lunes, 26 de diciembre de 2016

Los Chicos del Coro

La música cambia a las personas

Esta noche, empapada del ambiente navideño hasta la médula pero gozando del descanso que en mi casa se vive el día de Sant Esteve, quiero hablaros de la banda sonora de “Los Chicos del Coro”, una película que explora el poder transformador de la música y que habla de  tres temas que me apasionan: La infancia, la música y la enseñanza. 

Y con ello, dos antagónicos modos de ver la realidad y, por lo tanto, dos visiones de cómo debe ser la enseñanza, y , a la vez,  permiten comprobar las ventajas del diálogo educativo sobre la imposición del castigo: el método represivo implantado por el director Rachin, quien apenas logra mantener la autoridad sobre los alumnos difíciles; y el método del diálogo educativo de Mathieu, paradigma del educador que intenta llegar a las personas sin castigo y, desde ahí, sacar lo mejor de ellas mismas. Procurará inculcarles lecciones de humanidad y lealtad que, poco a poco, irán calando en ellos. Y es aquí donde la música se convierte en un medio privilegiado para cambiar a las personas y transformar el mundo, con su empeño por formar un coro, lo que a los chicos les hará descubrir la belleza de la música, y por extensión, la del mundo que les aguarda más allá de los muros de su escuela. Algunas frases expresan este valor de la música en la educación de la infancia: "Están cantando….no cantan bien, pero cantan" o "La música cambia a las personas”.

“Les Choristes” está basada en otra película llamada “La jaula de los ruiseñores” (La Cage aux Rossignols) de Jean Dréville (1945), que Barratier vio en la televisión cuando era un niño. Según comentó el director, Christopher Barratier, esta película le emocionó hasta tal punto que cuando filmó la que hoy nos ocupa decidió mantener dos cosas importantes de “La Cage aux Rossignols”: una es la emoción que despiertan las voces de los niños y otra el personaje del profesor, un músico fracasado que a pesar de todo se esfuerza por cambiar el mundo de los que le rodean. El educador intenta llegar a las personas y desde ahí sacar lo mejor de ellas mismas. La música se convierte en un medio privilegiado para cambiar a las personas y transformar el mundo

«Esto es lo que más me gusta del cine, y lo que tienen en común mis películas preferidas, dice Barratier, ¿cómo puede contribuir un individuo a mejorar el mundo? Sé que el cine no puede cambiar las cosas, pero puede despertar las ganas de intentarlo. Me gusta salir de ver una película con ganas de identificarme con el personaje principal».

La película pone también en el candelero el valor de la educación musical, con especial énfasis en la figura del profesor de Música.  En 1949, Clément Mathieu (Gérard Jugnot), profesor de música en paro, empieza a trabajar como vigilante en un correcional de menores dirigido por Rachin (François Berléand). A pesar de sus métodos represivos el director no logra apagar la rebeldía de los alumnos más difíciles. Clément descubre que la música atrae la atención de los niños y solicita permiso al director para poder hacer un coro en el internado. De entre los alumnos Pierre (Jean Baptiste Maunier) es el más rebelde. Un día lo oye cantar y no para hasta conseguir que se una al coro, donde todos tienen cabida. Esto cambiará sus vidas.... Una película optimista que muestra que hasta el las peores situaciones uno puedo encontrar la felicidad.

Hablemos de las voces. De los niños que aparecen en la película, solo Jean Baptiste Maunier pertenecía en realidad a la coral Petits Chanteurs de Saint-Marc (Francia) que era quien interpretaba la banda sonora. Esta famosa coral celebró en septiembre sus 30 años de existencia y el duodécimo aniversario de su irrupción en la élite de la música coral a nivel mundial gracias a la interpretación de las canciones de la película, de cuya banda sonora se vendieron más de cuatro millones de CD, y por la que fue nominada al óscar.

Como es bien sabido, la coral nació en Lyon a petición de un joven profesor de música llamado Nicolás Porte, que desde el primer día tomó las riendas con mano firme volcando toda su ilusión en la música coral y la educación musical de los niños. El punto de inflexión vino al ganar el certamen que les convirtió en intérpretes de la famosa película, hace doce años, y hasta hoy.

Como explica el mismo Porte "La coral no fue creada para la película, sino que fue una de las más de 200 corales infantiles que presentaron un dossier respondiendo a un anuncio de la productora". Poco tiempo después, la coral recibía la visita de Christophe Barratier, futuro director del filme, y de Bruno Coulais, compositor. "Buscaban un grupo capaz de cantar con sencillez y emoción. Se trataba de utilizar sus voces para elaborar el play-back sobre el que iban a simular cantar los pequeños actores pero Barratier descubrió a Jean-Baptiste Meunier, uno de nuestros solistas, y enseguida pensó que él podía ser Morange, el protagonista" explica Porte al diario El País

El trabajo es la señal de identidad de “Los Chicos del Coro“, y el nivel de calidad vocal y arreglos musicales ha llegado a un punto que, sin duda, les ha convertido en una de la mejores corales del mundo. La demanda de plazas para entrar en la coral mixta está actualmente saturada porque admite un máximo de 85 personas de las que 30 viajan en las giras. Consciente de la repercusión que sigue teniendo esta coral, Nicolás Porte ha asumido la responsabilidad de ser modelo en el trabajo de la música coral infantil creando en el instituto de Saint Marc, una auténtica escuela de música de primer nivel mundial y donde sus componentes, todos ellos alumnos del instituto, reciben una educación musical de 15 horas semanales que incluye solfeo, armonía, instrumento, canto coral, interpretación, etc. dando una prioridad al desarrollo personal y colectivo de cada uno de sus componentes, todos ellos entre 8 y 15 años. En la última década han realizado más de 1.300 conciertos en distintas ciudades de cuatro continentes de los que más de 400 han sido en España.

Cuando veo esta película y oigo el coro no puedo dejar de pensar en Cesc, un excelente profesional. El coro que formó en Dosrius, en el que participaron entre otros mis hijos, muy poco tiene que envidiar al de la película.


Algunos de sus temas han pasado a la historia. La composición  musical de Bruno Coulais sigue muy bien las pautas y directrices que necesita el film. Ganó el “Premio Europeo a la Mejor Banda Sonora”. Canciones como 'La Nuit' o 'In memoriam' ponen los pelos de punta. Las voces espirituales de los niños reflejan un ambiente de tranquilidad y de paz. Grandes temas que acompañan una gran película.



Que la Música os acompañe siempre. Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuentes
http://micarteleramusical.blogspot.com.es/2012/12/canciones-de-los-chicos-del-coro.html
http://luisacov.blogspot.com.es/2012/07/banda-sonora-de-la-pelicula-los-chicos.html
http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temaschicoscoro.htm  


domingo, 11 de diciembre de 2016

Kroke

“La música debe despertar emociones”

La palabra yidis, Kroke significa  Cracovia. La banda que esta noche quiero compartir con vosotros  lleva este nombre, y está fuertemente vinculada a Kazimierz, un asentamiento judío que había sido un pueblo judío autónomo hasta el siglo XIX y luego se convirtió en el barrio judío de Cracovia. Hasta 1939 Kazimierz era uno de los centros más importantes de la vida cultural judía. La ciudad polaca se ha ido  redescubriendo a sí misma como una metrópolis de la cultura europea-judía del Este.


50 años después de la catástrofe del Holocausto y el declive de la vida judía en Polonia, en 1992 tres graduados de la Academia de Música de Cracovia, Jerry Bawol (acordeón), Tomasz Kukurba (viola) y Tomasz Lato (contrabajo) trataron de redescubrir y revivir las tradiciones y la cultura de sus ancestros a través de la música. En 1993 los tres jóvenes músicos cracovianos grabaron su  primera cinta casete editada por ellos mismos llamada “música klezmer acústica”. Desde entonces han recorrido todo el mundo y han publicado más de una docena de trabajos.

Conocí a Kroke el día que cumplí 50 años. Josep Maria, alguien que es más un amigo que un familiar, me regaló “Seventh Tryp”, un variado abanico de música étnica y sonidos de Oriente, convencido de que me encantaría. Y así fue. Para empezar a hacer boca, la Dance of the snowflake. El video no es de muy buena calidad, es de un concierto que dieron en la Escuela Superior de Filología Hebrea durante la III Semana de la Cultura Judía 15-25 de mayo de 2013. Pero es un tema del álbum que me gusta mucho.


La identidad musical del trío está profundamente arraigada al klezmer, historia en forma de pentagrama de la población judía, en especial la del este de Europa, la que usa la lengua yiddish. Una gran tradición musical que se ha ido enriqueciendo con otros sonidos y ritmos hasta convertirse en un legado sonoro importantísimo. Cuando empezaron no podían llegar a imaginar la importancia que iban a acabar cobrando en el panorama de la música klezmer. Sin embargo, mediante la adición de elementos clásicos y de jazz, los tres excelentes instrumentistas van mucho más allá del alcance de klezmer; así, de una manera apasionada, conectan inmediatamente con los oyentes.

Inicialmente, Kroke tocaba sólo en los clubes y galerías situadas en Kazimierz, antiguo barrio judío de Cracovia. Pero Steven Spielberg se quedó prendado de ellos cuando los vio tocar en Cracovia, durante el rodaje de La Lista de Schindler. No solo llegó a  tocar el clarinete con el trío  sino que también los invitó a actuar en Jerusalén. A partir de entonecesw, la ascensión fue meteórica. En 1996 lanzaron su primer álbum "Trio". Un año más tarde, la banda, también había cautivado a Peter Gabriel que les pidió participar en el Festival Womad, uno de los más importantes del mundo, organizado por su propia discográfica. En él presentaron el disco “Eden”. Años después, cuando el cofundador de Génesis fue invitado al Life Festival de Oświęcim, pidió expresamente que Kroke tocara en este concierto y acabaron compartiendo escenario durante el último tema. Antes, Kroke había participado en festivales de música de toda Europa, junto con artistas como Ravi Shankar, Bustan Abraham, The Klezmatics, Van Morrison o Giora Feidman. También han colaborado con Nigel Kennedy, uno de los mejores violinistas clásicos de todos los tiempos, con quien han hecho infinidad de conciertos. “Lo que me atrae efectivamente en la música de Kroke es su realidad espiritual... es decir la sinceridad y autenticidad en esta música”  Su colaboración se vio plasmada en el disco “East meets East.


Durante su larga vida artística, Kroke ha sabido mantenerse, evolucionar y crecer. Si la banda inicialmente se asociaba a la música klezmer, actualmente oscila en torno a diversos géneros. Los artistas se inspiran en la música étnica de todo el mundo. Sin embargo, siempre enriquecen sus trabajos con sus propias improvisaciones. De esta manera Kroke crea su propio  estilo, único, que flota a través de las fronteras, las formas y el tiempo. Ellos definen su música como “la música de Kroke”, desmarcándose de cualquier etiqueta.


El repertorio de Kroke es instrumental y va desde el lamento hasta la danza festiva. En sus manos cualquier cosa puede suceder, y esa paradoja sobre las nuevas/viejas músicas llega a su punto álgido merced a una interpretación presumiblemente tradicional pero con un alto toque de modernidad en base a esa fusión y apertura de miras de los tres músicos. Sus interpretaciones pueden llegar a ser vertiginosas y arrebatadoras, pero también deliciosamente cadenciosas y envolventes sin perder un ápice de emoción. Kroke son pura magia musical.


Vale la pena parar una especial atención a este tema del álbum “Ten” en el que participa la cantautora y pianista polaca  Anna Maria Jopek, introduciendo una novedad en el repertorio de Kroke: la letra. Sin embargo, la composición encaja perfectamente dentro del reconocible estilo de Kroke, combinando bellas melodías con la improvisación y la melancolía.


Hace un par de años, cuando el grupo celebraba su 20 aniversario con el lanzamiento del álbum “Feelharmony”, la revista musical Diariofolk publicó una entrevista al trío: “La música debe despertar emociones” (…) “Si no despierta emociones es que algo va mal” afirmaron con rotundidad. Algo en lo que, seguramente, todos los que decidís pasaros por este espacio nocturno y alevoso estaréis de acuerdo.

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב


Fuentes:
- Radio3
- http://espiritudelsur.com/artistas/k-r-o-k-e-polonia/
-http://ocio.laprovincia.es/agenda/noticias/nws-239851-kroke-celebra-sus-veinte-anos-trayectoria-cicca.html
- https://lapoloniadelospolacos.com/2013/11/25/kroke-exportadores-de-klezmer-y-musica-etnica-desde-cracovia-al-mundo/

domingo, 27 de noviembre de 2016

Vinicius de Moraes en la Fusa

"Los mejores años de nuestra vida"

Sentada en mi estudio junto a Jesús en esta noche de domingo, mientras él se dedica a su podcast Pobrecito Satanás, le observo y, a veces, me siento algo empequeñecida por su sapiencia demostrada en temas musicales (y en casi todo)  Su sabiduría es amplía y su oralidad más aún. Tengo mucho que aprender, tal vez demasiado, pero el hambre musical es extrema, el tiempo escaso. Desde luego, puedo prescindir de muchas cosas en mi vida, de casi todas, menos de mi familia y, por supuesto, tampoco de la música.  Hoy he abierto la puerta de mi noche (o él me ha abierto las suyas) a Vinicius (el nombre de pila basta cuando se trata de alguien que es como de la familia) al que conocí en aquel ático de Sant Andreu en el que entraba la luz, la música y la juventud a raudales.

Vinicius de Moraes está en el grupo de músicos que te hace “sentir la música”. Así de simple. Ya hayas escuchado mucha o poca música, seas o no un pozo de sabiduría musical, es imposible permanecer indiferente ante la propuesta de Vinicius. Su música es arte, es pura magia, pura poesía que viaja por el tiempo. Y a lo largo de ese tiempo, la memoria enlaza los nombres según las leyes del corazón. Así quedaron asociados para siempre Vinicius y La Fusa, el mítico local, un reducto que albergó a gran parte de la comunidad artística entre 1968 y 1982, un espacio donde se mezclaban la bohemia de la época con miembros de la clase alta que acudían a ver y oír “lo mejor de lo mejor”. Por el escenario de aquel café-concert pasaron artistas como Chico Buarque, Astor Piazzolla, Mercedes Sosa, Les Luthiers... Por ello, uno de los discos de culto y, a la vez, uno de los más populares de la música brasileña es “Vinicius de Moraes en La Fusa” (1970) que el poeta grabó con Maria Creuza y Toquinho. Una obra que conserva un carisma impresionante y es uno de los discos brasileños que lleva más años en catálogo.

El poeta carioca, padre de la bossa nova, se conocía La Fusa desde bastante antes de la noche de 1969 en que apareció sobre el pequeño escenario, sentado a la mesa que le servía tanto para apoyar la botella de whisky, el vaso y el cubo de hielo indispensables, como para ocultar, siempre un poco coqueto, las señales que los tragos habían ido dejando a la altura de la cintura. Y antes de esa primera noche ya era familiar y prestigioso el nombre de La Fusa: la inaugural, en la Parada 10 de Punta del Este; la que hizo historia en Buenos Aires en la época de oro del café-concert, o la que protagonizó en Mar del Plata del 71 un verano musical memorable. Pero esa es otra historia.

Las representaciones de aquellos conciertos fueron un gran éxito; el pequeño local con capacidad para unas 100 personas se llenaba cada noche y circulaban los comentarios favorables que alimentaban la leyenda. El álbum es una auténtica celebración de la música (y de la vida) en la que se nota que los músicos lo están pasando bien, pero también es un disco con una desconocida historia que vale la pena comentar. Y es que para comenzar, “Vinicius de Moraes en La Fusa” no es un disco en directo, a pesar de que pueda parecerlo. De hecho fue el propio Vinicius quien sugirió, para lograr una mejor calidad de sonido, que las canciones fuesen grabadas en un estudio de Buenos Aires y que, después, se añadieran las voces del público. Parece que quienes asistían a ese local eran tan entusiastas, alegres y emotivos que valía la pena conservar el sonido ambiente.

En el disco aparece la voz de una joven cantante de Bahía que haría una larga carrera, Maria Creuza, y un joven guitarrista de nombre Antonio Pecci Filho pero que todos conocían con el sobrenombre de Toquinho. Durante dos noches se recrea, con unas mesas y amigos invitados, el ambiente del café-concert. No faltan, para dar mayor verosimilitud a la puesta en escena, “botellas de whisky y mujeres bonitas”. El poeta, compositor y cantante cuenta chistes, desgrana anécdotas relativas a cada canción, juega con el público, presenta a los músicos.

"Nos unió la amistad antes que la música"

Hoy en día, si se oye con atención el disco, se puede apreciar como Toquinho improvisa mientras Vinicius dirige unas palabras a su público; luego se escucha el corte de la grabación, y se nota el cambio de tono de la guitarra de Toquinho. Vinicius cuenta que aquellos fueron de los mejores años de su vida, donde no faltaron mujeres y whisky. Con su voz de cava, teñida por el tabaco y el alcohol, Vinicius canta como nunca lo hizo y se siente tan a gusto que nos explica varias historias como aquella en la que asegura que Josephine Baker había decidido adoptar a Toquinho, comentario que obviamente levanta las risas del supuesto auditorio.

Abre el disco el himno Copa do Mundo (ese mismo año Brasil ganó el mundial de Mexico) Alegría desbordante, felicidad absoluta. Después de este pequeño y divertido aperitivo, A Felicidade abre realmente el disco. En esta preciosa canción, una de mis favoritas, creada por Jobim y De Moraes cantan tanto Vinicius, como Toquinho y María Creuza. A la señora Creuza hay que darle de comer a parte; su voz aterciopelada nos pone los pelos de punta. La guitarra de Toquinho es un lujo que no sé si nos merecemos y los coros, ay los coros....


Conmueve escuchar lo que ya son clásicos de la música popular del siglo XX. Sorprende la frescura y expresividad de la voz de una Maria Creuza en estado de gracia, que en Tomara (Ojalá) o en Eu sei que vou te amar se apropia de dos canciones clave del tándem Jobim-Vinicius. En esta última, casi al final del disco, María nos canta y nos convence de que será así, que nos amará desesperadamente y para siempre.


Y siguen los temas: Que maravilha, Lamento no Morro, una tras otra canciones esplendidas, sublimes que te atraparán si no lo estás ya. Antes de la mítica y preciosa Garota de Ipanema a la que ya le dediqué una entrada en este blog en junio de 2015 (cómo pasa el tiempo) nos llega Canto de Ossanha que es una de las cimas de este "La Fusa".


Después de la Garota llega esa Samba em preludio, uno de los temas más bellos de la historia de la música en el que Maria Creuza hace un dúo memorable con la voz gastada y dulce del poeta. Toquinho exhibe toda su destreza como guitarrista, pone su voz acaso tímidamente en algunos momentos y lidera la pequeña orquesta que resulta ese trío ocasional eternizado en la grabación. 


         Minha namorada es otra joya oculta en el disco, un tema reposado, tranquilo, bellísimo que nos coge de la mano antes del cierre con Si todos fossem iguais a voce que nos deja totalmente hechizados.


Escuchar a Vinicius en "La Fusa" junto a Toquinho y María Creuza es enamorarse por primera vez. Es la magia de la música, independientemente de donde provenga. Es cerrar los ojos y dejarse llevar por la belleza de las voces y esos preciosos acordes. Un disco que no fue planificado, que pasó a la historia prácticamente fundando un sello independiente y que más de cuarenta años después se sigue disfrutando como el primer día. Los que lo tenemos en vinilo. Y a quienes no lo hayáis escuchado os auguro la certeza de una nueva adicción, porque este disco se escucha por primera vez pero nunca por última. 

Dejaos abrazar por ellos y esta noche dormiréis en paz. Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. Buonanotte. Boas noites.굿나잇 晚安 グッドナイト

Fuentes:
http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/concierto-toquinho-maria-creuza-la-fusa-jardins-de-                         pedralbes-5253336
http://jazzfunkbossaok.blogspot.com.es/2010/10/30-anos-sin-vinicius-recordando-la-fusa.html
http://www.clubdeldisco.com/resena/403_con-maria-creuza-y-toquinho_vinicius-de-moraes-en-la-fusa
http://www.exileshmagazine.com/2014/03/vinicius-de-moraes-la-fusa-1970.html                                

martes, 15 de noviembre de 2016

Leon Rusell se ha ido también

Adiós al escudero de las grandes leyendas del rock
           
El domingo me acosté con la noticia de otra muerte. El muro de Facebook de mi amigo Pedro Ignacio Tofiño me anunció que a la irreparable pérdida de Leonard Cohen y de Paco Nieva, se suma la de Leon Russell, el gran león revolucionario. El legendario músico y antiguo colaborador de Elton John, Bob Dylan y los Rolling Stones, tenía 74 años. Russell, que había sufrido un ataque al corazón a principios de este año, todavía se estaba recuperando de una cirugía en el momento de su muerte que, según su esposa Janet Bridges, se produjo en paz en su casa. Murió mientras dormía. Ojalá todos pudiéramos elegir.

           En su web oficial un comunicado lo define: "El maestro del espacio y el tiempo fue un músico y compositor legendario de Tulsa, Oklahoma, que interpretó su rock, blues y música country durante más de 50 años". Ayer quise publicar este obituario pero me costó tanto elegir los temas… ¡tanto!

Nacido en Lawton el 2 de abril de 1942, la carrera de León Russell abarcó un amplio arco de muchas generaciones y gustos diferentes en la historia americana. Russell no era solo un gran músico, era un icono, una inspiración para todos. Leon Russell surgió en los años 70 como uno de los ejecutantes y de los compositores más dinámicos del rock'n'roll después de tocar anónimamente en los años 60 en docenas de conciertos como pianista de sesión, Russell, que fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2011 de la mano de Elton John, había soportado una serie de problemas de salud en sus últimos años.

En 1970 tocó los corazones de millones con A Song for You. Desde entonces, la canción ha sido versionada y regrabada por Donnie Hathaway, Whitney Houston, The Carperters, Ray Charles y Amy Winehouse. Su legado continuará creciendo mientras nuevas generaciones de aficionados están descubriendo un patrimonio musical único.


       Pero si algo hace más grande a quien es grande son sus compañeros de viaje. A lo largo de 70 años, Russell trabajaría junto a músicos legendarios como Bob Dylan, George Harrison, Rolling Stones y Willie Nelson. En 1976, abandonaría Shelter Records, la discográfica que fundó junto a Denny Cordell después de ganar cinco discos de oro, para iniciar su propio sello Paradise Records. El sello pasaría a publicar varias de sus colaboraciones con su esposa Mary Russell.

Russell escribió varias canciones que muchos creen que son de otros, como Superstar y This Mascarade que muchos piensan que son de los Carpenters.  Así como  Delta Lady que cantaba Joe Cocker o Blues Power junto con Eric Clapton. También es autor de mucho del material que cantaban  The Monkees


No puedo pasar de largo del imprescindible Eric Clapton. No me he podido resistir.


Su primer disco (el que nos enganchó a toda una generación)  "Leon Russell", de 1970, es excelente. En él participaron Dylan, Harrison y Clapton, un anticipo de la genial reunión que se realizó en 1971.

Y es que el 1 de agosto de 1971, George Harrison organizó el sin duda mítico “The Concert for Bangladesh”, en el que Bob Dylan fue uno de los artistas invitados.  Dylan, junto con Harrison, Ringo Starr y Leon Russell tocaron varios temas: A Hard Rain's a-Gonna Fall, It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry, Love Minus Zero/No Limit, Blowin' in the Wind y una gran version de Just Like A Woman.



Volviendo a su mítico primer álbum, este tema Hummingbird me apasiona. 


Y éste, al más puro rock'n'roll. 


Los medios de comunicación social llevan dos días de tributos constantes hacia Leon Russell, sobre todo de sus contemporáneos musicales, que admiraron su influencia, talento y legado perdurable. Artistas de todos los extremos del género musical han alabado la larga carrera de Russell que Cat Stevens, por ejemplo, ha dicho que fue para él "una gran influencia".

                "Agradecemos a todos sus pensamientos y oraciones durante este tiempo tan, tan difícil", decía Janet Bridges en el citado comunicado. "Mi marido murió mientras dormía en nuestra casa de Nashville. Se estaba recuperando de la cirugía cardíaca en julio y esperaba volver a la carretera en enero. Apreciamos el amor y el apoyo de todos”.

           Pero el mayor elogio para Russell ha surgido como era de esperar, de Elton John, que durante mucho tiempo se había considerado una influencia directa de Russell.  Elton John ha dicho de él que fue su "mentor e inspiración" (“yo quería ser Leon Russell”). John prometió su eterno amor para su amigo y colaborador. A ambos les unió una colaboración bilateral llamada The Union.

"El álbum lo grabamos en cinta analógica, lo que hace que suene mejor", señaló John en declaraciones al diario británico  "The Independent". "Sabía que iba a ser un buen disco, pero ha resultado incluso mucho mejor de lo esperado. Y eso se debe a que Leon resucitó en el estudio. Había sufrido una semana antes una complicada intervención -le operaron durante cinco horas y medio en el cerebro- y no estaba en la mejor forma al principio". El dúo se fue de gira al poco tiempo y a partir de entonces se forjó una amistad alimentada por el trabajo de cada uno.

Se fue Leon Russell. Ya no volveremos a gozar de su increíble presencia con su larga melena y su barba inmortales.

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. Buonanotte. Boas noites.굿나잇 晚安 グッドナイ

martes, 1 de noviembre de 2016

Ray Charles, el padre del soul

Y el alma se le cristalizó con la nostalgia de los sueños perdidos. (Cien años de Soledad)

Gide dice que el infierno de esta vida es tener que elegir de entre un centenar de caminos sólo uno, y conseguir vivir sin nostalgia de los otros noventa y nueve. ¿Qué valor tiene la nostalgia del pasado? Quizás el pasado siga siendo el opio de los sentimentales. Lo peor que te puede pasar es tener un corazón nostálgico y una mente escéptica. 

Imagen del film Nostalghia de A. Tarkovsky
Quizás ha sido la nostalgia que, como comentaba ayer con mi compañera Carme Godia, invade a nuestra generación los días festivos -demasiado tiempo para pensar- la que me ha llevado hasta el pianista, cantante, arreglista y compositor Ray Charles, una de las principales figuras del soul. Un hombre cuya presencia, desde la década de 1950, ha sido perceptible en innumerables músicos y cantantes. Con su música y su poderoso estilo vocal personal, ha inspirado y guiado a las sucesivas generaciones de músicos de una manera que pocos pueden rivalizar. Hablamos de nombres como Steve Winwood, Aretha Franklin o Joe Cocker


Ray sintetizó a lo largo de su vida sus luchas, su dolor y su oscuridad personal con la misma efectividad con la que supo fundir en su arte una miríada de estilos musicales: el jazz, el rhythm &blues, el rock and roll, el gospel y el country. Su historia tiene un sentido muy distinto al de otros músicos: la cadena de eventos y logros se transforma en el vibrante y conmovedor trayecto de un genio único con una visión propia que enseñó al mundo a escuchar música de una forma nueva. Su arte se puede resumir de muchas maneras: cantante convincente, expresivo y versátil, artista carismático, ingenioso compositor... Pero aquello que, probablemente, puede ser más preciso y definitorio de lo que ha significado para la música es  "padre del soul"

Ray Charles comenzó su carrera después de que perdió la vista debido al glaucoma a la tierna edad de siete años. Sin embargo, él niega que ese hecho le empujara al mundo de la música ya que tocaba desde que tenía 3 años. A partir de esa tragedia, Charles desarrolla su talento musical mientras asiste a la Escuela de Florida para Sordos y Ciegos. 

Ganador de diecisiete Grammy’s, Ray Charles, llegó a tener un rol activo en lo que a justicia racial se refería, lo que le llevó a forjar una buena amistad con el legendario Martin Luther King en la década de los 60. Ray tuvo que luchar, aparte de contra su discapacidad y pobreza, contra las injusticias raciales de la época. Fue así como, al ser encarcelado Martin Luther King , Ray hizo lo que pudo para reunir recursos y ayudar, con ellos, a su amigo y a la causa común. Pero no solamente se le reconoce por aquella lucha, sino también por crear en 1987 la Fundación Ray Charles para la prevención de la sordera, institución que hasta el momento presta servicios a personas así como también realiza investigaciones en la materia.

La revista Rolling Stone lo nombra #10 en su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos. En 2009 publica la lista de los 100 mejores cantantes de la historia, los cuales han sido elegidos por cantantes y personas relacionadas con la música. Entre todos ellos Ray fue nombrado como mejor cantante masculino y como el segundo mejor cantante de todos los tiempos, sólo superado por Aretha Franklin.

Elegir una muestra de los grandes éxitos de Ray Charles no es tarea fácil. Nunca lo es en este bloc. Así que, como siempre ocurre en este espacio propongo aquellos temas que a mí me llegan por uno u otro motivo. Canciones, en este caso, que me llenan de nostalgia.

Empecemos con I Can't Stop Loving You. Charles le dio su toque soul a este tema country, primer single extraído del álbum "Modern Sounds in Country& Western". Esta arrolladora balada se mantuvo en las listas de rhythm & blues de Billboard durante 10 semanas seguidas, vendiendo más de un millón de copias.


Seguimos con Georgia on My Mind. Esta canción no era suya ni fue el primero en interpretarla, pero la elevó a un nivel al que ningún otro cantante pudo llegar. La canción no solo es un auténtico icono en la música estadounidense, sino que fue nombrada en 1979 canción oficial del estado de Georgia, donde Ray Charles había nacido 49 años antes, en 1930. Supuso un nuevo impulso en su música, que acompañó su dulce canto con un sentido coro y una orquesta de cuerda en vez de con las habituales Raelettes.


What'd I Say 1 & 2 Para muchos este éxito de 1959 expresa el estilo definitivo de Ray Charles, con su piano eléctrico y un esquema vocal de llamada y respuesta rebosante de sensualidad primaria. Fue interpretada en vivo una noche y la gente respondió tan favorablemente a ella que Charles decidió grabarla. En su momento, la canción fue vetada por varias emisoras de radio pero en 2003 la Biblioteca del Congreso decidió preservarla como una de las grabaciones más significativas de la historia de la música americana.


En 1972, Charles presta su voz a America the beatiful, un clásico de 1895, una canción americana que provoca más de una lágrima en los ojos de muchos de los que lo escuchan. 


A song for you es una canción escrita y grabada originalmente por el cantante y pianista Leon Russell para su primer disco en solitario que fue lanzado en 1970. Ray Charles grabó una versión que ganó en 1993 el Grammy al mejor vocalista masculino.


La historia de este genio de la música ejemplifica el triunfo del ser humano por encima de las adversidades y obstáculos: Ser huérfano (perdió a su madre con 15 años), haberse criado en un pueblo de Georgia, al sur de Estados Unidos, en medio de una pobreza inimaginable, donde los negros ocupaban el escalón más miserable. “Por debajo de nosotros solo estaba el suelo”, recordaba él. Superar también la adicción a la heroína y, claro está, ser ciego.

Ray Charles preso por posesión de heroína
Charles tiene, además,  uno de los discos póstumos más exitosos de la historia “Genius Loves Company” que grabó pocos meses antes de morir. Es un disco de duetos en el que comparte micrófono con B.B King, Elton John o Natalie Cole. El disco se llevó el Grammy al mejor disco del año y siete premios más. Ray Charles no paró de trabajar hasta el final. Además de grabar este disco, actuó en su concierto número 10.000 dos meses antes de morir, y colaboró en Ray, sus memorias cinematográficas en las que Jamie Foxx se llevó un Oscar por encarnarle en la gran pantalla.

Pero si hay un álbum que me apasiona (sin pasión difícilmente la música te llega al corazón) es “Blues + Jazz” de 1994. Combinando el trabajo más temprano y más blues de Charles para Atlantic con algunos de sus mejores trabajos de jazz en un paquete de 2 CD. Esta selección de temas nos muestra que Ray Charles puede funcionar admirablemente en cualquiera de los dos regsitros. O tal vez dice que no importa el estilo, que Ray Charles siempre fue su propio estilo. Para la generación más joven, que sólo conoce a Ray como el "viejo hombre del anuncio de Pepsi" y que están familiarizados con sólo sus grabaciones populares y de más éxito comercial, o para quienes quieran llegar a las raíces de la verdadera alma de Ray Charles, “Blues + Jazz” es para vosotros. Aquí os dejo una muestra: nostalgia en estado puro.


Me voy a dormir, no por cansancio sino por nostalgia de los sueños (Gracias, Gabo, por prestarme esta noche tan bellas palabras) Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. Boas noites. 굿나잇 晚安. Buonanotte. グッドナイ

jueves, 13 de octubre de 2016

Bob Dylan, Premio Nobel de Literatura 2016

Me he dado cuenta de que Bob Dylan se ha hecho el escurridizo todo este tiempo. Alguna vez lo he cazado al vuelo, antes de que otra música se metiera en mi cabeza, pero a la hora de la verdad nunca lo traje hasta aquí. Supongo que le tengo mucho respeto. De él poco (o nada) queda por decir. Y aunque su Blowin' In The Wind es y será siempre un himno, por eso, porque lo es, sentía que no necesitaba un hueco en mi espacio nocturno.


Sin embargo, hoy mi amigo Ovi me ha mandado un whatsapp con la noticia del día: Bob Dylan, el laureado poeta de la era del rock, cuyo trabajo ha influenciado a generaciones de compositores y ha sido intensamente analizada por los fans, críticos y académicos, ha sido galardonado con el Premio Nobel de Literatura. Y con la noticia una aseveración: “vas a tener que dedicarle una entrada en tu blog”. Difícil substraerse a ello; es casi una obligación.

La elección de Dylan para el máximo galardón literario del mundo, aunque ya fue propuesto en 2013, ha sido una sorpresa. Es la primera vez que tal honor ha ido a parar a un músico. 
La Academia Sueca, en su comunicado, atribuye al cantautor "Haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición de la canción estadounidense". Así lo dijo Sara Danius, secretaria permanente de la Academia: "Durante 54 años Bob Dylan ha estado inventándose a sí mismo". "Es un gran poeta en la tradición de habla inglesa". Y lo comparó con Homero y Safo cuyo trabajo fue hecho público oralmente. A Danius se le preguntó si la decisión de otorgar el premio a un músico señala una ampliación de la definición de la literatura a lo que respondió, "Los tiempos están cambiando, quizá" haciendo referencia a una de las canciones de Dylan.

El premio redefine drásticamente los límites de la literatura y supone un ir más allá de las viejas categorías de arte mayor y menor por las que se rigen los premios Nobel (y tantos otros) , categorías que, por cierto, la han estado colapsando desde hace mucho tiempo. Así Dylan, con sus 75 años, se une a un panteón que incluye TS Eliot, Gabriel García Márquez, Samuel Beckett o Toni Morrison, el último estadounidense en conseguir el Nobel, en 1993. Ahí es nada.

Pero  a pesar de lo sorprendente que ha supuesto el premio, no es la primera vez que la Academia Sueca ha sido laxa en su definición de literatura. En 1953, Winston Churchill recibió el premio, en parte como reconocimiento de las cualidades literarias de sus crecientes discursos políticos y su "brillante oratoria en la defensa de los valores humanos exaltados". Y muchos se sorprendieron el año pasado, cuando el premio fue para la periodista bielorrusa Svetlana Alexijevich por  "sus escritos polifónicos, un monumento al sufrimiento y al coraje en nuestro tiempo” Aun así, Dylan es quizás la opción más radical en los 115 años de historia del premio de literatura.

Pero ¿tienen las letras de las canciones el mismo valor que la poesía o las novelas?  "La mayoría de las letras de canciones en realidad no se sostienen sin la música" opina el poeta Billy Collinspero Bob Dylan se encuentra en el centro de un dos por ciento de los compositores cuyas letras lo son con solo leerlas, incluso sin la armónica y la guitarra. Creo que eso se califica como poesía". Ya en 2013, Bill Wyman, el exbajista de los Rolling Stones dijo en el diario estadounidense The New York Times: “Su lirismo es exquisito. Está demostrado que sus temas son eternos. Pocos poetas habrán sido más influyentes"

La elección ha sido aclamada en todo el espectro cultural y político. En Twitter, el presidente Obama ofreció "Felicitaciones a uno de mis poetas favoritos", mientras que Rosanne Cash, compositora e hija de Johnny Cash, escribió simplemente: "Santa Madre de Dios. Bob Dylan gana el Premio Nobel". Pero, naturalmente, también ha levantado muchas críticas. Si clacais aquí podéis comprobar la controversia suscitada.

Para mí, Bob Dylan es un poeta feroz y sin concesiones. Su trabajo ha permanecido a lo largo del tiempo totalmente carente convencionalismos. Su lirismo es exquisito; sus preocupaciones y temas son demostrablemente atemporales. Pocos poetas de cualquier época han tenido con su trabajo más influencia.

Aunque no le han dado el Nobel por ello, es sabido que Dylan escribía prosa formidablemente, como ha demostrado en Crónicas, su excepcional autobiografía, repleta de reflexiones majestuosas, construida con una manera de narrar sus vivencias con un tono sublime. Se puede decir que su novela Tarántula no era exactamente una maravilla, pero era magníficamente desconcertante. Dylan siempre amó la poesía de Federico García Lorca y tomó el nombre de Tarántula del poema de Federico, La Guitarra, que decía: La Tarántula teje una gran estrella, parte de Las seis cuerdas, de la obra de Lorca.

Pero hablemos de sus canciones. Dylan apareció en la escena musical de Nueva York en 1961 como un artista en la tradición de Woody Guthrie, cantando canciones protesta y rasgueando una guitarra acústica en clubes y cafés de Greenwich Village. Desde el principio, Dylan se destacó por unas letras deslumbrantes y un estilo de composición que supuso una fuente de fascinación para los artistas y críticos. En 1963, el grupo de folk Peter, Paul y Mary alcanzó el número 2 en la lista pop de Billboard con una versión de su canción Blowin’ in the Wind  Durante la marcha de agosto del 63 a Washington, con el reverendo Martin Luther King, el trío hizo una inolvidable versión que dejó perplejo al mismo Bob Dylan.


Imposible, pues, no hablar de Blowin 'in the Wind la composición que hizo de Dylan la institución que es hoy. El tema que abría su segundo disco era mucho más que una bonita melodía: capturó el espíritu de la época y, quizás sin quererlo, puso la voz de los segregados como tema central en una época de revolución en Norteamérica. La canción correcta en el momento indicado. Blowin’ in the Wind es la poesía hecha protesta, o viceversa. Le habló a una generación completa sin quererlo,  y de ahí en adelante su vida fue otra. Su mágica melodía parece pertenecer al universo, pero está en parte tomada de un tema tradicional de los negros en el 1800 llamado Many Thousand Gone. Quizás ese origen explique su fuerza espiritual. Su letra la conocemos todos.


La Guerra de Vietnam marcó a fuego a toda una generación. Rabia, angustia, ira. Todo junto y revuelto en plena guerra fría. Cuando EE.UU. comenzaba a intervenir Vietnam y el año en que su presidente John F. Kennedy era asesinado a tiros Dylan escribe Masters of War (Los maestros de la guerra) 1963.


Ustedes, que fabrican las grandes armas
Ustedes, que construyen los aviones de la muerte
Ustedes, que construyen todas las bombas
Ustedes, que se esconden tras los muros
Ustedes, que se esconden detrás de escritorios
Sólo quiero que sepan
Que puedo verlos a través de sus máscaras.

"Nunca había escrito algo así antes", contó Dylan en una entrevista. "No canto canciones para desearle la muerte a gente, pero no pude evitarlo en esta".

 A hard rain's a gonna fall (Dura lluvia va a caer) está onsiderada como "la mejor canción de protesta escrita por el mejor autor de protesta de todos los tiempos" por la revista especializada Rolling Stone. Esta pieza de siete minutos habla de un padre que pregunta a sus hijos qué ven y estos le describen fotografías apocalípticas. 


Vi a un recién nacido rodeado de lobos salvajes
Vi una autopista de diamantes que nadie usaba
Vi una rama negra goteando sangre fresca
Vi una habitación llena de hombres cuyos martillos sangraban
Vi una escalera blanca cubierta de agua
Vi diez mil oradores de lenguas rotas
Vi pistolas y espadas en manos de niños pequeños
Y es dura, dura, dura
Muy dura la lluvia que va a caer.

"Cada línea es el principio de una canción en sí misma", explicó Dylan en la época de su lanzamiento (1963). Pero al escribirla no creyó tener suficiente tiempo para escribir cada una de ellas "así que las puse todas juntas en esta"

En pocos años, Dylan estaba transformando la noción misma de la música popular, con canciones cada vez más complejas evolucionando hacia un sonido más rock 'n' roll. En 1965, tocó con una banda de rock eléctrico en el Festival Folk de Newport, creando una enorme controversia entre los puristas populares que lo acusaron de venderse.

Like a rolling stone es uno de los clásicos indiscutibles del rock and roll que marcó una época. Nombrada la mejor canción de todos los tiempos por la revista Rolling Stone, en 2004, este tema ha influido en generaciones y generaciones de músicos. Sin embargo, el día de su estreno, fue vista por los fans de Dylan más puritanos como una auténtica traición. El paso del clásico folk a los sonidos del rock les parecía imperdonable.  Dura más de 6 minutos pero a mí, personalmente, me encanta. Si es o no la mejor canción de todos los tiempos supone sin duda un tema para el debate. Pero no podemos negar que el tono acusatorio de todo el tema es clave para el éxito:


Nunca te diste vuelta a observar los ceños fruncidos
De los malabaristas y payasos que hacían trucos para ti
Nunca entendiste que no es bueno
Dejar que otra gente reciba los golpes que son para ti".
(…)
"¿Cómo se siente? ¿Cómo se siente?
Estar completamente solo, sin saber el camino a casa
Ser un completo desconocido, como una piedra que rueda.

De aquella época también, 1965, It's alright Ma (Está todo bien, ma) Esta canción la escribió en Woodstock un año antes. 40 años después, haciendo una retrospectiva, Dylan aseguró que ya no podía escribir canciones como esta "No sé cómo escribí esas canciones. Me trato de sentar y escribir algo como eso. Lo hice alguna vez y puedo hacer otras cosas ahora, pero eso ya no lo logro". La letra es larguísima pero este verso…. "Aquel que no está ocupado naciendo, está ocupado muriendo".


Después de un accidente de motocicleta en 1966 cerca de su casa en Woodstock, Nueva York, Dylan se alejó de la vida pública, pero se mantuvo intensamente fértil como compositor.

"Hay que ser honesto para vivir fuera de la ley". Una frase que ha dado la vuelta al mundo desde su lanzamiento en 1966 y sigue dándola. Es parte del disco "Blonde on Blonde", el cual recomendó la secretaria del comité del Nobel de Literatura para entender la poesía del autor. Absolutely Sweet Mary (Absolutamente dulce María)


Su álbum de 1975 "Blood on the Tracks" se interpretó como una cuenta sumamente potente de la ruptura de una relación, pero sólo cuatro años más tarde los temas cristianos de "Slow Train Coming" dividió a los críticos.  Desde 1988, Dylan ha estado de gira casi constantemente, inspirando un nombre no oficial de su itinerario, la Gira Interminable.

Muchos son los álbumes de Dylan que la Academia Sueca afirma que han tenido "un tremendo impacto en la música popular," "Bringing It All Back Home" y "Highway 61 Revisited" (1965), "Blonde on Blonde" (1966), " Blood on the Tracks "(1975)," Oh Mercy "(1989)," Time Out Of Mind "(1997)," Love and Theft "(2001) y" tiempos modernos "(2006).
Dejaré aquí una muestra de aquellos temas que han pasado a la historia como clásicos de la música, y que ahora suman un importante nuevo mérito para este Nobel.


La academia ha añadido: "Dylan tiene la condición de un icono. Su influencia en la música contemporánea es profundo, y él es el objeto de un flujo constante de la literatura secundaria".

Enhorabuena, Mr Dylan. Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. Buonanotte. Boas noites.굿나잇 晚安 グッドナイト


Fuentes:
http://www.bbc.com/mundo/noticias-37644233
http://www.lavanguardia.com/musica/20161013/41974268469/bob-dylan-premio-nobel-canciones.html

http://www.elmundo.es/cultura/2016/10/13/57ff7ca7e2704ecd308b4587.html