Win Mertens

“La música debe conectar con la esencia”

Siempre que hablo de música minimalista no acabo de decidirme ni de recordar, si me gustaba y ahora me sigue gustando, si no me gustaba y ahora me gusta, si el olvido me lleva a no recordar lo que cierta clase de música significaba para mí. En el caso de Win Mertens, uno de los grandes del minimalismo mundial, en ello estoy. Pero, si lo pensáis, ¿qué más da? El minimalismo, una rama de la música clásica contemporánea que, con los años, ha terminado arraigando como estilo en sí mismo, no surge en absoluto como forma de aproximación al público en el momento de su génesis; pero hay que admitir como un hecho obvio que las obras de Steve Reich, por ejemplo, poco tienen que hacer al lado de las de Mertens a la hora de entusiasmar a audiencias heterogéneas.

Si apiláramos uno a uno todos sus discos (unos 70) desde el primero de 1982  “For amusement only” (un disco destinado a las máquinas de Pinball) hasta el último “Series of Ands: Immediate Givens”, alcanzarían la altura media de un niño de párvulos. El estilo del músico, aunque en continua evolución durante el transcurso de su prolífica producción, combina el minimalismo y el avant-garde, la polifonía y la experimentación musical, pero siempre preservando la melodía de las incursiones que realiza en los mundos que explora.

De él dicen que es "demasiado moderno" para los cánones de música clásica y "demasiado clásico" para los oídos más pegados a lo estrictamente contemporáneo. Aunque por encima de modas, nuestro músico de esta noche afirma rotundo que la música dirige su vida al completo, en todos sus aspectos y que está "al servicio de ella". Porque la música es un vehículo para llegar más allá, un elemento de trascendencia pura que nos invita a compartir, y por medio del cual Mertens desea reflejar la época que le ha tocado vivir. Yo, además, añadiría que con un sentido de lo romántico que atrae a los aficionados a la música seria y oyentes más convencionales.

Conocido sobre todo como compositor desde finales de los 70, Mertens es reconocido mundialmente por su obra Struggle for Pleasure, que fue elegida como música para los anuncios de un operador de telefonía. Al igual que en el mundo de la publicidad, sus composiciones también han sido protagonistas en desfiles de moda (los temas de su último disco han sido protagonistas de los desfiles de Dior). Sin embargo para mí lo más importante de este tema es que forma parte de la banda sonora de la película de Peter Greenaway, “El vientre de un arquitecto”, una película magistral. Aunque para públicos minoritarios, seguramente, creo que es una magnífica composición para una noche tranquila antes de dormir. El video, además, es precioso. 

No podía faltar en mi espacio nocturno una actuación en directo. He escogido la de su fantástico álbum “What you see is what you hear” (Lo que ves es lo que oyes), grabado el 30 de septiembre de 2005 en el teatro De Roma, Amberes, y publicado en el DVD (2006). En esta ocasión Mertens dirigió un conjunto de 12 músicos compuesto por él mismo aportando voz y piano, un quinteto de cuerda (2 violines, viola, violonchelo y contrabajo) y un coro a tres voces blancas (2 sopranos, 2 mezzosopranos y 2 contraltos). El video os llevará a la parte 1 del concierto. Hay 32, el concierto completo. Os aconsejo la parte 02, la 09 y la 14 (a dos manos). IMPRESIONANTE.

Para acabar, aquí os dejo su famosísimo y aplaudido tema Maximizing the Audience, que fue compuesto para la obra de Jan Fabre “The Power of Theatrical Madness” estrenada en 1984 en Venecia. Fue además la primera en la que la voz del músico fue grabada, también.

Quienes hemos tenido oportunidad de escuchar detenidamente algunos trabajos definitorios de la gran música “académica” clásica de nuestro tiempo admitiremos que, muy a menudo, ésta queda lejos de lo que el hombre de a pie consigue digerir. Sin embargo, Mertens ha logrado depurar una forma de hacer música que, más allá de adscripciones e ismos, llega perfectamente a aficionados a la música que tengan una mínima inquietud por escuchar cosas nuevas. De ello dan testimonio los auditorios abarrotados que le reciben en cada uno de sus frecuentes conciertos, el último en noviembre. Si su música fuese un poco mejor promocionada por los mejores medios informativos actuales, se estarían tendiendo puentes inquebrantables hacia un nuevo gusto musical entre el público masivo.

Carlos Santana

Una guitarra que tiembla y te hace temblar

Cientos de vidas anónimas se cruzaban esta tarde en La Riera de Mataró. Un poco más abajo, en la Plaça de Santa Anna, la Fira de Nadal concentraba el espíritu de estas fechas. Mientras observaba no he podido dejar de pensar en cómo sería el ambiente navideño en el centro de Barcelona, mi ciudad: 

Trabajadores (afortunados), parados, amas de casa, estudiantes, turistas, artesanos, hippies, vendedores ambulantes, escritores, poetas, prostitutas, músicos callejeros, todas las imaginables tribus urbanas y todos los colores del mestizaje que la inmigración nos ha regalado pasearían en esos momentos por las Ramblas de la Barcelona, un lugar mágico pero que, desgraciadamente, las políticas de diseño, “modernización” y asepsia del establishdment socialista ha dejado sin alma.  Entre los atareados transeúntes habrá quienes (algunos un poco más, otros un poco menos) protesten, se quejen, reflexionen, susurren, griten, canten, se enamoren, sueñen…

Esta noche estoy nostálgica, es evidente. Quizás por eso he abandonado la pasión de los  tangos en los que ayer me metí cuando empezó a anochecer para que, con nocturnidad y alevosía, me acompañaran antes de dormir pero no tuve éxito. Quizás por eso he buceado de nuevo en “la cinta maravillosa”, llena de pasado, de juventud, de ilusiones, proyectos y esperanzas. En ella me he encontrado con Carlos Santana, una leyenda viva, el músico que me cautivó por la tapa de su álbum, “Borboletta” (mariposa, en portugués) mucho antes que por su música.

Pero con la rapidez y la fragilidad de una mariposa me metí en la boca de un león que tenía mi hermano entre sus discos. El àlbum se llamaba "Santana", sin más. Así descubrí que la música, seguramente, nació para que genios como él tomasen posesión de ella y hacernos vibrar a su son... al son que él toca. Emociones fuertes sin necesidad de palabras.

En aquellos años de "la cinta maravillosa", al final de los 70, a mí me encantaba Europa pero para Jesús Samba pa ti, uno de los temas más conocidos de este guitarrista mexicano, era la obra maestra, sin dudarlo. Yo ahora le doy la razón. Publicado en "Abraxas" su apenas segundo álbum  para convertirse casi en una religión, este hermosísimo tema me provoca volver a esos tiempos de pura música, ilusiones y metas a corto plazo, donde lo más importante en ese momento era ser feliz. Y sin embargo, Samba pa ti es un golpe duro en las glándulas del ánimo.

Estoy nostálgica, vaya que sí. “Nostalgia” es una palabra que tiene una raíz griega. “Nostos” “algos”. Literalmente significa “enfermedad del regreso”. (aunque no nos hayamos ido) Algo como una patología que afectaba tanto a los protagonistas de las grandes epopeyas de los viajes clásicos (Dante, Ulises…) así como a todos los que han tenido que irse de algún lugar en busca de su propia felicidad y la han buscado en un continente que la está perdiendo: Europa. Siempre me ha cautivado la sensualidad y la calidez que transmite este homenaje al viejo continente.

Para no irnos a dormir melancólicos, vamos a despedirnos con Black Magic Woman una canción de Santana, versión de la escrita por Peter Green, en 1968, y publicada junto a su grupo Fleetwood Mac. En Santana, este tema es una mezcla de jazz, folk húngaro y ritmos latinos. La canción se convirtió, junto con Samba pa ti en uno de sus mayores éxitos . Los amantes de la música coincidiréis conmigo que “Abraxas” es un disco brutal, un disco que va más allá del rock, y en el que su corazón latino bombeaba sangre hasta las extremidades del jazz y la salsa, un disco de esos que no se consiguen hacer dos veces.  

Quizás algunos sepáis que ayer fue el Día Internacional de las Personas Migrantes. Antes de despedirme querría dedicarles esta entrada a los que emigraron en busca de su propia felicidad. Pero sobre todo se lo dedico a los que nunca se fueron, a los que aunque tuvieron la oportunidad de irse algún día... no lo hicieron. Por falta de coraje, por miedo, por amor, desesperación, resignación...no importa... Se lo dedico a quien se ha quedado a la otra orilla, a toda aquella gente que vive “en el fin del mundo” quizás desde mucho antes de nacer.

“En este planeta sólo hay dos cosas: amor y miedo. Y el miedo cuesta mucho dinero. Que se lo pregunten a Busch” (Carlos Santana)

Omar Sosa - Calma

“Porque es posible hacer un viaje de la mano del silencio, la esperanza, el optimismo y la tristeza”

¿Sabéis cuantas teclas tiene un piano? Ochenta y ocho. Ochenta y ocho piezas de un maravilloso mecanismo que se conjuran para invocar los espíritus del instrumento más delicado, más metafísico, más soñador…

Con el sonido del piano me pasa algo parecido a lo que le sucedió a John Lennon cuando allá por el año 1966, en la exposición "Pinturas y objetos inconclusos de Yoko Ono", en la Indica Gallery de Londres, una figura diminuta, ceñida en pantalones negros, de rostro pálido, que resaltaba aún más por sus largas trenzas de cabello negrísimo, se acercó a Lennon y le entregó una tarjeta con una sola palabra: "Respira". John jadeó en son de broma, pero la japonesa Yoko Ono no se inmutó. Se dio la vuelta y se fue, dejando a Lennon con una tarjeta que fue aire para sus pulmones asfixiados por la fama, por el humo del mundo y la ansiedad de unos tiempos demasiado revueltos, como éstos. Como estos. Eso es lo que hacen esas ochenta y ocho teclas. Darme aire.

Y es que desde hace ya demasiado tiempo, la realidad en la que vivimos es tan asfixiante que vamos necesitando que alguien se nos acerque y nos dé una tarjeta en la que diga simplemente: “Respira””… o quizás debería decirnos: “Vive” ..

En uno de estos días de hibernación, entre el sueño y la realidad, en Radio 3, la única radio donde podéis encontrar contracultura, la única que me habla de las músicas, los artistas, los creadores, los escritores y los activistas sociales de forma accesible, inteligente e incluso divertida escuché estas palabras de Javier Gallego:

"Yo lo necesito. Necesito esa tarjeta que me diga que respire porque llevo muchos días aguantando la respiración para no oler el hedor que sale de tanta alcantarilla. Necesito respirar porque tengo los pulmones encharcados de tanto olor a dinero sucio, los oídos taponados de tanto oír la palabra “banco” y el tímpano dolorido de tanta palabra sin sentido, los ojos enrojecidos de tanta corbata ahorcando el cuello de los que nos llevan al patíbulo, la boca seca de leer “mercado” o “político” en cada página que abro, como si esas palabras lo hubieran conquistado todo"

En este mundo tan convulso que vivimos, en el que si no tienes dinero eres basura, un pedazo de carne con la ropa que llevemos puesta, a veces tenemos cosas bellas a nuestro alrededor y no somos capaces de decir gracias. Simplemente las dejamos pasar o las tomamos pero no tenemos la conciencia exacta de cuan bello es el momento en sí mismo.

Esta noche, después de tantos y tantos días alejada del aire que me ayuda a respirar, quiero compartir con vosotros al pianista o mejor dicho al mago Omar Sosa, que conjura con las teclas del piano, sonidos de África, de América, ritmos cubanos, músicas del este, bases del oeste, jazz y mucha, mucha alma.

El músico, influido por Chopin, Satie y Thelonious Monk nos ofrece, con las manos y el alma desnudas, su último disco de piano sólo: “Calma” para que lo respiremos a bocanadas, como el aire. La mística de la quietud. Un trabajo que dedicó a Menorca, la isla a la que se mudó recientemente tras diez años viviendo en Barcelona.

Concentraros en esa música que sale de su piano, que son todos los espíritus conjurados en una ceremonia de música mulata, mestiza, mezclada, negra de piel y clara en el alma… ochenta y ocho espíritus blancos y negros que juntos se ponen a bailar la Danza de la reflexión.

El amanecer es la puerta de un nuevo día. El Sunrise de Omar, la de todos los corazones. Nuestro mago escribió este tema para dar gracias al sol, porque sin él no seríamos nada. Gracias a poder decir: Estoy viva; ha salido el sol otro día más.

Para encontrar la calma Omar tiene una fórmula: tratar de escuchar nuestra voz interior en cada momento y tratar de dar gracias a cada cosa que está a nuestro alrededor: Aguas

"La calma no es parte de la cotidianeidad, pero sigue siendo parte de la verdad interior del ser humano. Todos la necesitamos para poder pensar claramente", asegura sobre la tranquilidad perdida en un mundo "complejo y agresivo".

Los que hemos tenido la suerte de ver ponerse el sol en Finisterre, sabemos que quiere decir este tema.  Sunset

Para acabar sólo deciros que me ha encantado su forma tan apasionada de tocar el piano, siempre huyendo de la ortodoxia hacia la libertad creativa. El jazz como filosofía es Libertad, dijo hace muy poco en una entrevista.

Espero que su audición os haya producido las sensaciones de ser libres, de tranquilidad, calma, sosiego, equilibrio y reposo que me han producido a mí.

Amancio Prada / Léo Ferré - Avec le temps

“La calidad de vida consiste en tener luz, espacio y silencio”

Uno escucha a Amancio Prada y descubre que existe el más allá. De même, Amancio Prada, un des plus grands de la chanson espagnole actuelle, se fait plaisir en donnant un fort accent flamenco à l'oeuvre de Ferré.Amancio Prada, uno de los más grandes de la canción española en la actualidad se complace en su disco “Vida de artista” Rien de tel qu' Amancio Prada lui-même pour présenter son album Vida de artista .El disco dedicado al cantautor francés, “Vida de artista en homenajear el trabajo del gran Léo Ferré interpretando hermosas versiones de sus grandes temas.

El disco dedicado al cantautor francés es una pequeña ventana a través del cual podemos mover la cabeza para acceder a la obra inmensa de Léo Ferré, una estrella  que brilló con luz propia en el firmamento de la canción francesa rebelde, la "chanson", observado y seguido con admiración por todos.  Qué mejor que las propias palabras de Amancio Prada para explicar lo que este álbum significa:

"'Vida de artista' es una pequeña ventana por la que asomarse a la obra inmensa de Léo Ferré, la estrella más rebelde del firmamento de la canción francesa, cuya andadura seguí con admiración, aunque de lejos, durante los años que viví en Francia. Sin haber conocido hasta ahora a fondo su obra, con cuánta emoción y cuantas veces recuerdo haber oído 'Avec le temps', una de esas canciones que justifica la vida de un artista. Poeta y cantor de poetas, Léo Ferré fue siempre para mí un astro distinto, desconcertante, enorme, lejano. Pero, tiempo al tiempo. Las deudas con la admiración terminan siempre por cumplirse". (A.P.)

Léo Ferré amaba las palabras y odiaba la autoridad. Era poeta y anarquista, si es que esas dos palabras no quieren decir la misma cosa. 

El poeta, desesperado y terrenal, cantaba a la desesperanza, el furor y la pasión. Mezcló el lirismo con el argot; el amor con la anarquía; la sencillez de la palabra con la belleza surrealista de sus imágenes; frecuentó el ritmo del jazz y la java; el tempo de la vida con sus lentitudes y velocidades

En Avec le temps plasma con toda la emoción e intensidad la tristeza más inmensa desde el fondo de sí mismo.

CON EL TIEMPO

Con el tiempo…

Con el tiempo, si, todo se va.

Se olvida el rostro, se olvida la voz.

Si el corazón no palpita,

no vale la pena

buscar más allá.

Hay que dejar las cosas como son y están muy bien

Con el tiempo…

Con el tiempo, si, todo se va.

Quien adorabas, quien buscabas bajo la lluvia,

Quien intuías con una sola mirada,

entre las palabras, entre las líneas

y el polvo de una promesa maquillada

que sale a ganarse la noche.

Con el tiempo todo se desvanece.

Con el tiempo…

Con el tiempo, sí, todo se va.

En quien creías sin saber por qué, por nada,

a quien regalabas el viento y las joyas,

por quien hubieras vendido el alma por unas monedas,

...ante quien te arrastrabas como se arrastran los perros.

Con el tiempo, sí, todo va bien.

Y te sientes encanecido como un caballo exhausto,

y te sientes gélido en una cama azarosa,

y te sientes muy solo, si, pero a tus anchas,

y te sientes estafado, por los años perdidos.

Entonces, verdaderamente,

con el tiempo has dejado de amar

"Opté por hacer una versión, más que una traducción, una lectura personal, pero dialogante e implicada con el espíritu que anima todo el trabajo de Ferré. No me importaría alejarme del pie de la letra, siempre que respetara el sentido esencial, tratando de conservar el ritmo y la visión cómplice de su amigable cabeza. Me tomaba así la libertad de escoger otras referencias, otras imágenes y otro contexto. Yo en él, y en él, conmigo. Cada nueva canción que así resultara debería tener valor y gracia por si misma, sin la necesidad del aval de un autor consagrado, ni la disculpa menor de no alcanzar el milagro por provenir de otra lengua". (A.P)

Avec le temps. Avec le temps, va, tout s'en va, pero Léo y Amancio perduran.

Las mejores baladas del rock y del heavy metal

Lágrimas de metal para una noche de otoño

Esta noche intento buscar en la música la expresión de un impacto, el que provoca la poesía cuando surge del corazón, como un géiser. Qué puede impactar más, casi físcamente, que la fuerza del rock o del heavy metal…

 

Las baladas del rock siempre han tenido sobre mí una gran atracción. Son verdaderas lágrimas de metal, canciones lentas, románticas que te calan el alma.  Son declaraciones de sentimientos, o simplemente sentimientos en sí, emociones y lágrimas, sueños rotos o lamentaciones de algo perdido.

No deja de ser curioso que los grupos de heavy metal sean los que acaban componiendo estas baladas, las más hermosas. ¿Quizá porque estas canciones son la más pura expresión de un sentimiento? ¿O porque se componen con el corazón, no con el cerebro? No lo sé, pero cada uno de nosotros encuentran sus propios motivos para emocionarse con una de ellas, ¿verdad?  El caso es que existen muchas que representan toda la pasión de un género, pero sólo unas pocas logran inmortalizarse. Así, a fuerza de un insistente y sólido coro que las convierte en himnos, traspasan la barrera de la simple música para convertirse en épicas.  En un goteo constante al cabo de los años se han ido cruzando en mi vida, metiendose entre mi música para quedarse. A veces sin conocer ni tan sólo a quien las cantaba. 

Bed of Roses es una balada preciosa, gracias a la cual pude comprobar que John Francis Bongiovia además de una "cara bonita", como pensé en un pricipio, es un músico de verdad.

Scorpions, la banda que conquistó el mundo es y será por siempre una de esas bandas que lograron crear esos hits inmortales. A pesar de su larga etapa comercial, todo les fue perdonado, como a un niño malcriado al que le consientes cualquier cosa. Pocas bandas pueden vanagloriarse de contar con una carrera tan dilatada, tan llena de éxitos y de mitología. Esta noche, una de las grandes baladas de este grupo y mi preferida: Send me an Angel, Envíame un Ángel, un tema que parece un himno para aquellos que quieren ir busca de la felicidad.  Incluida en el disco "Crazy World" editado en 1991, junto con la otra famosa balada Wind of change, fueron las cartas de presentación del álbum. La letra me llega al alma.

No sé por qué, de la larga lista de temas candidatos a mi música de cada noche, he elegido éste. Nothing Else Matters (Nada más importa). Hay multitud de versiones por parte de numerosos artistas de este tema de Metallica pero no hay duda que una de las más impactantes es la realizada por Apocalyptica. Sus violonchelos tienen una sonoridad íntima, un poco triste y desgarradora muy de acorde a lo que esta noche me han hecho sentir.

La penúltima por hoy Don't Close Your Eyes de Kix

¿Qué estás haciendo afuera en las horas de la noche?

¿Por qué no me llamaste por teléfono?

Tu mamá no puede resolver tu problema...

¿Desde cuándo papá nunca llega a casa?

Así que piensas que eres un poco salvaje

En medio del suicidio

No cierres tus ojos

No cierres tus ojos

No cantes tu último arrullo

Nadie allí para sostenerte

Nadie es tu amigo

Tú vives tu vida hacia arriba y abajo ahora

Pesadillas en tu cerebro

Otra forma solitaria de colgarte

No te dejes caer no, no

Agárrate, agárrate fuerte

Yo haré todo bien

Despierta, no te duermas

Yo rezaré al Señor

Para que guarde tu alma

No cierres tus ojos...

Y por último November Rain , uno de los temas pertenecientes al álbum "Use Your Illusion" de la banda de rock   Guns N' Roses; fue escrita por Axl Rose, lanzándose en 1992, siendo una de las canciones más largas que la banda compuso en toda la historia de su carrera, ya que dura nueve minutos con doce segundos, llegando incluso a los quince minutos en concierto. Ello le ha otorgado el título de ser la canción más larga en llegar al top 20 del Billboard Hot 100. El vidoclip está considerado como el noveno vídeo más caro de la historia, en parte por la duración del clip, llegando a costar 1,5 millones de dólares de la época. El tema forma parte de una trilogía que narra el matrimonio entre Stephanie Seymour y Axl Rose y la muerte de él, considerándose como uno de sus mejores trabajos.

Podían haber sido otras, lo sé; pero las canciones tienen vida propia. Aparecen o desaparecen cuando quieren. Ellas sabrán por qué están esta noche aquí, en mi blog. Buenas noches y felices sueños.

A petición de mi amigo Ovi, dos baladas de los más grandes: Love Me Tender de Elvis  y You're my best friend (tu eres mi mejor amig@)  de Queen "con el gran, el mejor, el unico, el inimitable, the best, the boss, Freddy Mercury". Estas palabras son suyas porque he de reconocer que yo por Freddy no tengo tanto apego ;)

Seguimos con las aportaciones de los seguidores del blog. En este caso las propuestas de Guilermo: Helplessly Hoping de Crosby, Stills & Nash y la versión acústica del Hey Hey My My de Neil Young (Out of the blue). Para mí son mis orígenes, las fuentes de las que bebemos.

Paco, amigo de Encarna, nos propone este par de temas:


Esa guitarra.... MMMM

Ayo.

La calma antes de la tempestad; una revelación hecha de tierra y sangre.

Hay voces que son capaces de dejarme prendada por completo. Y eso me ha pasado… otra vez. Si por algo soy y seré, al menos durante bastante tiempo, una fan indiscutible de las redes sociales es por hallazgos como éste. Julia Corral uno de esos contactos facebookeros con los que conectas ideológica y emocionalmente desde un principio, me dio a conocer a esta cantante alemana de  raíces nigerianas y espíritu francés. Y a ella, a su vez, lo hizo su amigo Demetrio. Va por los dos con todo mi agradecimiento.

A sus 30 años, Joy Olasunmibo Ogunmakin, conocida artísticamente por su pseudónimo Ayo. (escrito con un punto debajo o detrás de la o, porque sin ello se remite a un juego de mesa popular entre los yoruba), tiene una voz de cantante de jazz de los años cuarenta. Los adjetivos que después de toda una tarde escuchando sus temas definen desde mi punto de vista su trabajo son interminables: Acústica, intimista, extrovertida, cómplice, sensual, alegre, triste, agridulce, inconformista, viajera... Una voz única, frágil, cálida, llena de pequeños matices, que transmite sensualidad, humildad y fuerza a partes iguales… un ritmo suave, lento, con una raíz reggae, olor a jazz y sabor a intensidad que me han capturado. Ella misma es una mezcla musical en la que se conjugan perfectamente estilos totalmente diferentes.

Su nombre, que en yoruba significa “alegría”, empieza a sonar desde que en 2006 sacara el que fue su álbum debut, “Joyful” un disco cargado de estilo, elegancia, producido cuidadosamente y en el que su voz es la auténtica protagonista. En este disco, Ayo. canta y toca la guitarra acústica y el piano. El álbum fue grabado en Nueva York casi en directo en sólo cinco días.  El resultado es una colección de canciones agridulces, doce canciones llenas de sus experiencias y de las de la gente con la que se ha cruzado en el camino.  Llora, ríe y nos mueve con ella con absoluta sencillez.  Se esfuerza por compartir, de forma natural y sincera, sus historias para poder llegar a los demás, movidas únicamente por sus experiencias en la vida y por sus sueños.

Si os submergís en él comprobaréis  cómo esta atractiva artista con mezcla de razas, con facciones delicadas y un cuerpo esbelto (para comprobar su belleza os invito a visitar esta galería de fotos) que irradia alegría  nos invita a escuchar un mundo de músicas más que la música del mundo.

Empecemos con el tema que Julia compartió conmigo, abriéndome la puerta a esta maravilla de mujer : Life Is Real

Para sus desgarradoras letras y canciones echa mano de una vida muy complicada.   Porque Ayo. es nómada desde que nació el 14 de septiembre de 1980 en Frechen, cerca de Colonia, Alemania, de padre nigeriano y madre rumana de etnia gitana. Por ello creció en una comunidad gitana que le ha aportado riqueza racial a todas las canciones. En su infancia tuvo que pasar un largo periodo alejada de su madre. Luego de estudiar algo de piano y violín, y aprender a tocar la guitarra, Ayo. escribe su primera canción a los 15 años acerca de su madre. Su gusto musical fue influenciado por su padre: una gran selección de discos de vinilo que incluía Pink Floyd, Fela Kuti, Donny Hathaway, Jimmy Cliff y Bob Marley. Cuando su padre, que trabajaba a tiempo parcial como DJ mientras estudiaba ingeniería en Alemania, descubrió su talento como cantante grabó un primer demo con ella en un estudio y le permitió abandonar la escuela a la edad de dieciocho años.

What's love

A los 21 años Ayo. se trasladó a Londres y más tarde vivió en París y Nueva York. Durante su estancia en París, su talento musical fue descubierto por un público más amplio, dando al principio sus conciertos en solitario. Tras estancias también en lugares como Rumanía, Nigeria o Alemania, en la actualidad, Ayo. pasa su vida entre Paris y Nueva York, dos capitales que con presión resumen su identidad musical. 

En 2009, Ayo. fue nombrada representante de UNICEF para promover el derecho a la educación para todos los niños en el mundo.

How Many Times

A todo lo anteriormente dicho le debemos añadir una interpretación musical excelente, que crea el colofón ideal para unos temas y una voz llamados a quedarse en nuestra cabeza durante mucho tiempo.

Para acabar mi selección, el que fue el single del disco en el concierto en vivo que dio en el Olympia de París grabados entre el 13 y el 14 de marzo de 2007: Down On My Knees

A partir de aquí, el resto de videos. (Cuando redacté esta entrada, eran grabaciones en directo del concierto pero los derechos de autor me los han eliminado. 11 años depués restauro la entrada con otros vídeos). Ideal para una noche de sábado o cualquiera de insomnio. Son nada más y nada menos que 11 pero ¡valen TANTO la pena! que no he sido capaz de elegir. Perdonadme.

Con todos vosotros Ayo.!!

Without You

Letter by Letter

Only you

Help Is Coming

Girls

What Is Love

And It's Supposed to Be Love

Watching You

Neva Been

Cerrando el círculo , acabando por donde empezamos, con la grabación en vivo del tema que me ha enganchado a esta mujer para siempre: Live is real

 Espero que a vosotr@ también.

Pau Casals - El Cant dels Ocells

La melancolía y la noche

“La música, aquest meravellós llenguatge universal, hauria de ser font de comunicació entre tots els homes”

Pau Casals

Un violonchelo se escucha en ese templo del recuerdo que es youtube. Es Pau Casal, tocando ese instrumento que tiene la anatomía de la melancolía, por la textura de su sonido, casi humano, que es sin ser. Sus cuerdas, como la vida misma, necesitan ser frotadas para emitir sonidos.

Pau Casals es, sin miedo a equivocarme, uno de los personajes que más ha contribuido a extender la voz de Cataluña por todo el mundo. En los años previos a nuestra guerra civil fue una persona muy implicada con el movimiento catalanista, progresista y, republicano. Durante el cruento exilio que como miles y miles de patriotas tuvo que sufrir, Casals continuó siendo una persona comprometida con los derechos humanos y nacionales, la viva imagen de que, en contra de lo que dicen algunos, se puede ser catalán y universal; que se puede sentir la patria y ser del mundo.

A lo largo de su vida,  Pau Casals luchó constantemente por los valores de la Paz, la Justicia y la Libertad. En 1971, en reconocimiento a su actitud, el secretario general de las Naciones Unidas, U-Thant, le otorgó la Medalla de la Paz. El discurso que pronunció Pau Casals en agradecimiento a dicha distinción y su ulterior interpretación de El cant dels ocells constan como uno de los testimonios más impresionantes de su dimensión humana.

PALABRAS DE PAU CASALS EN LA ONU - 24 DE OCTUBRE DE 1971

Éste es el mayor honor que he recibido en mi vida. La paz ha sido siempre mi mayor preocupación. Ya en mi infancia aprendí a amarla. Mi madre - una mujer excepcional, genial -, cuando yo era chico, ya me hablaba de la paz, porque en aquellos tiempos también había muchas guerras. Además, soy catalán. Cataluña tuvo el primer Parlamento democrático, mucho antes que Inglaterra. Y fue en mi país donde hubo las primeras naciones unidas. En aquel tiempo -siglo XI- se reunieron en Tolouges -hoy Francia- para hablar de la paz, porque los catalanes de aquel tiempo ya estaban en contra, en CONTRA de la guerra. Por ello, las Naciones Unidas, que trabajan únicamente por el ideal de la paz, están en mi corazón, porque todo lo referente a la paz le llega directamente (...)

Hace muchos años que no toco el violonchelo en público, pero creo que debo hacerlo en esta ocasión. Tocaré una melodía del folclore catalán: El cant dels ocells (El canto de los pájaros). Los pájaros, cuando están en el cielo, van cantando:"Peace, peace, peace" (paz, paz, paz) y es una melodía que Bach, Beethoven y todos los grandes habrían admirado y querido. Y, además, nace del alma de mi pueblo, Cataluña.

El Cant dels Ocells es una melodía perfecta e indescriptible. Interpretada como un canto de ira contenida contra el franquismo y de la añoranza que sentía de esta tierra, esta obra sublime ha sido una embajadora de paz por todo el mundo.

Os propongo escuchar esta interpretación del maestro, en su casa, acompañada de su mujer. Su forma de tocar enternece tanto como la propia figura de un hombre sabio que supo amar su cultura y raíces sin olvidarse nunca de guardar una porción de su amor para el resto del mundo, en toda su inmensidad.

A continuación, una fantástica interpretación del tenor Josep Carreras y el cantante universal Lluís Llach en el Palau de  Sant Jordi, el 29 de diciembre de 2002 un concierto extraordinario ante 12.000 espectadores, donde ambos unían sus voces para cantar por la paz

"Los catalanes tenemos el honor de poseer en nuestro patrimonio musical uno de los símbolos universales de la paz. Por medio de Pau Casals," El cant dels ocells "es para todo el mundo una referencia musical casi única. Para todos vosotros - y por la paz - cantaremos El canto de los pájaros. "

Para acabar, una emocionante y sublime Victoria de los Ángeles en la ceremonia de clausura de los Juegos Olimpicos de Barcelona 1992, los mejores juegos de toda la historia de las Olimpiadas.  No he encontrado un video tan solo con su actuación. Tenéis que avanzar el video hasta la 1:12:00, un pequeño esfuerzo que vale la pena. Cualquiera puede entender lo que sentimos entonces los catalanes al escucharla.

Que la melancolía os acompañe.

Manuel Gerena

El cante incorruptible. La voz prohibida

Hacer croquetas me conecta con una parte de mi inerior, el más cálido y amable, me han dicho esta noche. No sé si es verdad pero mientras las hacía, iba cayendo la noche, una la luz amarillenta se reflejaba en la madera de las paredes de mi casa y mi hija estudiaba griego a mis espaldas. He tenido una entrañable sensación de hogar. Echo de menos a mi hijo.

Que Raimon fuera la otra noche el vehículo de mi alegría compartida con el pueblo vasco me hizo recordar a este cantautor, voz perseguida durante el franquismo que sigue enarbolando su hondo mensaje:  Manuel Gerena  
En esta España envidiosa y desmemoriada, Gerena es otro de los grandes cantantes injustamente olvidados, a pesar de haber sido el cantaor flamenco más perseguido y censurado por la dictadura de Franco y uno de los artistas, en general, que más veces vio suspendidos sus espectáculos. Sin embargo, una vez conquistadas las libertades, los mismos que antaño lo admiraban pasaron a ejercer otro tipo de censura más sutil: se negaron a contratarlo, esto es, lo silenciaron. Los flamencólogos al uso le negaban el pan y la sal. Era un proscrito. Nunca estaba en el cartel de ninguno de los festivales flamencos que se organizaban por toda Andalucía y por la Andalucía de Cataluña y de los pueblos del cinturón industrial de Madrid. 

El pasado 16 de octubre tuvo lugar en Morón de la Frontera un concierto de Gerena para presentar su libro "A contracorriente por la dignidad". Dignidad es una palabra que para mí, particularmente, tiene mucho valor. Mis amigos más íntimos saben a qué me refiero.
Esta Nana del Despertar tiene para nosotros un valor incalculable.  Nuestro hijo aún no había nacido y ya le queríamos. Sólo hace falta ser madre o padre y de izquierdas para entender lo que se siente al oír la nana de un cantaor de militancia comunista que vendía miles de discos y libros, y que era capaz de arrastrar tras de sí y por igual al pueblo llano y sencillo y a la intelectualidad de la época, sobre todo a la que le había plantado cara al franquismo. Escuchadla y emocionaos como lo seguimos haciendo nosotros por mucho que veamos a Izan crecer.

Con motivo del centenario de la muerte de Miguel Hernández, el cantautor publicó el disco “Manuel Gerena canta con Miguel Hernández”

DEL INTERIOR DEL DISCO

Allí, en ese reino donde el poema se confunde con una vibración de cuerda o de garganta, entre la grama y la piedra, el sudor y la piel, allí mismo, entre planetas y olivos, Manuel Gerena y Miguel Hernández se encontraron por fin después de tantos años.

Del poeta oriolano, desaparecido a los 32 años en la penitenciaría de Alicante, allá por 1942, nos ha quedado su obra carnal y luminosa, el legado de su verbo como un abrevadero al que de vez en cuando acudimos para purgarnos el espíritu.

A Gerena le tenemos aún para deleite de nuestro oído y nuestra sangre. Su voz lleva más de treinta años extendiéndose en el aire como hojas de parra o como ropa al viento.

Seguro estoy de que este feliz encuentro de raíces (la de Miguel y Manuel) tendrá el destino de las bocas sedientas, de las manos que laten al ritmo de la sangre, de los dedos que surgen de la tierra al fin para amarrar un sueño.

El flamenco y la poesía vuelven a estar de enhorabuena.

José Luís Ferris

Poeta y escritor. Premio Azorín de novela 1999.

Miembro de la Fundación Cultural Miguel Hernán

El cantautor y el poeta nos ofrecen esta versión de Vientos del pueblo me llevan.

En mayo de 2010, el PCE organizó un homenaje a Caballero Bonald en el que participó Manuel Gerena y cantó ante más de 600 personas. 

El tiempo pasa y, posiblemente, nunca se le otorgará el reconocimiento que se merece ya que, como poco, ha contribuido durante muchos años a situarnos en el mapa nacional. Junto con sus grandes méritos artísticos, se le debe una importarte contribución a la difusión y conocimiento del flamenco por parte de sectores que estaban ajenos al mismo así como la apertura armoniosa a otras músicas que han servido para engrandecerlo. Sirvan mis palabras de reconocimiento infinito.