendo de nuevo. En el programa del 4 de abril pudimos deleitarnos con estas tres canciones.
 
Se trata de Alasdair Roberts que presentó sus canciones acústicas el pasado 4 de abril en la Antigua Fábrica Estrella Damm, acompañado de la formación catalana Pantaleó. Nos lo perdimos, què hi farem. El hallazgo tiene un valor añadido. De forma casi inconsciente dedico muchas entradas al descubrimiento de voces femeninas que me han fascinado, pero son pocas las nuevas voces masculinas que han encontrado un lugar en este espacio. Por eso me ha gustado mucho conocer la música y la trayectoria de este vocalista y compositor escocés.
Foto: CCMA

Toda su música está arraigada a las tradiciones populares de su Escocia natal. Sin embargo, no es reacio a trabajar con artistas de otros géneros. Roberts lleva grabando música más de dos décadas. Primero, haciéndose un nombre con el proyecto de folk rural Appendix Out , hasta que en 2001 comenzó a grabar en solitario debutando con el álbum “The Crook of My Arm”, una colección de interpretaciones acústicas de canciones folclóricas británicas tradicionales, álbum al que corresponden los dos primeros temas de este post.

En 2002, volvió a centrar su atención en Appendix Out con el EP “A Warm and Yeasty Corner”, un puñado de versiones bien incluido un tributo a la artista de culto folk británica Vashti Bunyan con su canción Window Over the Bay.

Un año más tarde vio la luz su segundo lanzamiento en solitario, “Farewell Sorrow”, que obtuvo muchos elogios de la crítica y mostró el desarrollo de su composición, haciendo crecer zarcillos alrededor de las raíces de las tradiciones populares británicas y escocesas.

Echando una mirada rápida a su denso catálogo, vale la pena escuchar sus versiones de A Lyke Wake Dirge, y Lord Ronald y A Lyke Wake Dirge, de su álbum “No Earthly Man” (2005) Y The Burning of Auchindoun de “Too Long In This Condition” (2010).

Implacable antropólogo musical, sobresaliente compositor, combina la virtud de interpretar temas tradicionales con la frescura de uno recién sacado del horno, y de escribir canciones que parecen depuradas por siglos de transmisión oral. Su material original evoca el sonido y el espíritu de siglos pasados, ya sea tocando solo con su guitarra acústica (como en el disco homónimo de 2015), colaborando con otros vocalistas ( como en “Urstan” de 2012, con Mairi Morrison), con la guitarra eléctrica en un formato de trio con sus colaboradores de mucho tiempo Alex Neilson y Stevie Jones (“Pangs”, 2017) o trabajando con el versátil conjunto de folk noruego Völvur (“The Old Fabled River” de 2021).

Völvur es un conjunto folk que también tiene raíces en el jazz y la música experimental.  El sello describe el proyecto como un encuentro de mentes y culturas muy adecuado para la naturaleza sincrética de Alasdair Roberts. En “The Old Fabled River” se fusionan, así, las referencias celta y escandinava de la cultura y la música.

Roberts es tan prolífico que ante tanta producción es fácil olvidar lo fantástico que es. Convincentemente simple, su aguda voz y las florituras más experimentales se convierten en la estrella de sus canciones. Alegría, melancolía, felicidad derivada de la naturaleza, el asombro de la contemplación… son solo algunas de las emociones que transmiten a través de un prisma nostálgico y maestría musical por el que debemos estar agradecidos.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania!

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć. Bon lannwit. Fie. God nat. Usiku mwema. Oimore. Sula bulungi. Добрий вечір

Otras fuentes
https://www.ccma.cat/catradio/alacarta/concert-delicatessen/concert-delicatessen-alasdair-roberts/audio/1131916/
https://www.facebook.com/alasdairrobertsmusic/
https://www.discogs.com/es/artist/258097-Alasdair-Roberts
https://www.alasdairroberts.com/
https://open.spotify.com/artist/2wKWJLFt474Lv2mP3tey7W
http://www.musikaze.com/_sites/site/index.php?site=alasdairroberts
https://tamtampress.es/2018/03/14/folk-escoces-con-alasdair-roberts-en-la-sala-de-uaw-mf-leon/
https://www.nomepierdoniuna.net/alasdair-roberts-musica-tradicional-escocesa-con-el-sello-sons/
http://www.radiorag.net/radiorag/radio_rag/cronicas/20100417_ALASDAIR_ROBERTS.htm
https://hmong.es/wiki/Alasdair_Roberts_(musician)


sábado, 2 de abril de 2022

Niños prodigio ¿Nacidos para la música o entrenados para ella? (II)

En la anterior entrada sobre prodigiosos niños pianistas, me comprometí a presentaros niños virtuosos de otros instrumentos clásicos o modernos que también nos pueden dejar boquiabiertos, con la intención de seguir profundizando sobre el tema: su infancia, sus estudios o posibles problemas.

Niña practicando el violín. Foto de glup-glup.

 Empezaremos por Alma Deutscher, una niña británica aparentemente muy inteligente y dulce que toca el piano, pero también el violín a un alto nivel. Lo más notable, quizás, es que a la edad de doce años ya había compuesto dos conciertos para violín y piano, una ópera de larga duración, “Cenicienta”, estrenada en Viena en 2016 bajo el patrocinio del director Zubin Mehta, y muchas otras obras. Su amor por la "música bella" es evidente en sus propias obras. Su padre teme que “la exposición a la música oscura deje cicatrices en su alma”. No quiero pararme a comentar esta afirmación, pero daría para mucho. También denominada la nueva Mozart (ya no sé cuántos tenemos en el ranking), Alma descarta esta comparación, pero es una etiqueta conveniente para aquellos que encuentran sus talentos inexplicables… o comercializables.

Si escucháramos el siguiente vídeo sin abrir los ojos, posiblemente nunca habríamos adivinado que la persona que estaba actuando era una niña de sólo nueve años de edad. Alisa Sadikova nació en San Petersburgo (Rusia) en 2003 y recibió sus primeras lecciones de arpa a la edad de cinco años. En 2015 recibió una subvención de la Fundación Benéfica Internacional Vladimir Spivakov para participar activamente en los programas de la Fundación. Desde septiembre de 2018, estudia en la Escuela Musica Mundi de Waterloo (Bélgica).

¿Quién no recuerda un video que se hizo viral el verano de 2014 en el que un niño de tres años sube al escenario para tocar la batería junto a la Orquesta Sinfónica de Novosibirsk e interpreta a la perfección el Orfeo en los infiernos de Jacques Offenbach? Este niño, nacido el 17 de diciembre de 2009, se llama Lyonya Shilovsky. Desde sus primeros años sus padres fomentaron en él el gusto por la música, llevándolo a adquirir su inigualable destreza con este instrumento. Un año antes se hizo famoso en toda Rusia al participar en el programa “Minute of Glory”, en el que llegó a la final. A partir de entonces comenzaron a invitarlo a conciertos. Participó varias veces en concursos internacionales y ganó diversos primeros premios. A la edad de siete años, Lenya, como le llaman sus padres, ingresó a la NSMSh (Escuela Especial de Novosibirsk), donde todavía estudia. Resalto esta frase de su padre en una entrevista:Por supuesto, Lenya no siempre quiere estudiar. Cuando simplemente quiere tocar la batería, el interés permanece. Y cuando comienza el trabajo, tareas más serias, estudiar, entonces ya comienza a lloriquear. Pero nosotros como padres insistimos y seguimos insistiendo en estudiar, porque si ingresó a una escuela tan excelente, de alguna manera entendemos que ahora no lo puede dejar. Por supuesto, es difícil, requiere mucho tiempo, es agotador. Pero como padres, insistimos en que sigamos estudiando” Ahí lo dejo.

Hay quienes no creen que tanto virtuosismo temprano sea natural. El crítico Philip Hensher afirma que “la música seria nunca puede ser escrita por un niño”, que los niños pequeños carecen del conocimiento, la inteligencia emocional o la experiencia de vida necesarios para dar significado o perspicacia a la compleja música que tocan; que simplemente imitan a los demás. Para algunos, el desfile de niños prodigiosos en concursos de talentos y programas de TV o conciertos, es similar a ver una actuación de circo.

Morart 6 años, autoría incierta

Fuera de lo que ciertos críticos elitistas consideran “música seria” encontramos otros deslumbrantes jóvenes músicos. Por ejemplo, Geoff Gallante, extraordinario solista de corneta, trompeta y fiscorno de 19 años con una larga carrera profesional, uno de los músicos jóvenes más célebres de EEUU. Geoff encontró la trompeta de su hermano mayor a los cuatro años, aprendió rápidamente y desde entonces ha actuado en escenarios destacados y junto a distinguidos artistas de todo el mundo country. Aclamado tanto como solista o acompañando a bandas y orquestas, también destacado intérprete de jazz, se ha presentado en 34 estados de todo el país. A la edad de seis años, ya había adquirido compromisos como solista invitado con la Orquesta de Louisville, la Orquesta de Duke Ellington y el Quinteto de metales de Filadelfia.

Max Ostro, cómo no, surgió en Youtube a la edad de 12 años y ya es una celebridad en la plataforma de streaming. Max es originario de la ciudad de Irkutsk, una de las más frías del mundo situada en Siberia. Bajo el frío y las heladas, Ostro interpreta canciones con guitarra acústica y guitarra eléctrica casi sin inmutarse. Su propia apariencia lo han convertido en uno de los artistas más curiosos de Internet.

Lil Asmar comenzó a tocar el bajo a los siete años. Su padre, Darnell Asmar Johnson, es un multiinstrumentista que ayudó a nutrir los talentos musicales de sus hijos. Lil le pidió a su padre que le enseñara a tocar el bajo. Dos años después, su padre se convirtió en su alumno. Luego apareció en varios programas de televisión importantes en EEUU, incluidos “Ellen”, “el Show de Steve Harvey” y “Little Big Shots”. El joven bajista ya ha tocado con artistas notables como Ron "Bumblefoot" Thal de Guns-N-Roses, Kool de Kool and the Gang y Bootsy Collins. También han producido un corto sobre su figura, The Bassics” protagonizada por Lil Asmar y su padre.

Podríamos sumar muchos más nombres a esta lista; el mundo virtual está lleno de ellos. ¿Qué se puede decir ante tanta maestría en tan cortas edades?  Daniel Barenboim ha sugerido más de una vez que estos niños notables son solo prodigios a los ojos de sus padres, y es cierto que algunos consideran una aptitud especial en su hijo particularmente pequeño como un signo de tener un “don” que hay que potenciar (o explotar). Esto se debe en parte, afirma, a un cierto "síndrome olímpico", una competitividad entre los padres para empujar a sus hijos a cosas más grandes y competir contra otros niños y sus padres.

Jennifer Pike (2002) ganadora 
Young Musician. Foto BBC.

Otra cosa opina Jennifer Pike, una violinista británica que empezó a tocar a los cinco años e irrumpió en la escena de la música clásica a los diez. Su opinión es que este concepto que se tiene sobre los padres de los niños prodigio es un tópico sin base. "Soy consciente del mito, o creencia popular de que los padres de alguna manera deben estar empujando a sus hijos pequeños a vivir su sueño", dijo Jennifer a la BBC. "Creo que es un tropo que definitivamente es cierto en algunos casos, pero no es el caso en la mayoría". Según Jennifer, fue ella quien tomó la iniciativa, no sus padres. 

Una vez se rebaja la emoción ante la fascinación que nos provocan mi pregunta siempre es la misma. ¿Les han robado la infancia? Algunos estudios concluyen que usualmente un niño prodigio no experimenta una infancia adecuada, pues se le aísla para que explore únicamente sus mejores habilidades. Fue el caso de Beethoven, quien se volvió hosco con los demás niños porque su alcohólico padre lo obligaba a ensayar a toda hora. También resaltan que estos niños pierden la inocencia de su edad al tener que adentrarse en el competitivo mundo adulto y al espectáculo masivo. Entonces, potencian su inteligencia creativo-musical, pero se desarraigan del ambiente propio de su edad, como los juegos y las primeras socializaciones. Yehudi Menuhin solo fue un día a la escuela, a los cinco años, y el perjuicio que le trajo fue perder la sociabilización con otros niños. “Fuimos educados en casa. ¿Qué perdimos a cambio? Obviamente perdimos la relación con otros niños”.

Menuhin 10 años en Deviolines

Sin embargo, estudios innovadores en las décadas de 1940 y 1950 revelaron que el coeficiente intelectual superior al promedio de los niños superdotados se traducía en un éxito superior al promedio como adultos, en contra de la idea de que crecían y se convertían en debiluchos socialmente torpes y atolondrados que fracasaban en la vida. Ellen Winner en su libro “Niños superdotados: mitos y realidades” describe la motivación intrínseca de los niños superdotados y talentosos para dominar un área de interés como obsesiva, lo que lleva al niño a concentrarse intensamente en ese tema y consumir vorazmente nueva información y habilidades. Un niño con la “rabia de aprender” puede pasar felizmente días enteros enfocándose en su dominio elegido, totalmente aislado de sus iguales.

Cualquiera que sea nuestra opinión no hay duda de que los niños prodigio son diferentes. ¿Estamos preparados para darles una formación adecuada? En la historia de los virtuosos,
los padres aparecen como los primeros maestros del prodigio, pero solo en el ámbito de la música.  En el proceso de forjar el prodigio musical, la educación general se pasaba por alto. Seguramente, en la actualidad las cosas no son así… o no del todo… Por lo tanto, una gran responsabilidad recae sobre los padres para garantizar que prosperen, reciban apoyo, se les permita una infancia lo más normal posible y eviten que el agotamiento llegue a su punto máximo demasiado pronto o demasiada exposición antes de que sean lo suficientemente maduros para hacer frente a la atención.

No quiero acabar si comentar la tragedia que les sucede a muchos de estos deslumbrantes pequeños artistas al crecer. Cuando aún son niños, asombran al público a través del contraste entre su apariencia delicada y su habilidad precoz, pero a medida que pasa el tiempo y esta candidez se desvanece, todo depende de conseguir una actuación sublimemente perfecta y los premios máximos en los concursos, así como la simple suerte. Han pasado decenas de miles de horas practicando. ¿Ha valido la pena todo el trabajo duro? ¿La infancia que apenas vivieron dejó alguna cicatriz psicológica? La inocente simplicidad de los primeros años ya se ha ido, y las apariciones en conciertos se han vuelto más raras. Todos quieren alcanzar la cima del Monte Olimpo, pero el aire allí es muy escaso. Y solo hay lugar para un puñado de virtuosos talentosos.

Un documental  Russia's Wonder Children narra una historia universal sobre el éxito y el fracaso dentro del mundo completamente comercializado de la música clásica. Cine documental para examinar algunos de los prodigios de Rusia (no es casual que este país tenga tantos). Una mirada compasiva sobre cómo crecer bajo las limitaciones de una competencia casi inhumana.

Seguramente podemos maravillarnos con Mozart, Beethoven o… Mikel Jackson o David Bowie … precisamente porque perdieron la infancia, pero yo me alegro de que mis hijos no hayan sido niños prodigio. Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. ¡Y no a la invasión rusa! ¡Libertad para Ucrania!

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć. Bon lannwit. Fie. God nat. Usiku mwema. Oimore. Sula bulungi. Добрий вечір


Otras fuentes
https://childprodigies.hypotheses.org/335
https://okdiario.com/curiosidades/4-ninos-prodigio-que-son-genios-musica-6993758
https://www.thomann.de/blog/es/10-ninos-prodigio-con-mucho-talento/
https://www.oxigeno.com.pe/musica/viral-estos-ninos-son-prodigios-de-la-musica-eg-noticia-1365141
https://musica-barroca.com/ninos-prodigios-de-musica-clasica
https://www.lavanguardia.com/musica/20160905/4141658304/evan-le-nino-prodigio-piano.html
https://www.juanvalflauta.com/es/la-musica-no-entiende-de-edades-ii/
https://www.indierocks.mx/musica/articulos/ninos-prodigio-en-la-musica/ (actual)
http://www.lichtfilm.de/en/films/film-catalogue/463-the-competitors-russia-s-wonder-children
https://www.medici.tv/es/documentaries/competitors-russia-s-child-prodigies/
https://www.classicfm.com/discover-music/latest/child-prodigies-video/
https://www.classical-music.com/features/articles/six-best-musical-child-prodigies/
https://interlude.hk/prodigy-problems/