sábado, 12 de abril de 2025

Peer Gynt, la primera banda sonora

El Don Juan de Ibsen y Grieg, un poema dramático convertido en música.

Si algo bueno tiene todavía el Facebook es su capacidad de almacenar recuerdos. Gracias a ello, he podido evocar cómo la última noche de las colonias del curso 2009-2010, esperando que se durmieran nuestras “marietes, papallones i dofins” se me ocurrió que si hubiera podido compartir algo en "mi música nocturna" desde allí, seguramente habría elegido la "Suite Nº 1 de Peer Gynt, opus 46" del compositor romántico Edvard Grieg, el poeta de la música. Supongo que me lo motivó la estrecha relación que tuvimos esos tres días con las hadas del bosque y el pensar que, como Peer, nuestros alumnos se estaban empezando a buscar a sí mismos. 

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De una gran belleza e inspiración, estoy convencida de que buena parte de esta suite la conoceréis por “Fantasía”, la película de Disney  en la que se utilizan dos de los cuatro movimientos que la componen, El Amanecer y El Rey de la gruta de la montañael primero y el cuarto, respectivamente.

“Peer Gynt, op. 23” es la música incidental que Grieg compuso en 1875 a petición de Henrik Ibsen para su obra teatral del mismo nombre, escrita en 1867. Un drama que tiene por trasfondo histórico la preocupación por la identidad nacional noruega (Ibsen se llevaba fatal con el ambiente luterano y la opresión de la sociedad reinante en su país). Se estrenó como "banda sonora" de la obra el 24 de febrero de 1876 en Christiania (ahora Oslo). Y su “amanecer” es uno de los más inolvidables de la historia de la música. Es un amanecer en el desierto, con sus brisas y sus pájaros. Hasta allí ha llegado Peer Gynt, un imaginativo mentiroso, vividor, fanfarrón, pendenciero y mujeriego muchacho, que utiliza a las mujres sin miramientos, cuya mayor ambición es ser rico y poderoso, que se enreda en continuos líos que siempre soluciona con una huida hacia adelante. Cuando Ibsen escribió esta obra, pretendió justamente eso, criticar el egotismo de su época (no quiero pensar que diría se viviera hoy). He aquí el argumento.


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Sigamos con la "Sinfonía nº 1". Su segundo movimiento, La muerte de Åase, es una de las piezas más bellas y emotivas de toda la suite. Corresponde al Acto III cuando Peer sostiene la mano de su moribunda madre Aase que, aunque siempre le reprochaba sus travesuras, nunca había perdido la fe en él. En el tercero, La Danza de Anitra, la hermosa hija del jeque que Peer conoce en África baila esta danza para él.

La partitura de Grieg constaba de 26 movimientos y una duración aproximada de 90 minutos, incluyendo también música vocal. Aquí podéis escucharla completa. Fue años después, en 1888 y 1891, que el compositor noruego extrajo ocho movimientos para crear dos suites de cuatro movimientos: la citada “Suite No. 1, op. 46”, y la “Suite nº 2, op. 55”. Ambas se convirtieron en partituras de repertorio y en parte del patrimonio cultural noruego. Como suele ocurrir con las suites, la música incidental original ha quedado olvidada, debido a la dificultad de su ejecución fuera del entorno teatral. A continuación, El rapto de la novia. El lamento de Ingrid que da inicio a la suite nº 2. Este primer movimiento narra la pena de Ingrid, la novia de Peer, abandonada al día siguiente de su boda en unas montañas. La melodía, en Sol menor, expresa su dolor, desesperada al encontrarse sola.

Peer Gynt es la historia de un viaje sí, pero no es un viaje cualquiera, es un viaje por la omnipotencia, por la devastadora tentación del ser humano de acercarse a los dioses para que estos le expliquen el sentido de la vida. Es el ciclo vital de un hombre al que le cuesta aceptar su condición humana y que se ve tentado por los demonios que nos incitan a guiarnos únicamente por el insaciable instinto de hacer lo que nos apetezca, sin pensar en los demás. Es una interesante y atemporal reflexión sobre los límites de nuestra libertad. Una libertad que se torna en egoísmo cuando no tenemos en cuenta los sentimientos que nuestros irracionales actos provocan en aquellas personas que nos quieren. Al final, viejo y cansado, vuelve a casa:

Ibsen utiliza los troles de la mitología escandinava para explicar la parte oscura del ser humano. Y la parte positiva la representa Solveig, la mujer enamorada que espera al protagonista hasta el final de sus días. Peer Gynt necesita toda una vida para entender quien es y qué es su vida. Sin embargo, Solveig lo ha sabido desde el principio. Porque el amor es el motor de su vida compartiéndolo con los demás, mientras que la de Peer es ser “el emperador del mundo” acumulando riquezas.  Al final de la obra. Peer Gynt dice: dime por favor donde ha estado todo este tiempo Peer Gynt. Y ella dice Bueno; esta pregunta es muy fácil. Vivías en mi fe, en mi esperanza y en mi amor. Hermoso ¿no? La obra culmina con el anciano Peer en brazos de Solveig, habiendo escapado de la muerte mientras esta le canta una nana. La canción de Solveig.

Poesía hecha música, sin duda. Mi inicial interés por Grieg tuvo una motivación extra el saber que se consideraba a este compositor noruego “el Chopin del Norte” y quise investigar si era verdad que se parecía a mi admirado pianista polaco. Y sí; es verdad. Ambos tienen en común un especial don para convertir la música en la más exquisita poesía. ¿Estáis de acuerdo?

Para acabar, os aconsejo que os paséis por este enlace de Interactivos de Radio Clásica. Podréis navegar por parte del universo de Edvard Grieg.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. A pesar de que el narcisista Trump está sembrando el caos político y económico en el mundo, que el bolsillo y las banderas quieren poner todo patas arriba en su propio beneficio, que la ultraderecha avanza sin freno porque cuando Europa ha despertado el dinosaurio seguía ahí, el arte es y será siempre un lugar de encuentro. Pero no nos olvidemos de los más de 55.000 muertos de Gaza, ni su interminable genocidio, ni de Ucrania, ni de Siria, Afganistán, Congo… ni de los 227 muertos por la DANA de Valencia, ni de los 7291 muertos en las residencias de Madrid. Hay demasiado sufrimiento para refugiarnos en el arte y olvidarnos del mundo.


Buenas noches.  Bona nit.  Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

 


lunes, 31 de marzo de 2025

Nino Rota, más allá de "El Padrino"

La sencillez de un grandísimo compositor

El próximo 10 de abril se cumplirán 46 años del fallecimiento uno de los mayores compositores de la historia del cine, el italiano Nino Rota.

Fotografía: The Boston Globe

Su nombre generalmente despierta poca respuesta, incluso entre los asistentes a conciertos y músicos. Pero cuando se menciona la música de la película "El Padrino" de Francis Ford Coppola, a menudo se produce un destello de reconocimiento.

Pero para entonces, Nino Rota llevaba dos décadas componiendo música para el cine. Su éxito nació del trabajo junto a Federico Fellini componiendo bandas sonoras memorables como “La Dolce Vita” y “8½” convirtiéndose en uno de los compositores de bandas sonoras más influyentes del siglo XX. Durante su carrera, compuso música para más de 150 películas. Su estilo musical único combina influencias clásicas, jazz y música popular italiana, con melodías inolvidables que son inseparables de las imágenes en la pantalla.

Giovanni Rota Rinaldi fue un niño prodigio que nació en una familia de músicos. De formación clásica, a los 11 años compone el oratorio "L'ínfanzia di San Giovanni Battista" para coro y orquesta que se interpretó en 1923. A pesar de este prometedor comienzo y de que a lo largo de su carrera se demostrara como un consumado compositor de música clásica, fue en la música de cine donde encontró su verdadera vocación. No es sorprendente, pues, que sea más conocido tantas maravillosas partituras de película. Sin embargo, Nino Rota fue un gran compositor clásico de cientos de obras, incluyendo música de cámara, sacra, canciones y tres sinfonías. Y su actividad artística no terminó ahí, sino que también compuso diez óperas y cinco ballets. A esta faceta menos conocida del compositor italiano nos vamos a dedicar esta noche.

Empezaremos con dos piezas maravillosas: el Quinteto para flauta, oboe, viola, violonchelo y arpa y la Sonata para flauta y arpa, escritas con tan solo 24 y 26 años, respectivamente.

Esta Fantasía en sol se descubrió recientemente entre los últimos manuscritos examinados en su archivo de Venecia. Junto con los 15 Preludios, es una de las pocas obras de este compositor italiano para piano solo. Fue compuesta en la atmósfera opresiva de los últimos años de la guerra; en concreto, la compuso para su amigo el pianista Arturo Benedetti Michelangeli.  

Sigamos deleitándonos con esta Sonata en Re Mayor para clarinete y piano. Tranquila, como surgida de una tenue luz esta sonata compuesta en el año 1945, nos ofrece una imagen musical rebosante de luz mediterránea. Amabilidad, belleza, sencillez y placentero reposo se funden en esta pieza.

Nino Rota compuso este Divertimento concertante para contrabajo y orquesta entre 1967-1971, dedicado al gran contrabajista Franco Petracchi. La obra se estrenó en 1971 en Nápoles, con la Orchestra Scarlatti della Rai, con el propio Petracchi como solista y bajo la dirección de Luigi Urbini.

Las 5 Piezas Fáciles para flauta y piano fueron compuestas entre 1971 y 1972. Son pequeñas imágenes brillantes con sonidos muy simples y genuinos, que con la literatura infantil como referente.

Como he dicho antes, Rota también compuso también música de cámara. A este apartado pertenece este Trio para clarinete, cello y piano compuesto en 1973. El clarinete es el instrumento que sustituye al violín en otros tríos más convencionales.

El compositor italiano mostró una gran predilección por el arpa, aumentando su amor por el instrumento después de escuchar a Clelia Gatti Aldrovandi en una interpretación de su Quinteto. Animado, comenzó la escritura de una serie de composiciones: una Sonata para arpa y flauta, un Dueto para arpa y piano, la Zarabanda y Toccata y el Concierto para arpa.

Una de sus últimas obras, el Concierto para Violonchelo No. 2 (1977), demuestra su total maestría en la forma clásica, manteniendo la melodía lírica tan característica de su estilo.

Es una pena que su exitosa carrera como compositor de música de cine eclipsara en gran medida su faceta de creador de excelente música de cámara, sinfonías y óperas, cuando la realidad es que produjo un maravilloso legado del que se conoce poco. Acabaré con unas palabras suyas que nos muestran el talante de un hombre verdaderamente humilde y modesto, que de hecho fue un gran compositor.

“Si alguien descubre que todo lo que estoy tratando de expresar con mi música es un poco de nostalgia y mucho humor y optimismo, deberá saber que es exactamente como me gustaría ser recordado: con un poco de nostalgia, mucho optimismo y buen humor”.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. A pesar de que Trump está sembrando el caos, que el bolsillo y las banderas quieren poner todo patas arriba en su propio beneficio, que cuando Europa ha despertado el dinosaurio seguía ahí, el arte es y será siempre un lugar de encuentro. Y no nos olvidemos de Gaza, ni de Ucrania, ni de Siria, Afganistán, Congo… ni de Valencia, ni de los 7291 muertos en las residencias de Madrid. Que la indiferencia no nos haga cómplices. Buenas noches.  Bona nit.  Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

Otras fuentes:

https://www.rtve.es/play/audios/cafe-zimmermann/nino-rota-trio-para-clarinete-cello-piano-021023/6980221/
https://www.rtve.es/play/audios/en-clave-de-5/nino-rota-primera-parte/5910133/
https://www.rtve.es/play/audios/perfil-de-estrellas/perfil-estrellas-nino-rota-19-06-20/5601746/
https://www.rtve.es/play/audios/no-es-un-dia-cualquiera/despertador-clasico-020716-2016-07-03t08-54-581031339/3652183/
https://www.rtve.es/play/audios/la-musica-y-el-cine/musica-cine-rota-mas-alla-padrino/6970704/
https://www.rtve.es/play/audios/el-cantor-de-cine/cantor-cine-coleccionable-01-casi-clasicos-musicas-no-cinematograficas-nino-rota-28-10-18/4815100/
https://www.gabrielblasberg.com/post/nino-rota-y-su-hermosa-sonata-para-clarinete-y-piano
https://www.melomanodigital.com/nino-rota-la-exitosa-socializacion-de-las-bandas-sonoras/
https://www.historiadelasinfonia.es/naciones/italia/siglo-xx-italia/rota/
https://www.buonaseraroma.it/nino-rota-opere-da-camera/
https://www.otraparte.org/agenda-cultural/musica/morricone-rota/




viernes, 14 de marzo de 2025

Philip Glass: el genio incomprendido

Mucho más que un minimalista

He de reconocerlo: A mí no me gustaba nada, pero nada, Philip Glass. Durante mucho tiempo fui refractaria a este portento de la música. Sin embargo, hace mucho que cuando lo escucho me quedo colgada de su reiteración, de su sensibilidad, de la huella que ha dejado y me pregunto el porqué de aquella cerrazón por mi parte.

Foto: The Creative Independet

Glass, escuchado a estas horas es un poco como yo, una música recogida sobre sí misma, ensimismada en repeticiones (como los sonsonetes de la vida cotidiana) que se van rompiendo con enorme sutileza, engranándose con otros. Os invito a entrar en ella, como en una cueva, a descubrir cada rincón. Al final, acabaréis saliendo a la luz, como me pasó a mí, o quizás os quedaréis colgados del precipicio. Pero tranquilos; os acabará recogiendo con mucha suavidad. Su efecto balsámico está asegurado.

Todo empezó en 1961 cuando el entonces joven estudiante de la Juilliard School, quedó profundamente impresionado por la obra de Le Monte Young, el primer compositor reconocido como minimalista. Glass no podía imaginar que, junto con Young, Steve Reich y Terry Riley, pasaría a la historia como uno de los cuatro padres fundadores del minimalismo. Cuando en 1966 viaja al norte de la India, las composiciones de Bach y de Beethoven que había aprendido, las cambió  por piezas austeras basadas en ritmos aditivos, propios de la música india y experimental. Escuchemos su el segundo movimiento de su Concierto para violín, una obra maestra tristemente subestimada que une los mundos de la tradición clásica y la vanguardia.

La decisión de romper con lo que había aprendido puso a prueba su pasión por la música porque, debido a una difícil situación económica en la década del 70, tuvo que trabajar como taxista y reparar electrodomésticos mientras componía. Eran melodías repetitivas y complicadas que para él sustentaban un cambio y que lo enfrentaron a un público que parecía no comprenderlo. Tiempo después, en una entrevista, recordó con humor: “Cuando alguien del público se quedaba hasta el final de la presentación, lo invitaba a comer”. Cincuenta años después, el estilo de Glass es tan reconocido, ampliamente interpretado e imitado que es fácil olvidar que una vez se hizo un nombre en el mundo comparativamente esotérico de la ópera contemporánea para convertirse en compositor a tiempo completo. Lo consiguió con “Einstein on the Beach” (1976).

Pero la  verdadrera fama internacional le llegó con la película experimental Koyaanisqatsi dirigida por Godfrey Reggio y producida por Francis Ford Coppola, en 1983. La simplicidad y la armonía consonante de esta obra, lo ubicaron, definitivamente, dentro del movimiento minimalista. 

Desde entonces, ha compuesto unas veinte óperas, ocho sinfonías y numerosos conciertos. “La ópera siempre fue la forma de arte popular de su época”, dice Glass, “así que simplemente he ido pasando de una forma de arte popular a otra”. Aunque si por algo le conoce el gran público, es por sus bandas sonoras para películas como El Show de Truman , Diario de un Escándalo Las Horas, entre otras. 

No vamos a negar ahora que sus composiciones fueron a menudo radicales. Tomemos como ejemplo sus primeros experimentos, como Strung Out (1967): escrita para violín solo amplificado e interpretada a partir de un manuscrito colgado en la pared. La obra cumplía con su función original: desentonaba.

En sus piezas de finales de la década de 1960, como Música en Quintas (1969) Glass, elimina todos los indicadores tradicionales, como el tono o el ritmo, que nos acostumbran a guiar a través de una pieza de música clásica. Estilo Glass en estado puro.

No quiero olvidar en este pequeño repaso a la vida y obra del compositor estadounidense su amor por el instrumento de cuerda más “humano”: el violonchelo, instrumento para el que ha escrito algunas de sus mejores composiciones de la última década. El amor de Glass por el chelo se remonta a su juventud, cuando trabajaba en la tienda de discos de su padre y empezó a escuchar las “Suites para violonchelo solo de Bach”. Pero fue su romance personal con la violonchelista Wendy Sutter lo que le inspiró a componer la Partita n.º 1, Songs and Poems (2007)

Empezamos esta entrada con una composición para piano y acabaremos igual con la Sonata Trilogía, transcripciones de la trilogía de óperas-retrato de Philip Glass: “Einstein en la Playa”, “Satyagraha” (1980) y “Akhnaten” (1984). La belleza de la Trilogy Sonata II. Satyagraha es indiscutible.

La versatilidad de Philip Glass ha quedado probada a lo largo de su vida profesional en la cual el único proyecto que no tendría cabida es el de retirarse de la música. Nada más, por esta noche. Es poco discutible que el mundo es un lugar peor con Trump, que está sembrando el caos: con aranceles, modificando mapas, compadreando con Putin, amparando la limpieza étnica en Palestina, debilitando o destruyendo desde dentro los organismos multilaterales y buscando operar en la geopolítica sin cortapisas. Es poco discutible que la ola reaccionaria va más allá de Estados Unidos, que el bolsillo y las banderas quieren poner todo patas arriba en su propio beneficio. Los fanáticos alimentan la tensión y la utilizan para crecer. Cuando Europa ha despertado, el dinosaurio seguía ahí. Por eso debemos de seguir buscando la belleza porque es la única protesta que vale la pena en este asqueroso mundo. 




domingo, 23 de febrero de 2025

Nneka, fuerza mestiza

La música como terapia, activismo social y compromiso religioso

Nada en la vida le fue dado, por lo que Nneka Egbuna tuvo que luchar muy duro para conseguirlo todo. Su madre, alemana, abandonó a la familia cuando ella tenía dos años. Su padre se volvió a casar y su nueva esposa no escatimó esfuerzos para hacerles la vida insoportable a los hijos de su ex esposa. Su hermano, Anatol, describe en dos libros autobiográficos cómo la madrastra los aterrorizaba. 

© CNN 

Así fue la infancia y adolescencia de esta cantante y compositora germano-nigeriana. “Empecé a hacer música como forma de terapia”, afirma Su nombre, de origen igbo significa "la madre es suprema", qué ironía. La conocí, hace ya años, gracias a Come Whith Me. Después de Tracy Chapman removiendo conciencias, Nneka es la protagonista de esta noche. Ella cree que la música puede cambiar las cosas. Así sea.

Nneka nació el 24 de diciembre de 1980 en Warri, una ciudad portuaria del sudeste de Nigeria donde el comercio marítimo, el petróleo y la industria siderúrgica dominan la economía. Allí dio sus primeros pasos musicales en la escuela y en el coro de la iglesia, al mismo tiempo que presenciaba cómo la industria petrolera, en particular, causa un gran daño ambiental, desangra el país y cómo la corrupción y el soborno dejan a la gente indefensa. La denuncia de esa realidad queda de manifiesto en composiciones como Niger Delta (2008) .

"Ellos vienen a pescar, a vaciarmos nuestas aguas
Ellos vienen a cortar nuestro abundante petróleo
Ellos vienen a llevarse nuestros recursos
Ellos vienen a llevarse todas nuestras riquezas
Ellos vienen a usarnos como su almacén
Para la materia prima para hacerse ricos
Pero hermano, hermano, hermanos, ¿qué?
Hermana, hermana, hermana" 

 “No tengo miedo a alzar la voz por los temas que me preocupan”, declara la cantante “Todos ellos tiene mucho que ver con la razón por la que soy como soy” confiesa. "¡Despierta, África, despierta y deja de culpar! ¡Abre los ojos, ojos, levántate y levántate!", entona a modo de grito de guerra en su incendiaria canción Africans.

Podemos decir lo mismo de From Africa 2 U, una oda al despertar africano. “África, África, África, África /Ven conmigo, levántate, levántate”.

 A lo largo de su ya larga trayectoria, Nneka nos ofrece canciones llenas de energía sobre tradiciones olvidadas, sobre su creencia profundamente arraigada en Dios y, una y otra vez, sobre Nigeria natal, temas que la convirtieron rápidamente como una de las voces más poderosas de África. Unas letras que examinan una miríada de temas sociales y la búsqueda de justicia, pero también el amor maternal, el amor por el creador divino, el "desamor" mundano. “Y al final del camino, me sentaré y sonreiré y diré: Ya no me necesitas”.

 Su aspecto frágil contrasta con su voz, tan fuerte, desgarradora y conmovedora con la que dice lo que piensa y ve a través de una perfecta fusión de reggae, hip hop, soul, rock y sonidos africanos, una versatilidad que encaja con su propia historia internacionalista. Su primera visión del mundo llegó en 1997, cuando visitó Lagos. Aunque Nneka no habla de su pasado. Se limita a decir que "una determinada situación" la obligó a abandonar Nigeria y trasladarse a Hamburgo, la ciudad natal de su madre. Eso fue en 1999. Pero el reencuentro reabrió viejas heridas. “Ella era distante, poco acogedora, como si ya hubiera cerrado ese capítulo”, recuerda. En Hamburgo, se matriculó en la universidad donde estudió arqueología, antropología y estudios africanos entre 2003 y 2008. A su vez, es una artista visual pues un año después, se dedicó al arte en una escuela privada, sumergiéndose en el yoga, la terapia de masajes y la meditación zen.

© Idona Asamoah

Durante el confinamiento publicó “Love Supreme”, un amor referido, como ella misma dice, al maor de dios. El hilo conductor de sus canciones es una voz engañosamente ligera que tiende a la dulzura y la serenidad pero que a, a la vez, muestra firmeza en el mensaje. En este trabajo incluye reggae con influencias africanas que resuenan con electrónica: Maya

Su primer éxito, Heartbeat, tuvo una repercusión mundial. Con un video minimalista, filmado en Nigeria, cosechó elogios internacionales.

Para acabar, su último trabajo, Mirror, un sencillo que explora la divinidad dentro de uno mismo. " Pasamos mucho tiempo buscando a Dios. Y nosotros somos Dios "

Su pasión por los temas sociales la llevó en 2012 a cofundar la Fundación ROPE, (Reach Out, Promote, Empower) junto con Ahmed "Genda" Nyei que ha trabajado con niñas afectadas por la guerra en Sierra Leona, ha proporcionado energía solar a comunidades eritreas y ha apoyado a mujeres y niños en Nigeria y Alemania. Y también la fundación WAGA (War Affected Girls & Adults), ubicada en la región de Bo Town en Sierra Leona que se centra en trabajar con mujeres que han sufrido abusos sexuales. Nneka describió a la fundación ROPE como una organización que trabaja "para brindar una plataforma para ayudar a las personas a expresarse y a expresar sus problemas en la sociedad".

Fundación Rope

La trayectoria de Nneka demuestra cómo el dolor se puede transformar en propósito, la lucha en fuerza interior y ​​el arte en activismo. Su historia no es solo una historia de supervivencia, sino de transformación: un espíritu inquebrantable que se niega a ser silenciado.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. Y no nos olvidemos de Gaza, ni de Ucrania, ni de Siria, Afganistán, Valencia…


Buenas noches.  Bona nit.  Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב 


Los diferentes enlaces en el nombre de la cantante nos llevan a Wikipedia, su página oficial, Instagram y Facebook.


jueves, 23 de enero de 2025

Tracy Chapman, removiendo conciencias

 “Bang, bang, bang”: jugar a matar.

Hace poco más de un mes, en una escuela cristiana de Wisconsin, EE.UU, una adolescente mató a 2 personas, un profesor y un compañero. Al menos otras 6 resultaron heridas.  Luego se suicidó. Tenía tan solo 15 años. En mayo, la policía mató a un estudiante que pretendía entrar armado en un instituto de la misma localidad.  Según el sitio web de la Base de Datos de Tiroteos en Escuelas K-12 (equivalentes a nuestros centros de Infantil y Primaria), en 2024 hubo 322 tiroteos en instituciones académicas estadounidenses. Esta es la segunda cifra más alta de cualquier año desde 1966, superada solo por 2023, en el que hubo hasta 349 tiroteos de ese tipo. El número total desde el año 2000 es aterrador: 2258.

Según el rastreador de tiroteos escolares de The Washington Post, en ese periodo, 31.000 niños se han visto afectados por un tiroteo en un centro de enseñanza primaria o secundaria durante el horario escolar. La mayoría de las armas usadas en estos tiroteos son de amigos o familiares. En EEUU hay 120 armas por cada 100 habitantes. La segunda enmienda de la Constitución del país, de 1791, establece el derecho a poseerlas. Pese a estos datos escalofriantes, en su campaña electoral, Donald Trump prometió revertir las medidas de control de armas promulgadas por Joe Biden. La Asociación Nacional del Rifle, el 'lobby' de las armas que financia con millones de dólares a presidentes, donó 5 millones de dólares en las últimas elecciones. Trump ha sido el primer candidato que participó en el Congreso de esta asociación: “Tienen un amigo en la Casa Blanca”, les dijo. Trump ganó y es ahora el amo del mundo (o lo quiere ser). El futuro se plantea estremecedor. Todo esto me ha llevado casi sin darme cuenta hasta una vieja canción de la cantante Tracy Chapman. Bang, bang, bang

El tema, una protesta por la política de tenencia de armas en los EEUU, está dedicado a ese niño al que alguien le pone una pistola en sus manos y que, posiblemente, se sentirá fuerte. Cuando dispare, entonces no habrá ningún lugar a donde huir... y el niño habrá muerto para siempre.

Vas y ¿qué haces?
Vas y le das al chico una pistola.
Ahora ya no hay dónde huir.
No hay dónde huir.
 
Cuando la sostiene en su mano
Se siente poderoso, se siente fuerte.
Y ya no hay dónde huir.
No hay dónde huir.
 
Un día puede volver,
Vengarse por lo que le hemos hecho.
Entonces ¿ dónde vas a huir?,
¿Dónde vas a huir?
 
Pero un buen día
Todos nuestros problemas quedarán resueltos.
Bang, bang, bang,
Lo liquidaremos a tiros.
 
Dale drogas y dale golosinas,
Cualquier cosa que le haga creer que es feliz,
Y nunca vendrá a por nosotros.
Nunca vendrá.
 
Pero si viene
Y no hay nadie más cerca
Bang, bang, bang,
Lo liquidaremos a tiros.
 
Si se ceba sólo en sus vecinos,
Hermanos, hermanas y amigos
Lo consideraremos un favor,
Pensaremos que se ha hecho justicia.
 
Pero si viene a por ti o a por mí
Y podemos poner una pistola en su mano,
Bang, bang, bang,
Lo liquidaremos a tiros.
 
Vas y ¿qué haces?
Vas y le das al chico una pistola.
Ahora ya no hay dónde huir.
No hay dónde huir.
 
Ahora todos estaremos a su merced
Si decide darnos caza.
Ahora ya no hay dónde huir.
No hay dónde huir.
 
Si quiere las oportunidades que le quitaste
Y no quiere nada que te pertenezca
Entonces ya no habrá dónde huir,
No habrá dónde huir.
 
Y si descubre que él mismo es
Un reflejo de todos nosotros
Bang, bang, bang,
Nos liquidará a tiros.
 
Antes de que puedas alzar los ojos para leer
Lo escrito en la pared
Bang, bang, bang,
Lo liquidaremos a tiros.
 
Antes de que puedas echarle un cable
Y estrecharlo entre tus brazos
Bang, bang, bang,
Te liquidará a tiros.

Una cantante a recordar y reivendicar, en estos tiempos de zozobra e incertidumbre. Fue su interpretación de Fast car en la celebración del 70 aniversario de Nelson Mandela en el estadio de Wembley, en Londres, que la catapultó al éxito y al reconocimiento internacional. Con 24 años, una guitarra, su sonrisa tímida de Ohio y una mirada imperturbable, 80 mil personas la vieron en vivo y otros 600 millones la siguieron por televisión. El mundo entero contuvo el aliento y se convirtió en un icono. La revista Rolling Stone clasificó a Fast Car en el puesto número 167 en su lista de 2004 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos .Como ha escrito el New York Times: “Fast Car' trata sobre algo interno y universal. Es una canción sobre los deseos y necesidades que nos hacen humanos: el deseo de ser felices, de ser amados, de ser libres".

La cantante afroamericana destacó también por su presencia en el concierto homenaje a Bob Dylan por sus 30 años de carrera musical, en el que interpretó el famoso tema The Times They Are A-Changin, y por su participación en el tour de 20 conciertos que organizó Amnistía Internacional “Human Rights Now!” (¡qué tiempos, ¿verdad?!) El 10 de septiembre de 1988, Barcelona acogió el que se ofreció en nuestro país.

Las letras comprometidas de esta defensora incansable de los Derechos Humanos cuentan la verdad sin ningún escrúpulo y hacen de sus temas una ventana a las realidades sociales más crudas y cortantes. La canción Across The Lines de su álbum debut (1988) aborda la problemática de la segregación racial y la violencia que surge como consecuencia de las tensiones raciales en Estados Unidos. La letra describe una escena de disturbios y enfrentamientos que tienen lugar en las “calles traseras de América” donde la segregación entre blancos y negros es palpable y las consecuencias son trágicas. Casi tres décadas después, pocas cosas han cambiado.

Subcity una reflexión sobre la pobreza y la desigualdad que existe en el mundo, pertenece a su álbum “Crossroads”, de 1989.

Con tan solo una voz melancólica y una guitarra, Tracy Chapman logró entrar en la historia de la música aportando algo de lo que tan escasos vamos en nuestra sociedad: sinceridad.  Dignidad, empatía, furia, todo cuanto vibra en su música procede de dos espacios contiguos en la vida de su autora: el de la conciencia social temprana, en cuyo despertar tuvo mucho que ver su condición de hija de madre negra, soltera y atascada en la precariedad, y el de la mirada entrenada para la profundidad de campo a través de las canciones y los libros. Con sus letras sociales, sus reivindicaciones en contra del racismo en plenos años 90, su forma de narrar la pobreza y su apuesta por la periferia, es imposible que no remueva las conciencias de la gente de bien.

Fotografía de Duma FM

 Para acabar de certificar todo lo dicho, nos despediremos escuchando Why? y Talkin' bout Revolution, la radiografía, esta última, de una rebelión social cocinada a fuego lento que se convertiría en el emblema de su primer álbum. Una llamada de atención a las políticas destructivas que, desde las élites del poder, desprecian a los más desfavorecidos. Su vigencia es tal que da escalofríos.

Tracy es una de las pocas artistas que permaneció fiel a sus principios, le llevasen al éxito o no, sin dejarse influenciar por la moda musical del momento, trabajando duro y haciendo lo que realmente le apetecía y quería hacer. “Tracy Chapman es una artista que escucha a las musas no al mercado”, explica al Times un dj neoyorquino. Hablamos de una artista ermitaña cuya timidez y fragilidad no soportaron el éxito, que publicó su último álbum hace 26 años y que apenas se ha dejado ver en un par de eventos en la última década, erigiéndose en una de las personalidades más elusivas de la industria. Ella misma dijo que se mantenía alejada del foco mediático porque le generaba incomodidad. Sin embargo, 36 años después de su lanzamiento, Fast Car ha alcanzado por fin el primer puesto en las listas de éxitos, gracias a la repercusión obtenida por su aparición por sorpresa en la gala de los premios Grammy 2024. Pero esa es otra historia...

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. Y no nos olvidemos de Gaza, ni de Ucrania, ni de Siria, Afganistán, Valencia…

Buenas noches.  Bona nit.  Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב 


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