domingo, 27 de febrero de 2011

Wagner – Lohengrin

El post de esta noche es una deuda que tengo con “Unquenoesmigsuec” , mi amigo Martí, un hombre sensible como pocos, que me ha regalado esta mañana este fragmento de la ópera “Tristán e Isolda” del gran Wagner, dirigida en 1951 por  el mismo Toscanini




La composición de Lohengrin, una historia apasionante.

Pero si hay una pieza de Wagner que me transporta y me emociona es la Opertura de Lohengrin, una obra que me parece inmensa. En esta ópera se empezó a perfilar el estilo puramente wagneriano.

Una curiosidad de esta ópera de tres actos compuesta entre 1846 y 1848, es que Wagner compuso primero el tercer acto, luego el segundo y finamente el primero. 
Wagner estaba en París cuando leyó un poema anónimo alemán del siglo XIII, “Lohengrin, el caballero del cisne” un héroe de los mitos europeos medievales que sería absorbido por la leyenda artúrica, como hijo de Parsifal (Perceval), el caballero del Grial.
El propio Wagner reconocería: “allí, de repente, apareció ante mis ojos un Lohengrin completo en cada detalle del contexto dramático; particularmente la saga del cisne, que envuelve rasgos tan significativos del conjunto de mitos que estudié y conozco, y que ha ejercido una enorme fascinación en mi imaginación”.

Pero fue en 1845 cuando Wagner empezó a trabajar en Lohengrin. Aunque el compositor estaba agotado y necesitaba descansar, aunque intentó relajarse, decidido a evitar componer, aunque luchó duramente contra esa fascinación que le llevaba atormentando meses, a pesar de los consejos médicos, acabó dejándose llevar por la pasión hasta acabar el boceto de lo que sería su ópera, la que marcaria su estilo en adelante: “un mundo nuevo se abrió delante de mí, y creí que en aquel instante no podría encontrar la forma de concebir a este Lohengrin, mas su imagen persistió inextinguible dentro de mí hasta conseguirlo”.




Lohengrin tiene un argumento espiritual. En ella Wagner comienza a utilizar los argumentos dramáticos y musicales que conformarían la gran obra wagneriana. Y es que Wagner estaba obsesionado con un número de ideas básicas que desarrolló, adaptó y combinó a lo largo de su carrera. Ideas musicales, filosóficas, místicas y mitológicas formaban una compleja red de conceptos relacionados en su imaginación. A menudo, el compositor cambiaba de opinión sobre el significado de una imagen o historia favorita a medida que sus conceptos filosóficos y políticos evolucionaban. Pero el tema de la pureza y la raza iban a más.

La ópera se estrenó dirigida por Franz Liszt el 28 de agosto de 1850 en Weimar. Fue un éxito inmediato. Wagner escribió a Liszt sobre la puesta en escena de Lohengrin, insistiendo en que se respetaran sus indicaciones escénicas, y que en caso de no poder cumplirlas, mejor que se retirara la obra. No se andaba con chiquitas nuestro gran compositor.

Es bien cierto que Wagner fue usado por los nazis como un profeta. Y que una bestia como Hitler se emocionaba bañado en lágrimas con Lohengrin. Pero, como dijo el polémico director de cine Werner Herzog, hace años en el diario El País: "Wagner no es el responsable de Hitler"
Sin embargo hay gente que dice que le odia por ello sin haber oído una nota de él.

Espero que no sea vuestro caso.

sábado, 26 de febrero de 2011

Paul Simon

Algunas canciones nos transportan irremediablemente a la melancolía.

Este tema de Paul Simon forma parte de nuestro imaginario íntimo y personal, parte de nuestra complicidad, de nuestras emociones. Lo es por Paul Simon y lo es por Magritte, uno de los pocos ídolos de quien duerme a mi lado cada noche.

Rene and Georgette Magritte with their dog after the war

El video original era perfecto, con imágenes del propio Magritte y de cuadros del pintor, pero no lo he encontrado. Los derechos de autor que impiden compartir la belleza si no es por dinero, me han quitado el caramelo de la boca. La última vez que compartí este tema eché mano de goear, pero hace ocho meses alguien colgó este video en youtube. Al menos fijaremos nuestros ojos en la mirada limpia y profunda de Paul Simon, el pequeño-gran músico.  La gran persona. ¿Para qué hablar de él? Paul Simon es un hito, un mito y un referente de la música mundial. Imposible dedicarle la extensión que se merece.



Es fácil cerrar los ojos y, siguiendo la música, imaginar una tarde de invierno y una pareja que, cogida del brazo y con un perro a su lado, camina por la calle, a esa hora en la que la gente empieza a tener prisa por refugiarse del frío.
Es fácil verlos, luego, a través de la ventana de la habitación del hotel, ya a salvo del frío y de las miradas extrañas, solo iluminados por la luz de la luna, bailando abrazados al ritmo de The Moonglows.

Después de la guerra
volvieron a la habitación de su hotel
y abrieron la puerta.
Mientras se despojaban despreocupadamente de sus ropas de fiesta
se pusieron a bailar a luz de la luna
con la música de los Pingüinos,
de los Reflejos de Luna,
de las Oropéndolas
y de los Cinco Satenes,
esa música profunda tan prohibida
que llevaban anhelando mucho tiempo.

René y Georgette Magritte
con su perro después de la guerra.
René y Georgette Magritte
con su perro después de la guerra,
mientras paseaban por Cristopher Street
se detuvieron ante una tienda para hombres
cuyos maniquíes estaban vestido a la última moda
y se les saltaron las lágrimas en sus ojos de inmigrantes.

Como con los Pingüinos,
con los Reflejos de Luna,
con las Oropéndolas
y con los Cinco Satenes.
Un torrente de risa contagiosa
inundó el aire.

René y Georgette Magritte
con su perro después de la guerra .
Uno al lado del otro
se quedaron dormidos.
Las décadas pasarán arrastrándose como indios.
El tiempo es barato.
Cuando se levanten encontrarán
que todos sus efectos personales
se han hecho un ovillo.

René y Georgette Magritte
con su perro después de la guerra
cenaban con la élite del poder.
Y les registraron el cajón de su dormitorio
y ¿qué creéis que habían escondido
en el gélido armario de sus corazones?
A los Pingüinos,
a los Reflejos de Luna
a las Oropéndolas
y a los Cinco Satenes.

Por siempre jamás,
como fue en un principio,
René y Georgette Magritte
con su perro después de la guerra.

Con la traducción al castellano de los nombres de los grupos musicales (los Penguins, los Moonglows, los Orioles y los Five Satins) tan sólo pretendo mantener el clima surrealista y onírico de la canción que el autor ha sabido crear en su idioma original, pues pingüinos y oropéndolas actúan tanto como el nombre de formaciones doo-woop de los cincuenta como posibles objetos de un cuadro de Magritte.


La pretensión del pintor de lograr una imagen que resistiera toda explicación y esquivase cualquier posibilidad de indiferencia, fue constante en toda su obra. La búsqueda constante de la transformación de la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan.

Un maravilloso mundo más allá de la música. Sublime.

jueves, 24 de febrero de 2011

Ravi Shankar y Yehudi Menuhin

Esta noche, algo diferente, rompiendo el tono que nos caracteriza. Pero ¡trasmite tanto!

Me enamoré de este álbum increíble “East Meets West", una colaboración entre Yehudi Menuhin, Ravi Shankar , en 1980, unos 7 u 8 años después de que dos de los más geniales y sorprendentes músicos del mundo se reunieran.

En 1966, en Bath y en 1967 en la de las Naciones Unidas,  Menuhin compone duetos con el famoso sitarista indio Ravi Shankar, que compuso la pieza Prabhati en solitario para él.

Cuando el embajador, Yehudi Menuhin viajó a la India en 1951, escuchó al joven y brillante sitarista Ravi Shankar.  Shankar había oído tocar en París a Menuhin, unos veinte años antes.  Se hicieron amigos al instante.  Menuhin comenzó a estudiar las formas musicales de la India antigua y compleja. La colaboración entre ambos es una espectacular mezcla de Oriente y Occidente creando arte en su forma más pura.

 A la muerte de Menuhi, Shankar escribió en la portada del álbum: "Parece tan injusto que el querido Menuhin, con tan buena salud y energía nos dejara de forma tan inesperada.  Yo estaba tan sorprendido… y me lo podía creer cuando me enteré de la triste noticia.  Menuhin no sólo fue un músico excepcional sino, también, un gran ser humano.
¡ Desde su infancia le dio tanto al mundo … hasta su último aliento!  Nuestra relación fue muy singular.  Hemos tenido algunos de los momentos más bellos, tanto en la música y en nuestra amistad.  Era más que un hermano para mí.
Lo echo de menos ...... Dedico este CD a él con todo mi amor y respeto. "  ... 
RAVI SHANKAR

martes, 22 de febrero de 2011

Natalie Merchant

Me es difícil encontrar cada vez que lo deseo un tema que consiga lo que me propuse al crear este blog: definir mi estado de ánimo o aprehender la calma que no hay fuera de este espacio nocturno. Pero, al final, la música SIEMPRE está ahí, esperándonos.

La cantante neoyorquina Natalie Merchant es otra de mis voces femeninas favoritas (es difícil elegir), una artista con una sólida, coherente e inteligente carrera que ha dado lugar a una obra profunda y madura, con temas excitantes y emocionantes como pocos, realzados por una voz expresiva, melancólica y cálida de una extraña y cautivadora belleza. Sus letras con verdadera conciencia social la ubican entre las mejores artistas femeninas del pop contemporáneo

Aunque, quizás, para vosotros tan solo sea la ex-cantante de 10.000 Maniacs, una banda que llenó las décadas de los 80 y 90 de referencias intelectuales y literarias, y que cosechó cierto éxito en nuestro país.

Si investigáis por la red descubriréis que Natalie no es una cantante al uso, ni una de esas artistas que suben al escenario a desgranar canciones, una tras otras, sin ton ni son, en función de sus necesidades monetarias. Tampoco es de esas otras que tratan de apabullar a su público con demostraciones de poderío o divismo al piano, instrumento que domina de forma virtuosa. Ella, Natalie, no es una más.

La canción de esta noche “My Skin” ( Mi piel) es una canción incluida dentro del álbum "Ophelia" que Natalie lanzó al mercado en el año 1998. Hay quien cree que habla de maltrato y quien capta en ella  una historia de desamor.

Sea como sea, escucharla es una invitación a que nuestros sentimientos vuelen.


Mira mi cuerpo
mira mis manos...
hay tanto aquí que no entiendo...

Tu cara ahorra promesas,
susurradas como rezos;
No las necesito.

He sido tratada tan mal
durante tanto tiempo...
que me he vuelto intocable.

Al desprecio le gusta el silencio
que avanza en la oscuridad
rodeado de aros
que estrangulan al corazón.

Ellos dicen que las promesas
suavizan el golpe
pero no las necesito
no, no las necesito.

He sido tratada tan mal
durante tanto tiempo
que me he vuelto intocable.

Soy una flor que muere lentamente
a causa de la helada
El dulce volviéndose amargo, e intocable.

Necesito la oscuridad
el cariño,
la tristeza,
la debilidad...
lo necesito.

Necesito un susurro,
un beso de buenas noches,
el amor de un ángel en mi vida...
... lo necesito.

Soy una flor que muere lentamente
a causa de la helada
dulce volviéndose amargo e intocable.

¿Recuerdas la forma,
en que me tocaste antes?
de toda la dulzura que amé y adoré...

Tu cara ahorra promesas
susurradas como rezos...
No los necesito.

Necesito la oscuridad
el cariño,
la tristeza,
la debilidad...
lo necesito.

Necesito un susurro,
un beso de buenas noches,
el amor de un ángel en mi vida...
... lo necesito.

¿Es suficientemente oscuro?
¿Puedes verme?
¿Me deseas?
¿Puedes alcanzarme?
O me estoy yendo..?

Mejor cállate,
sostén el aliento,
bésame ahora
y llévate la muerte
que hay en mí...  
Lo digo en serio
Lo digo en serio.

domingo, 20 de febrero de 2011

Sacco e Vanzetti

Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti (zapatero, uno, y vendedor ambulante de pescado, el otro) fueron dos anarquistas e inmigrantes italianos acusados de haber asesinado a dos hombres en un robo a mano armada en 1920 en South Braintree, Massachussets.  El 23 de agosto de 1927 fueron asesinados en la cárcel de Charlestown por el cruel método de la silla eléctrica después de un juicio irregular. Habían pasado más de siete años en la cárcel, en un país crispado por el odio y el terror ante los extranjeros progresistas.

Su ejecución fue un escarnecimiento contra la creciente fuerza del proletariado norteamericano compuesto, mayoritariamente, como pasa actualmente, por inmigrantes que reclamaban mejores condiciones de vida. Sin embargo acabaría suscitando un movimiento popular internacional en contra de dichas irregularidades y como crítica al sistema judicial americano. La ejecución de Sacco y Vanzetti fue llevada al cine en 1971, en plena guerra fría, por Giuliano Montaldo.

La impactante partitura de la película se popularizó gracias a la bella Balada de Sacco y Vanzetti cantada por Joan Baez, con música de Ennio Morricone. El compositor, además, escribió Here´s to You (Esto es para Usted) una exquisita melodía dramática, a modo de réquiem, con la que dignificó a los personajes en su calvario y que se aprovechó en el filme como principal sustento emocional y de denuncia. Sacco e Vanzetti, así, se convirtieron en símbolos de libertad en EUA así como en el resto del mundo

Hoy al escucharla nuevamente me sigue dejando consternada como la primera vez que la oí.



BALADA DE SACCO I VANZETTI (I)

Dadme a vuestros cansados y a vuestros pobres,
vuestras masas agrupadas anhelando respirar libres,
la basura desgraciada vertida en tu orilla,
envíame a estos, a los que no tienen hogar,
a los sacudidos por la tempestad, a mí.
Benditos sean los perseguidos,
y benditos sean los puros de corazón;
benditos sean los misericordiosos,
y benditos sean los que están de luto.
El paso es tan duro que rasga las raíces
y dice adiós a los amigos y a la familia.
Los padres y las madres sollozan,
los niños no pueden comprender,
pero cuando hay una tierra prometida
los valientes irán allí y otros les seguirán.
La belleza del espíritu humano
es la voluntad para intentar nuestros sueños,
y por eso las masas se vierten a través del océano
hacia una tierra de paz y esperanza,
pero nadie oyó una voz o vio una luz
cuando se tambalearon en la costa
y nadie fue recibido con el eco de la frase
Alzo mi lámpara detrás de la puerta dorada.
 Benditos sean los perseguidos,
 y benditos sean los puros de corazón;
benditos sean los misericordiosos,
y benditos sean los que están de luto.

Vanzetti tenía dos hermanas a las que escribió asiduamente desde la prisión. Aunque nunca compartieron sus ideales anarquistas, se decidieron a publicar sus cartas ante la grandeza de corazón de su hermano, un ejemplo de humanidad, respeto y tolerancia.  

“Pronto, los hermanos no se batirán con sus hermanos; los niños ya no serán privados del sol, ni alejados del verdor de los campos; ya no está lejano el día en que ha de haber un pan para cada boca, un lecho para cada cabeza, felicidad para cada corazón”.

“No se avergüencen de mí -escribe en otro momento desgarrador-. Vendrá un día en que mi vida se conocerá tal cual es, y entonces todos los que se llamen Vanzetti se sentirán contentos y orgullosos de su apellido”.

Como dijo Albert Einstein “El caso de los dos anarquistas italianos demuestra que las instituciones democráticas más minuciosamente estudiadas no son mejores que los individuos que las usan como instrumento”.

viernes, 18 de febrero de 2011

Ara Dinkjian

¿Sabríamos situar en un mapa Armenia? ¿Y explicar algo de su historia? ¿Y de su situación actual? ¿Y qué sabemos de su música?

Me es muy difícil explicar con palabras las emociones y sensaciones que me provoca desde que oí por primera vez hace años la música de Ara Dinkjian. La mayoría de sus composiciones tienen un nivel de introspección nocturno y alevoso que nos envía a las fronteras de nuestra capacidad de sentir. Considerado uno de los mejores intérpretes de laúd del mundo su éxito “Dinata” fue oído en la clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004.

Este músico estadounidense de origen armenio es el fundador de la banda Night Ark, junto a Arto Tunçboyaciyan (al que otra noche os propondré que le dediquemos juntos nuestra atención), con el que grabó en dúo “Tears of
Dignity” y “Onno”, dos maravillosos álbumes en los cuales la música “tiene el sonido de mi vida” usando las palabras de Arto.

Ara Dinkjian tiene perfectamente desarrollada esa naturalidad con la que los grandes músicos comprenden a los pueblos, sobre todo al propio. Su música está dotada de una potente carga emotiva, alegría, rabia, tristeza, ensoñación y sobretodo, nostalgia.

Es necesario conocer un poco de la cultura y de la historia de este pueblo para entender de dónde surgen todas estas emociones y sentimientos. El genocidio y la diáspora provocan que los músicos, lógicamente, no pierdan sus raíces. Pura supervivencia. Por eso, Ara colabora constantemente con algunos de los mejores solistas mediterráneos contemporáneos. Su punto de encuentro, situado entre los Balcanes y el Mediterráneo oriental, ha dado lugar a fabulosos trabajos.

Para entender a Ara Dinkjian hay que tener en cuenta que la mitad de los armenios han nacido fuera de Armenia pero que su filosofía es acoplarse a la cultura del país receptor sin olvidar la propia. Como sus compatriotas, Dinkjian interpreta música con el corazón armenio, sin duda. Su virtuosismo se manifiesta especialmente en las improvisaciones y los temas que interpreta, basados en las raíces de su pueblo pero también con influencias de los EEUU. El toque de jazz da como resultado un sonido nostálgico que a su vez resulta muy familiar. Ara Dinkjian es un auténtico armenio en América.  

miércoles, 16 de febrero de 2011

Quique González

De Quique González no había compartido nada aún (muy mal por mi parte) y ya va siendo hora. Seguramente es un desconocido para los no muy amantes de la música de autor. Sin embargo, los cantautores actuales parecen haber encontrado en él un claro ejemplo del saber hacer y de la constancia.

En el mundo de los negocios musicales Quique González es el cantante proscrito. Se peleó con las multinacionales porque tratan la música como un producto de consumo.No quiero llegar a un concierto pensando que hay un tío en cualquier parte del mundo ganando dinero por no hacer nada", dijo. Y les hizo un sonoro corte de mangas después de trabajar con varias.

Así este madrileño enamorado de la Gran Vía que se fue a vivir a Santander, entre verde, niebla, este heredero a Antonio Vega, decidió un día componer y grabar y hacer giras al margen de los que controlan el cotarro musical. Ser un artesano de la música; y no le va mal. Su escasa promoción en los medios de comunicación de masas no es un problema para él, ya que encuentra otras fórmulas que le dan el resultado ansiado, ser conocido, y sólo por su música. Como él mismo argumenta: “Realmente creo que tengo el público que me merezco. A ellos les gusta enseñar mi música a otra gente, el boca a boca, y eso sí que es de verdad. Para mí son un tesoro porque han hecho mucho más por mí que cualquier campaña de promoción”.
La semana pasada puso el broche de oro a su gira “Daiquiri Blues” con tres conciertos consecutivos en la sala Florida Park de Madrid. Éxito rotundo. Antes, el 2 de febrero, actuó en el Palau de la Música de Barcelona.
En la última entrevista que le hicieron afirmó sin dudarlo que "el directo es el pasado y el presente", ya que "el 95% de los músicos nunca ha vivido de vender discos", y siempre han tenido que ganárselo en directo. El disco, simplemente, es ahora simbólico que da sentido al trabajo de un año",

Con referencias literarias a Bukowski o Mario Benedetti, su estilo no es el que tradicionalmente se suele asociar  los cantautores españoles; sus referencias no son Silvio Rodríguez y Joan Manuel Serrat sino, sobre todo, músicos de rock de tradición musical anglosajona como Bob Dylan, Neil Young, Van Morrison. También algunos españoles como Antonio Vega y Joaquín Sabina.

Si os fijáis en su imagen tiene pinta de romántico empedernido, algo tímido y bastante creativo. Este cantante y compositor se enfrenta a diario a una dicotomía ¿rock o música de autor?

Difícil respuesta a una pregunta tan clara, aunque la mejor respuesta sería: música creada por y para los sentidos 
.

domingo, 13 de febrero de 2011

Déanta - Where Are You?

Después de un fin de semana enclaustrada, pensando y escribiendo sobre y a mis pequeños-grandes alumnos (y alumnas, no se enfaden los y las defensores y defensoras del lenguaje no sexista) esta noche necesito volver al refugio de la música celta, música que consigue conectarme con la poca paz interior que habita en mí.

Por otra parte, ya sabéis que hace tiempo que voy persiguiendo voces de mujer, muy escasas en mi nostálgico peregrinaje musical. En ello estaba cuando me encontré con la cristalina voz de Mary Dillon. La primera pieza que escuché de ella, " Clothes of sand" me cautivó, para así pasar a engrosar la lista de esas mis músicas nocturnas y alevosas que no miran hacia atrás.

Si su voz es magistral, el violín y la viola nos transportan a los viejos valores inherentes a la música tradicional; unos valores que quedan intactos, sin la amenaza de las influencias modernas que la banda juiciosamente introduce, sin embargo.  

Con tan sólo tres álbumes, Déanta han conseguido componer música que me hace soñar que la vida es digna de ser vivida, que no todas las personas estamos sujetas a un materialismo estúpido, que podemos tocar el universo.

Déanta dan a la vida melodías, las... elevan... prestando especial atención al tempo... al tiempo que se dan para que las melodías se puedan desarrollar, evolucionar, penetrar y transportarnos. Lo único que pretendo yo esta noche. No hay prisas. Ya no. Esta noche no.

Espero que os guste como me gusta a mí.



La letra es algo así:
Estribillo:
¿Dónde estás esta noche, me pregunto?
¿Y de dónde va a ser esta noche cuando lloro?
A dormir te resulta fácil, aunque solo no puedo sueño?
¿O se le da la bienvenida en la mañana al lado de otro de uno?

¿Qué tan fácil para usted los años deslizarse bajo
Y me dejó una sombra, el sol no puede disipar
He construido para usted una torre de amor y admiración
Te veo tan alto que no puedo llegar a mí mismo

(Estribillo)

Miro a través de mi ventana a un mundo lleno de extranjeros
La cara en mi espejo es la cara que yo sé
Usted ha dado todo lo que está en mí, aunque mi corazón no está en peligro
Mi corazón no está en peligro, pero todavía me gustaría saber

(Estribillo)

Si hay un silencio, entonces se puede romper
Si no late un corazón puro, es que voy a ir
Y el tiempo de trabajo de su curación, y el espíritu crecerá más fuerte
Pero, ¡oh, mientras tanto, todavía me gustaría saber

(Estribillo)

¿Dónde estás?
Oh, ¿dónde estás?
¿Dónde estás?

sábado, 12 de febrero de 2011

Because the Night

Uno de los temas más conocidos de Patty Smit, la denominada “madrina del punk" es éste: Because the Nigth (Porque la noche), tanto como Gloria o Horses, diría yo.  Su autoría compartida con Bruce, el máximo jefe del rock americano, ha llevado a cantidad de debates sobre quien escribió, realmente, uno de los grandes himnos de rock and roll de la historia de la música moderna, ya que nunca había aparecido en un disco del Boss.

La historia, sin embargo es sencilla: Bruce, en un momento muy negro de su carrera, no sabía cómo acabar la letra y se la pasó a Patty, que la completó en una noche de angustia, esperando la llamada del hombre del que estaba enamorada y que sería su esposo.

Hace unos meses Springsteen aseguraba que “Because the night” era “la gran ausente (junto con muchos temas más como “Fire”, por ejemplo) de ‘Darkness on the edge’” el cuarto álbum de estudio del músico estadounidense, un disco que recoge cómo el sueño americano se convertía en pesadilla para quienes vivían en 1975 bajo la sombra de las promesas rotas. Una situación que quizás no tardemos en vivir en nuestro país.

Finalmente la canción apareció en la reedición de ese álbum ,“The Promise”, a mediados de noviembre pasado. El álbum rescata 21 canciones que quedaron afuera. Sorprendentemente, es un disco extraordinario, a la altura del original.

Lo cierto es que “Because the Nigth” ha sido una de las canciones de rock más versionadas y que cada grupo o cantante que la ha versionado la ha adaptado a su manera. Pero desde mi punto de vista no hay mejor interpretación que la del Boss que consigue ponerle poesía a la vida de los “de abajo”, convirtiéndose, así, en la voz de la clase obrera, que lucha, que siente, que ama.

Porque cuando se habla de Bruce Springsteen se habla de algo superior, un escalón por encima del resto. El Boss es un animal escénico capaz de electrizar a quien le escuche. Doy fe. La fuerza tanto de la letra y como de la música de esta canción es indiscutible.

A mí me encanta esta interpretación de ‘Because the Night’ en un concierto en Houston, Texas, en 1978



La canción, en la versión de Patti Smith se convirtió en su single más exitoso.



Para acabar, está versión en la gala de aniversario del Hall Of Fame en la que Springsteen y Smith se unen a U2 en el escenario.



Elegid vosotros mismos...

Porque la Noche

Tómame ya, bebé, así como estoy
Tenme cerca, trata y entenderás
Deseo está hambriento; es el fuego que respiro
Amor es un banquete en el que nos alimentamos

Ven ya, trata y lo entenderás
La forma en que me siento bajo tu mando
Toma mi mano, ven en secreto
Ellos no pueden herirte ya

Porque la noche le pertenece a los amantes
Porque la noche le pertenece a la lujuria
Porque la noche le pertenece a los amantes
Porque la noche nos pertenece

Acaso dudo, bebé, cuando estoy solo
Amor es una llamada en el teléfono
Amor es un ángel, disfrazado de lujuria
Aquí en nuestra cama hasta que amanezca

Ven ya, trata y lo entenderás
La forma en que me siento bajo tu mando
Toma mi mano, ven en secreto
Ellos no pueden herirte ya

Porque la noche le pertenece a los amantes
Porque la noche le pertenece a la lujuria
Porque la noche le pertenece a los amantes
Porque la noche nos pertenece

Con amor nosotros dormimos, con duda el círculo vicioso se vuelve
y se quema
Sin ti, no puedo vivir, perdona el anhelo ardiente
Yo creo en el amor verdadero para sentir, tómame ya, tómame ya,
tómame ya

Porque la noche le pertenece a los amantes
Porque la noche le pertenece a la lujuria
Porque la noche le pertenece a los amantes
Porque la noche nos pertenece

viernes, 11 de febrero de 2011

Charlotte Gainsbourg - L’un part, l’autre reste

A Charlotte Gainsbourg, la hija del loco-genio-punk de la “chanson” Sergei Gainsbourg y de la bellísima actriz Jane Birkin, se le otorga el honor de haber sido la protagonista de uno de los debuts más escabrosos y polémicos que conozco. Tenía tan sólo 14 años cuando su padre y ella interpretaron el tema “Lemon Incest”. El juego de palabras, la ambigüedad y el equívoco escandalizaron no sólo a la bien pensante burguesía francesa sino a la progresía del país vecino. “El amor que nunca haremos es el más hermoso” provocó mucha controversia, aunque, a decir verdad, para Charlotte nunca fue mucho problema sumarse a las provocaciones de su padre y mucho menos vivir a su enorme sombra.


A los hijos de famosos con dinero nadie les protege de esa enfermedad que les hace creerse dueños del mundo. Eso le podía haber pasado a Charlotte, que nació dos años después de que papá y mamá hubieran tenido gran éxito con la canción “Je t’aime, moi non plus”, en 1969. Pero la regla dice que los hijos de padres escandalosos suelen oponerse a ese “linaje” de perfil bajo. Quizás por ello lleva 16 años casada con el actor y director francés Yvan Attal, padre de sus dos niños, y ha acabado siendo una actriz y cantante intensa y honesta después de haberse encontrado siempre teniendo que elegir. Elegir entre ser inglesa de adopción o francesa de nacimiento; entre encandilar a un público francés rendido a los pies de su padre o hacerse un sitio en los hits de Gran Bretaña, entre ser cantante o actriz, hacer películas de culto o producciones de les “majors”.

Pero la vida de glamour de esta artista no le sirvió de nada ante un derrame cerebral provocado por un accidente de esquí acuático. Los hospitales son lugares de paréntesis en los que la vida se para y te enfrenta a tu propia fragilidad. Y eso le pasó a Charlotte que después de la operación tuvo que empezar a vivir de nuevo. Hasta hoy.

En “L’un part, l’autre reste”, tema principal de la película del mismo nombre, su voz-susurro penetra hasta nuestro interior; una voz frágil, tenue, siempre a punto de romperse, utilizada con mucha inteligencia.
Hay quien se pregunta cómo una voz tan limitada puede haber encontrado un público tan fiel. Quizás porque somos muchos los que llegamos a estas horas de la noche necesitando un poco de ternura.

Porque, como dice Silvio Rodríguez “entre el espanto y la ternura la vida canta” Y la noche, susurra.

miércoles, 9 de febrero de 2011

King Crimson- Epitaph

“Veo cómo la suerte de toda la humanidad está en manos de locos” cantó King Crimson, en el 69. Han pasado casi 42 años y los locos siguen teniéndonos en sus manos.

”In  the court of Crimson King ", para una melómana como yo, es uno de esos discos que aunque pasen años sin escucharlo están ahí, una joya, mezcla de psicodélica y jazz, rock y lírica. Y unas letras brillantes. Quizás por eso fue definido por Pete Townshend como "una misteriosa obra maestra", una de las grandes joyas y piezas clave del rock progresivo.

Como muchas de las genialidades de King Crimson, "Epitaph" posee un sorprendente relleno en su parte intermedia, una ambientación de toques acústicos y sabor épico. Un tema triste, obsesivo y depresivo, marcado por el pesimismo sobre la naturaleza humana, mezcla de violencia y avaricia, que nos lleva a la autodestrucción. Un pesimismo que, desgraciadamente, comparto muy a menudo. Demasiado para mi carácter. Es increíble todo el resentimiento y tristeza que se puede acumular y cómo es descargado en esta canción.

De hecho, como el propio Peter Sinfield reconoce, fueron esos los estados de ánimo en los que se encontraba cuando escribió la letra de dicha composición: "Escribí “Epitaph” en un momento en el que me sentía muy infeliz conmigo mismo y con mi entorno. Entonces me fijé en el mundo lo cual me hizo sentir aún peor"

El muro sobre el cual los profetas escribieron
está desmoronándose.
Sobre los instrumentos de la Muerte,
la luz del Sol brilla con fulgor.
Cuando cualquier hombre ha roto a llorar
por sus pesadillas y sus sueños,
¿no se colocará nadie los laureles
cuando el silencio ahoge los gritos?

Entre las férreas puertas del destino,
las semillas del tiempo fueron sembradas,
y regadas con las hazañas de aquellos
quienes conocen y son célebres;
mortal aliado es el conocimiento,
cuando nadie limita las reglas.
Veo cómo la suerte de toda la humanidad
está en manos de locos.

“Confusión” será mi epitafio,
al tiempo que me arrastro por un camino roto y destrozado
y, si lo hacemos, podremos todos sentarnos
y reírnos.
Pero me temo que mañana estaré llorando,
sí, me temo que mañana estaré llorando.

Abatimiento, hermosa imaginería lírica, emulsión básica entre rock y jazz, claves psicodélicas y eclécticos ritmos. Esa es la clave musical de “Epitaph”, algo que te deja sin aliento durante toda la pieza.

Quizás, contra el abatimiento que nos provoca la realidad hay que  gritar lo que nos dice Sabina: “Pelearé hasta el último segundo y mi epitafio será: no estoy de acuerdo”

lunes, 7 de febrero de 2011

Gary Moore - Still Got The Blues

Si os soy sincera no pensaba publicar nada esta noche. Tengo más trabajo del que puedo abarcar (cosas de la vida) y menos energía de la que necesitaría. Pero como la noticia que me dio mi amiga Fuen sobre la muerte de Gary Moore me cogió desprevenida y no pude dedicarle el post de anoche, creo que es de justicia musical que lo haga hoy. Además, en el fondo, me apetece muchísimo refugiarme en mi música para darme en necesario respiro antes de ir a dormir.

Seguramente, para los amantes de “la Música” (sin etiquetas) hablar de Moore es banal. ¿Quién no conoce a este guitarrista que por un breve pero intenso periodo perteneció a la banda irlandesa Thin Lizzy y era considerado uno de los mejores guitarristas de blues europeo?

La verdad es que no siempre fue santo de mi devoción. Su época de rock melódico le desmerece. Aun así creo que Moore fue un músico terrible e injustamente infravalorado. La gente de mi edad nunca tuvimos dudas de que sería un icono del blues. Y lo fue; vaya si lo fue.
Guitarrista prodigioso - era rápido y técnicamente sin parangón, además de insuflar un sentimiento capaz de ponerte los pelos de punta cuando lo escuchabas- Gary Moore creció en Belfast, en Irlanda del Norte, donde empezó a tocar la  guitarra acústica desde los 8 años. Con menos de 15 años vio en directo en su ciudad conciertos de Jimi Hendrix y John Mayall dos de sus mayores influencias y los músicos que le introdujeron los sonidos del rock y del blues. Siempre fue un amante y compositor de música hecha desde las entrañas y eso, para mí, es un grado.

Irlandés como Dios manda, duro como una roca, en sus 20 discos pasó del rock duro más clásico hasta el blues más puro. Menospreciaba los aspectos comerciales y no cedía ni un milímetro a ellos sus ideas, con todas las consecuencias. "Still Got the Blues” fue su gran vuelta al blues en 1990, a lo que de verdad sentían sus manos y su corazón al tocar.

Al oírla entenderéis por qué el mundo del blues se siente más huérfano desde ayer, por qué notan el vacío de su expresividad y sus míticas aportaciones, canciones como ésta que ya por siempre quedaran para la posteridad. Porque como dijo Marcel Duchamp “hay millones de artistas que crean; sólo unos cuantos miles son aceptados o, siquiera, discutidos por el espectador; y de ellos, muchos menos todavía llegan a ser consagrados por la posteridad”

Gary Moore es uno de los que lo han conseguido.

domingo, 6 de febrero de 2011

Omara Portuondo y Maria Bethânia

Esta noche os propongo el “Poema LXIV - Palabras/Palavras” de Omara Portuondo y Maria Bethânia, dos de las mujeres más representativas de la cultura americana de raíces afro que allá por el mes de marzo de 2008 comenzaron una gira conjunta para ofrecer los sonidos de Brasil y de Cuba, presentando su disco homónimo, editado en 2007. Un disco en el que hacen un recorrido musical por las grandes canciones cubanas y brasileñas de la década de los cincuenta.

Los lazos entre Cuba, cuna de Omara, y el estado brasileño de Bahía en donde Maria Bethânia nació, que es la región con mayor predominio de la cultura y la religión africana en Brasil, son evidentes. Ese hecho, unido a la gran admiración mutua que sentían una por la otra les empujó a trabajar juntas.

Un antropólogo francés, Erwan Diantelli, explica que tanto en Cuba como en Bahía, en los esclavos negros existe un sincretismo religioso similar que identifica los “orixás” africanos con ciertos santos y vírgenes católicos. El origen de los negros, yorubas, es el mismo. Lo que en Cuba es “santería” en Brasil es “cancomblé”. En el plano económico, el monocultivo de la caña de azúcar se repitió en los dos sitios. La música generada, a pesar de la disparidad en la forma, es de una complejidad muy similar. Unos lazos indisolubles, ancestrales, que se tejieron alrededor de las dos cantantes y que hicieron posible esta joya de la mesticidad.

Maria Bethânia es conocida, además de por su valía como artista, por ser hermana de Caetano Veloso. Ambos, junto con Gil Gilberto, formaron el Movimiento Tropicalista de la música brasileña. Por su parte Omara Portuondo se hizo famosa como intérprete del proyecto Buena Vista Social Club.

Con el disco Omara Portuondo – Maria Bethânia, estas mujeres herederas de un linaje de mujeres negras cuyo legado de luchas y conquistas atraviesa el tiempo y las distancias, quieren promover el reencuentro entre dos culturas similares con manifestaciones culturales también similares.

Todo el trabajo tiene el tono del autoconocimiento, del reencuentro de fantasmas ancestrales, de recuerdos, de intercambio de impresiones sobre una cultura en el fondo común.  Con ellas cantan todos los brasileños y todos los cubanos.

Ya lo dijo Juan Goytisolo: "La cultura es mucho más rica cuanto más mezclada está; los países mestizos tienen ventajas sobre los más homogéneos porque es la diversidad la que nos enriquece. La cultura no puede ser única ni cerrada, pues hay una polinización que ha venido del lejano Oriente, al Oriente próximo, y de ahí a Occidente. La literatura, por ejemplo, se mueve por las autopistas del viento." Nada más apropiado para los tiempos que vivimos.

sábado, 5 de febrero de 2011

Cómo nace un blog, mi blog

Lo que empezó casi como un juego se ha convertido en un blog. Y puedo decir que mi abuela es la principal “culpable”.

Una noche de julio de 2009 en la que Chopin se cruzó en mi camino, pensé en ella (mi abuela tocaba sus “Nocturnos” como si el compositor polaco guiara sus manos) y sentí la necesidad de compartir esa pasión que tanto nos unía a ambas, con mis amigos facebookeros. Su Nocturne op. 9 No. 2 fue el primero en ver la luz. Me era muy difícil expresar con palabras lo que Chopin dibujó de forma insuperable con notas: tristeza, alegría, vida, dolor, nostalgia en sus Nocturnos. Pero estaba segura que con sólo escucharlo cualquiera podría sentir lo mismo que nosotras.

A partir de ese momento, el juego de ir compartiendo temas musicales de todo tipo, idóneos para cuando nos cubre por fin el manto de la noche, se convirtió en costumbre y la costumbre en necesidad. La necesidad de acabar algunos de esos días tan largos densos -y a menudo duros - refugiándome en una de las pasiones de esta familia: la música, la mejor compañía para antes de ir a dormir.
A esa necesidad se le unió una inagotable curiosidad que me llevó a desear conocer más y más temas, artistas, compositores, estilos… y empecé a bucear en el país de las maravillas que es internet. “Buscad la belleza que es la única forma de protesta que vale la pena en este asqueroso mundo” decía siempre  al acabar Diálogos 3 , Ramón Trecet el primero que nos descubrió música diferente, música que en muchas ocasiones nos llevaba allí donde la imaginación de aprendices de pensadores quería llegar pero no lo conseguía sola.

¡He descubierto tantas y tantas joyas en menos de dos años! ¿Cómo quedarme para mí sola tanta belleza? De esta manera, casi sin darme cuenta, mi adicción a las palabras me llevó a compartir “música para leer”. Los amigos del Facebook que seguían lo que se estaba convirtiendo en una “sección” de mi muro, crecían día a día. Las palabras de ánimo, de complicidad, de sorpresa y de agradecimiento también iban en aumento. Su fidelidad nocturna se convirtió en la mayor motivación para seguir escribiendo y compartiendo durante todo este tiempo.

Ha sido mi entorno, familiares y amigos, el que me ha animado a crear este blog, para que tanta pasión e información musical no se perdiera en las entrañas del Facebook. Su diseño, un maravilloso regalo de Jesús para nuestro 29 aniversario de vida en común. Un blog es, tiene que ser, algo vivo que crece con el paso del tiempo. Y éste, os lo puedo asegurar, aun está en pañales.

Música con nocturnidad y alevosía es un blog intimista, un refugio para aislarnos del mundo, para desconectar por unos minutos de nuestra acelerada vida, para descargar el peso de esta inmensa mochila que llevamos a cuestas y que se llena de tensión a lo largo del día. Un espacio para recuperar la calma, para sentir mariposas en el estómago, para que se nos erice la piel y se nos ponga un nudo en la garganta, para que nos sorprendamos. Música para dejarnos llevar.

Porque, como dijo Tchaikovski “si no fuera por la música, habría más razones para volverse loco”