domingo, 15 de octubre de 2017

Canto Gregoriano

Música para encontrar la paz

No estamos en Semana Santa, ya lo sé, momento típico para escuchar gregoriano, pero el ambiente plomizo de las semanas santas de mi infancia está en el aire desde hace días. A la vez, todo tiembla. Reconozco en mí una necesidad de buscar cierto equilibrio interior, un poco de paz. Porque, aunque nos tengamos que agarrar a las paredes para no caernos, la vida diaria, la de las gentes normales y corrientes, continúa.

Sant Pere de Casserres
Ayer fuimos a visitar el monasterio de Sant Pere de Casseres, monasterio benedictino de la comarca d’Osona, muy cerca de Vic. La plana de Vic estaba cubierta por la bruma, hacía fresco, ese fresco húmedo que te cala sin casi darte cuenta. Al llegar al monasterio la sorpresa fue grande. Ante la belleza del lugar, un meandro del Río Ter, el espíritu, embriagado, se dispara. A menudo me parece sorprendente tener tan y tan cerca maravillas como esta y no ser conocedora de su existencia. Ayer aprendí de dónde deriva la palabra siesta, por qué en catalán decimos “fer nones” a ir a dormir y la diferencia entre una abadía y un priorato.

Siendo sincera os diré que allí deseé desaparecer del mundo por unos días, que envidié a quienes tienen la posibilidad de alejarse de todo, desprenderse de todo aunque sea por poco tiempo. Durante la visita hubo pocos momentos de silencio (el respeto es un bien escaso en nuestra sociedad, cada vez más escaso) pero en los pocos en los que lo hubo no me fue difícil imaginar escuchar, salido entre las brumas, ese canto gregoriano que se funde, como en un delirio, en un océano de silencio, de calma...  Música silenciosa, búsqueda de camino. Meditación.

Hay una explicación científica del por qué este tipo de música relaja tanto. El canto gregoriano usa un ritmo similar al de la respiración. Se crea por lo tanto, una armonía entre la frase cantada y la respiración de quien canta, por eso es una música que favorece la meditación y la interiorización de las palabras cantadas, y posee un efecto psicológico y fisiológico muy profundo: la respiración se calma y el latido cardíaco disminuye. En este contexto musical, el individuo puede fácilmente alcanzar un estado de atención y relajación.

Abadía de Solesmes
En el mundo de los amantes del canto gregoriano es conocida la deuda contraída con la Abadía de Solesmes donde, mientras se custodia, se restaura y se difunde tanta documentación de canto gregoriano como en un museo de gran riqueza, continúan los estudios sistemáticos y resuena a diario, al igual que en Silos, el canto vivo de la tradición. En 1837, este antiguo priorato benedictino, ubicado a orillas del río Sarthe, en Francia, es erigido en Abadía. Desde entonces, el significado que adquiere Solesmes para la liturgia romana y para el canto gregoriano en particular, será decisivo para los destinos de este tipo de espiritualidad musical. Su imponente aspecto, dejándose reflejar majestuoso sobre el río, está tan relacionado con el canto gregoriano, que para muchos casi constituye  como su equivalente visual. Centro pues de la restauración de este repertorio musical, enclave único de estudiosos, historiadores, liturgistas, musicólogos, buscadores de Dios que se expresan a través de la alabanza cantada de la manera más exquisita.


Al contrario de lo que muchos de los pocos (qué paradoja) que se acercan al gregoriano creen,  este no es un canto para la liturgia, sino la misma liturgia cantada. Todo cuanto lo constituye corresponde a la plegaria y al servicio del momento ritual específico en cuyo interior se colocan texto y gesto. El gregoriano es el modelo de canto puramente vocal y nadie piense en un arcaísmo, en pobreza o en pauperismo, sino en un proyecto que sostiene una espiritualidad concreta, bien definida por los padres de la Iglesia. No he querido extenderme en ello precisamente por eso, por lo extenso del tema.

El organum por excelencia es el hombre, la persona hecha de corazón, mente y voz. La comunicación personal entre lo divino y lo humano pasa a través de la interpretación coral, un recíproco perderse y reencontrarse, despojado de oropeles. Un aspecto que confiere un gran valor al gregoriano es su variedad y riqueza de formas musicales, derivadas tanto de determinados comportamientos corales inducidos por los ritos, como de verdaderas dimensiones de la plegaria, cuya verdad conserva en su base un valor antropológico. Aquel oyente que, carente de una iniciación litúrgica y de la experiencia personal de una celebración auténtica, con todo su empeño lúdico pero exigente, es capaz de captar el canto gregoriano no sólo desde su exterior, sino desde su más íntima expresión, se ver tentado de leerlo de un modo plano, con el consiguiente riesgo de percibir (aunque inconfesadamente) la "monotonía" de su melodía. Nada más lejos de la realidad. Los matices del gregoriano en cada canto son infinitos y dependen mucho del coro de voces que los interpreta.

La abadía benedictina de Santo Domingo de Silos (Burgos) es uno de los referentes mundiales de la espiritualidad universal que se hizo muy popular en todo el mundo por sus discos de canto gregoriano. Hace tiempo, un amigo me preguntaba con ocasión del éxito mundial que obtuvo el CD del Coro de monjes de Santo Domingo de Silos: "¿Tú crees que este repertorio sirve para aumentar el grado de cultura entre la gente o es sólo un instrumento para vender más discos?". La respuesta era evidente: el canto gregoriano hace "cultura", gracias a él hay una serie de personas que conocemos una "cultura" diferente a la suya. Sólo el que busca y consigue captar su verdadera identidad, por lo menos con su estudio y audición, podrá obtener una valiosa gratificación estética. Los monjes de la Abadía de Silos han contribuido a llenar el catálogo de discos de canto gregoriano con obras intensas y suaves. Particularmente cautivadoras son las frases finales que a menudo parecen difuminarse en la nada, como absorbidas por los muros de piedra que rodean el coro. En la colección gregoriana de Silos, el canto es viril, exacto y estudiado e inevitablemente atractivo. La ornamentación y alargamiento en las notas, producen de inmediato esa gran sensación de paz de la que hablábamos; la paz espiritual que todo hombre alguna vez busca en su interior, dañado por el devenir de la vida diaria. 


La popularidad de estos monjes humildes y sencillos, traspasó nuestras fronteras dando la vuelta al mundo, pero todo volvió a su cauce y la imposición de la moda y las necesidades del mercado y el consumo les hizo caer de nuevo en el olvido. Sin embargo, el canto gregoriano sigue ahí, como lo ha hecho durante siglos, para servirnos de refugio espiritual, independientemente de nuestras tendencias religiosas porque como bien dicen algunos, la espiritualidad, no está reñida con la creencia.

Yo tuve la gran ocasión de escucharlos en directo en la propia abadía. El canto de los monjes de Silos te envuelve, te eleva el espíritu y te infunde una gran serenidad. Como decía Fray Luis de León: el aire se viste de hermosura.


Si habéis llegada hasta aquí, gracias. Sé que esta noche no era fácil hacerlo. Si es así, creo que esta noche podréis dormir un poco mejor. Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuentes
http://www.melomanos.com/la-musica/formas-musicales/el-canto-gregoriano/
http://www.unavocesevilla.com/APUNTESGREGORIANO.pdf

http://chiesa.espresso.repubblica.it/articolo/1350645ffae.html?sp=y&refresh_ce

martes, 19 de septiembre de 2017

Roberto Fonseca

De raza le viene al galgo

La música cubana lleva años prosperando; músicos de toda la isla se han ido presentando en las escenas más famosas del mundo. ¿Cuál es el motivo de su éxito? Quizás porque en la música cubana se evidencia una amplia gama de géneros, variantes y estilos, un crisol que abarca desde los nebulosos orígenes de la isla caribeña hasta el reconocimiento universal del que goza hoy en día. El gran prodigio que supuso Buena Vista Social Club dio lugar a una nueva generación de artistas cubanos en un viaje que teje dentro y fuera de la música tradicional de la isla, recogiendo influencias de jazz, clásicas y afrocubanas a lo largo del camino para crear un musical asombrosamente original paisaje.


Esta noche vamos a pararnos en uno de sus mejores pianistas, Roberto Fonseca, uno de los nombres que merecen una distinción propia. Tanto por su labor como revulsivo con Buena Vista Social Club como por su inolvidable dúo con Omara Portuondo, ha alcanzado una veteranía y una experiencia que lo acreditan como uno de los mejores embajadores de la tradición y la modernidad de las sonoridades afrocubanas. Sin duda una de las estrellas de la multitudinaria escena musical cubana.

Roberto nació en 1975 en La Habana, en el seno de una familia de músicos. Empezó a tocar la batería cuando tenía cuatro años. Su primer concierto profesional lo dio con un conjunto que versionaba temas de los Beatles. A los 8 años se pasó al piano y continuó con este instrumento, asombrando a las multitudes con una actuación en el Festival Internacional de Jazz de La Habana, con apenas 15 años. Su interés desde una edad tan temprana por la percusión influyó claramente en su estilo "percusivo" de tocar el piano. Fonseca recibió parte de su formación musical del Instituto Superior de Arte de Cuba, que cada año recibe a cientos de músicos, cineastas y otros artistas. Los estudiantes de música ISA estudian música clásica y música tradicional cubana, no importa lo que quieran tocar.

Después de graduarse de la universidad con una maestría en composición, se asoció con Javier Zalba para formar el grupo Temperamento una banda que tiene, entre otros, el mérito de haber ensanchando los límites del jazz hecho en Cuba. Con él tiene lugar su debut de 1999 con su larga duración “En el Comienzo” premio al mejor álbum de jazz en el festival Cubadisco. Un disco en solitario, “Tiene Que Ver”, siguió en el mismo año. Después del doble golpe de 2001 con “Elengó” y “No Limit”, se concentró en gira con Buena Vista Social Club y Rubén González, y produciendo discos para Asa Festoon y el difunto Ibrahim Ferrer. En 2007, volvió con “Zamazu”y luego siguió con “Akokan” en 2009, “Live in Marciac” en 2010 y “Yo”, en 2012, LP que va más allá de los límites habituales del jazz afrocubano. 

Después de casi tres años sin grabar en 2015, Fonseca publicó con el sello Jazz Village, “Ayt Home: Live In Marcia” en dúo con la cantante y compositora de Costa de Marfil, Fatoumata Diawara. Al año siguiente, el pianista lanzó “ABUC”, su debut con Impulse Records. El álbum volvió a visitar sus raíces afrocubanas. Entre sus invitados estuvieron Trombone Shorty, el trompetista Manuel "Guajiro" Mirabal, vocalistas Daymé Arocena y Carlos Calunga, y el guitarrista de Buena Vista Social Club, Eliades Ochoa. Sobre este trabajo Fonseca dijo: "Grabé material suficiente para tres álbumes más. Pero fue difícil sacar canciones porque necesitaba estar enfocado en lo que quiero expresar a la gente. Este álbum no se trata de mostrar ninguna habilidad. No se trata del pianista Roberto Fonseca. Se trata de compartir la cultura cubano.

Para conocerlo mejor y entender qué supone Roberto Fonseca, muy significativas son las palabras del propio pianista en una entrevista con Neil Tesser, anfitrión de WFMT Jazz Network."No quiero que la gente me llame solo un músico de jazz o un músico cubano tradicional", dijo "En la escuela solíamos considerar el jazz americano como un punto de referencia. Siempre sentí que mi música sería una fusión de géneros... Me gustaron muchos músicos de jazz, como Herbie Hancock y Keith Jarrett, pero también viejos clásicos americanos de funk y soul".

La familia del pianista rebosaba música por los cuatro costados. Roberto Fonseca Durade, su padre, era percusionista y sus hermanos también tocan. Y no podemos olvidar su estrecha relación con Chuchito y Bebo Valdés, hijos del inimitable pianista cubano Chucho Valdés y estrellas por derecho propio. Además, su madre, Mercedes Cortés, es una conocida cantante de bolero. “A veces, cuando mi mamá cocinaba, ella cantaba boleros, y yo casi estaba en estado de shock porque era tan dulce. El bolero es hermoso, especialmente cuando viene de ella”

Pero lo que es fundamental es el hecho de haber nacido en la isla. "En Cuba se puede encontrar cualquier tipo de música: mariachi, heavy metal, dubstep, o incluso jazz gratis. Usted encontrará todo en Cuba. Digo todo el tiempo que Cuba es una fábrica de música. Es un misterio - es algo mágico que usted encontrará allí en cualquier tipo de música. Es por eso que usted se sentirá influencia clásica, influencia rock, o hip-hop influencia en mi música. Soy un músico de mente abierta”. Algunos de sus compositores clásicos favoritos son Bach, Beethoven, Scriabin, Rachmaninoff, Tchaikovsky y Wagner.

Esa formación clásica casi le hizo dejar de tocar el piano por completo. "El pianista que realmente me gusta es Glenn Gould" afirma con rotundidad. "Cuando estaba en la escuela, mi profesor nos mostró muchos diferentes pianistas clásicos. Un día nos mostró a Glenn Gould. Estaba tan sorprendido cuando escuché sus Variaciones de Goldberg (probablemente las grabaciones de Columbia de 1955) que decidí dejar el piano. Iba a renunciar. Esas piezas son tan difíciles, pero él lo hacía parecer tan fácil” Afortunadamente para los amantes de la música de todo el mundo, Fonseca, finalmente, se aferró al piano.



La música tradicional cubana permite a Fonseca explorar su propia voz y su patrimonio cultural. "La cultura cubana es realmente abierta y realmente enorme", afirmó con rotundidad. "Claro, hay algunas cosas que tienes que tocar para mostrar de dónde vienes. Esas son las reglas. Pero no lo hagas de la misma manera que todo el mundo. Tenemos un montón de géneros como tumbao, changüí, y guajiras. Son hermosos, pero puedes mantenerlas frescos y tratar, a la vez, de encontrar tu propia voz. Eso es lo que estoy tratando de hacer".

La energía que Fonseca aplica a la mezcla de tradiciones es estimulante. Verlo en actuaciones en directo (gracias Youtube) es electrizante. El pianista toca con todo el cuerpo. Entonces, hay que abrir cada poro y dejar que entre el sonido, porque disponer una frecuencia diferente para oírlo sería limitar el acto. Fonseca toca con el cuello, con los labios, con los pies, los brazos, la espalda… La música lo posee y no está muy claro quién ejecuta a quién, quién es instrumento de quién para ser…. De pronto es hombre-teclado, cuerpo-sonido, y crea una atmósfera sólida, contundente, temperamental, irresistible… Tiende un hilo de complicidad y atraviesa con él a quién le escucha.

Os dejo, pues, con este pianista y compositor fabulosamente dotado, un regalo para los oídos que ha podido trascender las fronteras musicales a través de la calidad pura.  Ya me diréis si no tengo razón. 


Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuentes
http://www.sagegateshead.com/event/roberto-fonseca/?tab=0 
https://havana-club.com/es-ww/havana-cultura/roberto-fonseca  
https://www.wfmt.com/2017/07/03/one-classical-album-almost-caused-cuban-musician-roberto-fonseca-quit-playing-piano/ 

domingo, 3 de septiembre de 2017

Irmelin

Como volver a respirar aire limpio

Un mes ha pasado ya desde la última vez que aparecí por mi blog. A punto estaba de rendir un homenaje a mi ciudad, Barcelona, cuando una furgoneta sembró el terror y ahuyentó de mi interior cualquier música. Los acontecimientos que se han sucedido después han llenado el hueco que dejó la música de desaliento y tristeza. Tenía necesidad de huir de aquí, lejos, a buscar otro aliento, otras notas, otras voces.


En mi búsqueda de música y en particular de mujeres que cantan, conocer a Eva Rune, María Misgeld y Karin Ericsson se han convertido para mí en un fabuloso tesoro. Estas tres cantantes femeninas son las componentes de Irmelin, un grupo vocal sueco formado en 1999,  en el Royal College of Music de Estocolmo, por tres estudiantes: Malin Foxdal, Karin EricssonMaría Misgeld. En 2011, Malin Foxdal fue reemplazada por Eva Rune. Sus voces, las de un trío como las del otro, han resultado ser como flores cucurbitáceas que trepan por tu interior, invadiéndolo, desplazando la tristeza.

Sus canciones provienen no solo de la música tradicional escandinava y del Mar del Norte, sino también de la antigua población sueca establecida en Ucrania, donde se conservan los himnos más antiguos de Escandinavia. Los suecos emigraron al Báltico durante cientos de años y hay grupos que han vivido en aislamiento lejos de Suecia, y, por lo tanto, retienen la esencia de sus “visornas” (espectáculos tradicionales), su timbre y su expresión arcaica.También cantan canciones populares de Inglaterra y  gaélicas de Irlanda

Dejarte llevar por sus voces es como vivir un centenar de vidas antes que la propia. Gritos de la gente para la esperanza, la gracia y la oración; himnos ancestrales, canciones de amor. Y también canciones ligeras y elegantes con arreglos personales que sacan a la luz la improvisación y la expresión individual. Con gran pasión cuentan historias de las montañas y los valles profundos. Las canciones antiguas florecen y están marcadas por grupos humanos a través del tiempo.

Las tres son capaces de agarrar cualquier nota de la nada y, de repente, con un juego de ecos, añadir armonías que emulan la experiencia de flotar en las nubes... y clavar las disonancias de tal manera que te mantienen en vilo mientras las escuchas. Los sonidos suaves y limpios que nos ofrecen, nos llevan al infinito verde y azul de los bosques y lagos suecos.

Irmelin se ha presentado en vivo varias veces en la televisión y la radio suecas. Y con frecuencia se presenta en contextos espectaculares, especialmente con sus llamadas polifónicas "kulning”. Son únicas. También ha grabado bandas sonoras para el Teaterhögskolan (Colegio Universitario Sueco de Cine, Radio, Televisión y Teatro) y han trabajado como músicos de teatro en diversos escenarios.

En 2006 lanzaron su álbum debut "Kärligheten" (canciones de amor) y en 2008 vio la luz el segundo álbum, "Gyldene Freden" (La Pieza de Oro). En 2013 lanzaron el tercero, "North Sea Stories" con canciones seleccionadas de la zona del Mar del Norte. Y en 2016, el último, "Swedish Folk Songs", canciones populares suecas. El grupo ha dado conciertos en algunos de los locales más importantes de Suecia. En marzo de 2006 realizó su primera gira internacional a Japón.  En octubre de 2008, Irmelin llevó a cabo una gira por Taiwán ganando el segundo premio en el Taiwan international Contemporary A cappella Festival. El jurado internacional llamó a Irmelin  "el espíritu del canto de capella". Estas tres mujeres también son profesoras experimentadas y ofrecen talleres de canto folclórico, kulning y mouth music.



¿Qué os ha parecido? Espero que, si lo necesitabais, Irmelin os haya ayudado a evadiros de este ambiente cargado en el que nos están sometiendo unos y otros, a sentir cómo las gotas de agua perforan el hielo que se descongela. Ojalá se descongelen nuestros corazones. Porque yo, al menos, hay días que tengo el corazón helado.

            Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

domingo, 6 de agosto de 2017

Tocaoras

Las desheredadas de Paco de Lucía

“La tierra tiene grietas por donde escapa el dolor, aquel que ha sido enterrado injustamente y que busca una manera de hacerse oír. A veces suena a flamenco, grita las penas por bulerías y sangra por la guitarra. Un grito de guerra, una reivindicación. Si la batalla de los gitanos por dejar de ser un pueblo discriminado lleva siglos librándose, son ahora las mujeres las que aúllan para denunciar la doble dificultad —la de su sexo y la de su etnia— para hacerse un hueco en este arte que ya los romaníes practicaban en las fraguas al son del martillo.” En la lucha de las tocaoras por hacerse un hueco en este arte, Noemí López Trujillo en El Español lo define muy bien: el flamenco sangra.


Tocaora, sustantivo común femenino, una palabra que se halla escasísimas veces empleada en la bibliografía  sobre  flamenco,  si  exceptuamos  su  función  adjetiva,  calificando  términos como dinastía, sensibilidad, personalidad, calidad... Esta ausencia responde a  un  hecho  sorprendente.  Si  en  la  historia  y  actualidad  del  flamenco  encontramos  un  elenco imprescindible  y  esencial  de  mujeres  cantaoras,  bailaoras  o  jaleadoras,  de  insólito  podemos calificar  la  casi  total  ausencia  de  mujeres  dedicadas  al  arte  de  la  guitarra  acompañante  o,  más recientemente,  de  concierto.  ¿Por    qué    falsetas,    rasgueos,    acordes...    han    pertenecido    casi exclusivamente al patrimonio masculino? Basta con teclear en internet "mujer tocaora flamenco" para toparse con un foro en el que se plantea la siguiente cuestión: "¿Cuántas guitarristas flamencas conoces?". "Yo no soy machista, pero la guitarra flamenca no pega en una mujer. Las pocas que he visto son flojas tocando, el flamenco necesita mucha fuerza y sangre caliente, y un sentimiento un tanto agresivo que muchas veces una mujer no puede expresar bien", contesta un usuario en el hilo.

Fuerza y sangre caliente que la mujer no puede expresar bien. La tocaora noruega afincada en España Bettine Flater ha comentado en varias ocasiones que, en una de sus primeras clases en Sevilla, un compañero le dijo: "¿Tú sabes que Paco de Lucía ha dicho que las mujeres no tienen fuerza en la mano para tocar la guitarra, no?". Y es que desde que murió el de Algeciras, hace algo más de tres años, algunos cabales dicen que no tiene sustituto y otros se arriesgan y nombran a Tomatito, Niño Josele o Vicente Amigo. Son sólo algunos de los que se barajan porque en España hay muchos tocaores y muy buenos. También algunas tocaoras, pero casi nadie las cita. Antonia, Marta, Caroline o Noa son nombres que no se escuchan cuando se nombra a los posibles herederos de Paco de Lucía.

Pero eso no ha sido siempre así. Desde el siglo XIX y hasta la Guerra Civil, hubo más tocaoras que hoy; incluso algunas de ellas llegaron a ser reconocidas a nivel internacional aunque fueran muy pocas las mujeres que se dedicaran a esta profesión o que llegaran a obtener tanta fama y popularidad como los hombres. A todas les resultó más complejo “hacerse hueco” en este arte ya que desde los comienzos del flamenco, este ha sido considerado un mundo de hombres. 

Adela Cubas (Revista Nuevo Mundo 8-3-1906)
Adela Cubas es un ejemplo. Sus padres no le permitían actuar pero ella consiguió ser profesional ya en 1900. “El deber de entretener”, como lo llama la profesora Eulalia Pablo Lozano en su libro “Mujeres guitarristas”, daba acceso a las “señoritas” a tocar el arpa, el piano o la guitarra para ejercer de perfectas anfitrionas. No para subirse a un escenario o hacer carrera artística. Una mala racha económica hizo cambiar de idea a los padres de Cubas y así fue como la guitarrista mantuvo a su familia interpretando todo tipo de músicas, también flamenco, por toda España. No sólo tocaba, también dirigía espectáculos y los críticos se referían a ella como la “notabilísima” o “celebérrima” guitarrista. Otras de la misma época, como La Antequerana o Anilla la de Ronda, citada por Federico García Lorca en 1922 en el Concurso de Cante Jondo de Granada, tocaban para acompañar su propio cante y también vivían del flamenco. Pero Cubas tenía un gancho especial con el público, en un tiempo y un entorno que Eulalia Pablo define “de hombres, duro y socialmente desprestigiado”.

Estas y otras tocaoras se vieron obligadas constantemente a luchar para que su trabajo sea reconocido, tratando de evitar el machismo que se ha generado culturalmente a lo largo de la historia por el mero hecho de ser mujer. Noelia Heredia, gitana madrileña de 44 años recuerda que hasta la Guerra Civil, la guitarra era un instrumento mayoritariamente de mujeres. "Las gitanas eran tocaoras y, además, fumaban puros. Hay un retroceso brutal". Sus nombres se perdieron en las brumas del tiempo y, quizás también, se enterraron en los años oscuros de una Dictadura que relegaba a la mujer al papel social de un menor de edad. “El modelo de mujer inspirado en la sección femenina hizo que muchas ni se plantearan el espectáculo, menos el flamenco, como medio de vida”, explica Alicia Cifredo, directora de Tocaoras (ver presentación) un documental que investiga la evolución de la mujer en el mundo de la guitarra flamenca a través de la figura de Eloína, una estudiante de baile flamenco y antropología social que, con ayuda de su amiga Carmen, inicia un estudio sobre las mujeres guitarristas flamencas. Su primera sorpresa aparece al conocer que el título en esta especialidad se expedía en Rotterdam cuando aún no existía en España. A partir de aquí, emprende un curioso viaje en el tiempo para localizar a las tocaoras de los dos siglos anteriores. Eloína se apasiona cada vez más al irse encontrando con las mujeres que ejercen profesionalmente este oficio en la actualidad. Ellas le muestran su arte, su disciplina, sus miedos, sus giras, sus compañeros... todo su mundo.


Mujeres entre las cuerdas. Mujeres que deslizaban sus dedos con presteza y maestría desde la prima al bordón. Mujeres guitarristas flamencas como hoy lo son también Antonia Jiménez, Marta Robles, Caroline Planté, Bettina Flater, Noa Drezner... Mujeres con las que tenemos una deuda pendiente.

La primera vez que escuché a Antonia Jiménez fue este verano en el programa Carne Cruda, junto a Marta Robles, la principal compositora del grupo Las Migas. En clase, entre las decenas de niños que aprendían a rasguear la guitarra, ella era la única niña que lo hacía. Y siguió siendo la especial, la distinta, la minoría en un mundo, el del flamenco, que permite que la mujer cante y baile pero no que toque. “No tuve el apoyo de mi padre, tampoco el de mi madre y todos en mi entorno decían que estaba loca”. Con motivo del Festival de Flamenco de Berlín, la tocaora asegura en una entrevista que "en el flamenco hay una mirada muy masculina". "Hacerte un hueco es bastante difícil. Empecé mi carrera profesional con quince años. He tenido que luchar un montón, como todas. Mi caso no es nada especial porque en todos los aspectos de la vida las mujeres siempre tenemos que luchar más. A mí como guitarrista me criticaban mucho, me miraban con lupa". Antonia toca la guitarra desde hace 30 años y es guitarrista de referencia para varias compañías de primer nivel, como la del bailaor Marcos Flores. Aunque apenas se la conoce fuera del flamenco, es un modelo para las que empiezan. 


Cuando Marta Robles fue alejándose de la guitarra clásica para adentrarse en la flamenca se encontró con la misma soledad. ¿Dónde estaban las mujeres? 


Fernando González-Caballos, periodista especializado en flamenco, las puso en contacto. Que tenían que tocar juntas. Fue hace tres años. Desde entonces, estas dos pioneras de la guitarra flamenca se juntan en el escenario con el espectáculo Dos tocaoras pre el Festival Flamenco Diverso el primero con un enfoque de género y LGTBQI dentro de este mundo. Nunca habían trabajado juntas, explican en el programa de Javier Gallego, pero la complicidad al preparar este trabajo fue instantánea, y su esfuerzo de meses vio la luz a finales de junio en un espectáculo sin precedentes. En “Dos tocaoras” reivindican el lugar de las instrumentistas, absoluta minoría tras 170 años de tradición


Noa Drezner,es una de esas tocaoras (¿os habéis fijado cuantas guitarristas extranjeras estamos nombrando?) que han seguido la estela de Antonia Jiménez. “En cuanto llegué a España vi que tocar aquí iba a ser complicado”. Esta mujer de 34 años tañe desde los siete y le choca que siendo esta la cuna del flamenco le cueste tanto a las mujeres hacerse una carrera tocando.


La canadiense Caroline Planté fue la primera mujer en grabar un disco de toque flamenco. Fue en 2010. “hace años me lo decían en Montreal, mira que si fueras tú la primera mujer guitarrista flamenca que graba disco…” dice en la revista digital deflamenco.com Y así fue. Hoy, la niña que eligió la guitarra siguiendo los pasos de su padre, es una de las más reconocidas por la crítica y dirige el Festival de Flamenco de Montreal. Cuando llegó a España ya llevaba 18 años como profesional pero el aterrizaje fue un shock. “Un maestro de Sevilla me dijo que me enseñaría a tocar para concierto, pero no para acompañar baile ni cante porque eso era para los hombres”.


Buscando videos de la canadiense me he encontrado con este corto, una verdadera joya.

 

“La guitarra clásica para las niñas. La guitarra flamenca para los hombres”. Así le respondió su padre a Laura González a mediados de los noventa cuando siendo adolescente le informó de que prefería empuñar la guitarra que dedicarse al baile, faceta junto al cante en la que las mujeres no encuentran tantos impedimentos. González se enfrentó a su familia y consiguió convertirse en una celebrada concertista y profesora de conservatorio. Escuchad esta Guajira, de su disco "De aquí p'alla" (2008), acompañada por José Rojo (2ª guitarra) y Jorge Cano (percusión).


Davinia Ballesteros, la más joven de todas las tocaoras que aparecen aquí, es la que tienen, quizás, una formación más académica de todas. Nació en Málaga en 1982, lugar donde comienza sus estudios de guitarra a los 6 años de edad. Estudió guitarra clásica en el Conservatorio Superior de Música de Málaga con matrícula de honor, Premio de Honor Fin de Grado y es licenciada guitarra flamenca, recibiendo diferentes premios a la largo de su carrera. En la actualidad además de conciertos, da clases de pedagogía y lenguaje musical. 


Acabaremos con Bettina Flater.  Nació en Noruega, pero cuando toca la guitarra suena a rondeña y tangos. Viajó a Sevilla buscando raíces musicales y descubrió que tenía que encontrarlas sólo por dentro. Dice tener complejo de “guiri” en ciertos ambientes flamencos, pero la suya es la historia de una mujer fuerte y valiente, segura de lo que hace. En 2012 editó su primer disco, “Women en Mi”. Pop anglosajón, folclore noruego y guitarra flamenca son las tres patas de su fusión musical.

        
       Una vez más cada claro que debemos seguir luchando para visibilizar la presencia de las mujeres en cualquier ámbito para lograr una igualdad efectiva de derechos y oportunidades entre hombres y mujeres.  
Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuentes
http://www.elespanol.com/reportajes/20151023/73742681_0.html
http://www.sibetrans.com/trans/public/docs/trans_15_07_Lorenzo.pdf
http://dondeestanlastocaoras.blogspot.com.es/
http://luiszaratan.blogspot.com.es/2017/01/la-mujer-en-la-guitarra-flamenca.html
http://www.elespanol.com/cultura/musica/20160222/104239834_0.html

lunes, 31 de julio de 2017

My Funny Valentine


Me encanta viajar. Se atribuye a Baroja la frase de que “el carlismo se cura leyendo y el nacionalismo, viajando”. Yo substituiría la palabra carlismo por la de ignorancia, una enfermedad que a pesar de que nunca antes habíamos estado tan informados se extiende como La Nada en La Historia Interminable. Ignorancia, estupidez, vaciedad, falta de rigor… lo mismo da. Pero no hay nada mejor para abrir la mente y dejarnos de creer el ombligo del mundo que viajar. Bien es verdad que Don Pío fue más de viajes por su habitación, con sus viejos libros comprados en la cuesta Moyano. Quizás a mucha gente le hace falta viajar de las dos maneras.

Ya os he dicho que me encanta viajar. Y si, además, puedes hacerlo en un coche amplio,  cómodo, con un buen aparato de música y en la mejor compañía, viajar no tiene precio. Así estabamos hace escasamente una semana, conduciendo por una carretera de la costa guipuzcoana (imprescindible) cuando en el Podcast de “Cuando los elefantes sueñan con la música”  suena la canción de esta noche, My Funny Valentine, cantada creo que por Sarah Vaughan. Y, de pronto, Jesús me dice con verdadera emoción “me encanta esta canción, pero sobre todo la versión de Frank Sinatra”. Si comparto esta anécdota es porque me resultó chocante que después de casi 40 años juntos no fuera yo consciente de esa pequeña pasión del melómano mayor de esta casa. Así que en ese momento decidí que a nuestro regreso le dedicaría una entrada en mi blog a esa canción. Y aquí estoy, a ver si le sorprendo.


My Funny Valentine es un jazz standard muy popular dentro de la literatura del jazz. Forma parte del Real Book y es, también, tema principal de la película “Los fabulosos Baker Boys” interpretado por los actores Michelle Pfeiffer y los hermanos Jeff y Beau Bridges. La canción, publicada por primera vez en 1937, con música de Richard Rodgers y letra de Lorenz Hart, se oyó por primera vez el 14 de abril en el musical de Broadway, Babes in Arms. Una bella canción de amor.

Mi graciosa enamorada
Dulce y cómica enamorada
me haces sonreír con el corazón
tus “looks” son de risa (*)
”infotografiables”
pero eres mi obra de arte preferida

¿Acaso es tu figura menos griega?
¿Tienes la boca un tanto pequeña?
¿Cuando la abres para hablar
eres inteligente?

No cambies ni un pelo por mí
no si te preocupas por mí
Quédate pequeña enamorada, quédate
cada día es el día de San Valentin

Sin embargo, debieron pasar 15 años para que el trompetista Chet Baker la escuchara por primera vez, quedando fascinado. En un primer momento, Baker grabó una maqueta instrumental, pero la versión definitiva se dio en 1954, aderezada con bajo, piano y percusión. El resultado encarnó un claroscuro. Los críticos la atacaron, mientras que los jóvenes de la época la abrazaron para nunca más soltarla. Había un romanticismo pleno en dichas notas y una exquisitez en la cadencia de Chet que configuraron un clásico impecable. Inicialmente la había grabado como instrumental pero fue en ese mismo año cuando acometió su primera versión vocal, una versión lacónica y frágil que marcaría la forma en que se ha cantado esta canción a partir de entonces.

A principios de los años 50 pocos músicos tocaban My Funny Valentine, pero tras el éxito de Baker, tanto instrumental como vocal, muchos músicos se apuntaron al carro. En 1954 se grabaron más versiones que en las décadas de los 30 y 40 juntas. Quedémonos un momento, mientras muere el día, con este Chet Baker sufrido y vapuleado, artista exquisito y atolondrado ser humano.


Chet grabó más de 50 versiones. He aquí una muy especial. ¡Me encanta!


Otro trompetista quiso hacer suya esta canción, Miles Davis. Se suele acusar a Baker de seguir los pasos de Davis pero en este caso fue Baker el primero en identificarse con este estándar y el que más años lo mantuvo en su repertorio. Ambos trompetistas grabaron el tema en diversas ocasiones. Miles lo grabó por primera vez con su quinteto de los 50 (con Red Garland, John Coltrane, Paul Chambers y Philly Joe Jones) en una de las dos sesiones maratonianas que hicieron para amortizar el contrato con Prestige y que dieron lugar a cuatro gloriosos álbumes. 


En 1953 Frank Sinatra utilizó la canción para abrir su LP “Songs for Young Lovers” y esto fue decisivo para que My Funny Valentine saliese de la subcultura del jazz y aterrizase en los tocadiscos del estadounidense medio, convirtiéndose en un tema destinado a ser interpretado una y otra vez por futuras leyendas de la música. Cada quien arriesgándose al juicio de los puristas, tal y como lo hizo el impecable trompetista blanco cuya voz de terciopelo pegó en el centro del jazz de mediados del siglo pasado. Desde una maravillosa Ella Fitzgerald, con dos versiones, una de ellas casera a capela que me tiene hechizada, hasta un homenaje del cubano Arturo Sandoval, pasando por Barbra Streisand, Sara Vaughan, Stan Getz, incluso Sting han desfilado un sinfín de leales que lo han hecho perdurable.


No me he podido resistir a compartir esta versión de Joan Chamorro del proyecto La magia de la Veu & Jazz Ensemble y otra con la voz de una jovencísima Andrea Motis.

 

Para terminar, la versión de Ben Webster al saxo tenor en 1954. Una joya.


Espero que hayáis disfrutado.Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuentes:
http://jazzeseruido.blogspot.com.es/2012/02/my-funny-valentine.html
http://lyricstranslate.com/es/my-funny-valentine-mi-divertida-valent%C3%ADn.html
https://buenamusicamia.blogspot.com.es/2015/10/my-funny-valentine_27.html

domingo, 16 de julio de 2017

Raúl Prieto, organista

El alma sobre el escenario

Raúl es un hombre alegre, amable, extrovertido, cercano, simpatiquísimo, dicharachero, vital. Jesús y yo tuvimos el gran placer de conocerlo en persona el año pasado, en la visita guiada al órgano de la Basílica de Santa Maria que organizó el V Festival Internacional d’Orgue de Mataró. El músico nos explicó con pasión la historia y la musicalidad de “su amigo”, como a menudo le llama, un instrumento magnífico de 4.557 tubos de hasta 6 metros de altura, con 4 teclados de 61 notas y un pedal de 32 notas.


            Raúl Prieto es uno de los talentos más emocionantes en la escena internacional de conciertos de órgano en este momento. Pero, ¿quién es este organista? Raúl Prieto Ramírez nació en Navalmoral de la Mata, Cáceres, en 1979. Empezó sus estudios de órgano en Salamanca que concluyó posteriormente en Barcelona con matrícula de honor. Aprobó el examen final en la Staatliche Hochschule für Musik und Darstellende Kunst de Stuttgart y obtuvo la mayor calificación que se había otorgado nunca en este centro. En 2007 debutó en Estados Unidos en el Merrill Auditorium de Portland y tocó también en el Methuen Memorial Music Hall. En 2008 hizo su primera aparición en Rusia (Filarmónica de Perm) y en la Catedral de Milán. En 2009 tuvo lugar su primer concierto en el Victoria Hall en el Reino Unido.

Raúl en la visita guiada al órgano de la Basílica de Santa Maria
Cuando fue nombrado, a los 26 años, el primer organista residente del famoso  Auditorio Nacional de Música de Madrid, que es a la vez la sede de la Orquesta y Coro Nacional de España, nuestro protagonista de esta nohe se confirma como artista de gran talento en el escenario internacional del órgano de tubos. En los primeros seis meses de su nombramiento multiplicó por 30 la asistencia a los recitales de órgano de la sala y los críticos lo elogiaron como uno de los talentos más emocionantes en la escena musical española. Sin embargo, como él mismo nos explicó aquel día mientras le escuchábamos interpretar, empezó a tocar el órgano muy tarde.

Nacido en una familia que disfrutaba del arte y la danza, a los 11 años se sintió fascinado por el sonido del órgano en un programa de radio local. Durante los siguientes cinco años aprendió a tocar mientras buscaba toda la información que pudiera encontrar sobre el instrumento. Sin embargo, con sólo un pequeño teclado de 4 octavas que tenía, ¿cómo podía tocar música de órgano con pedales? "En mi adolescencia la solución era hacer mis propias transcripciones de las piezas que escuché", recuerda Raúl en alguna entrevista. En sus años de escuela temprana él había construido una biblioteca formidable de sus propias transcripciones para órgano de la música orquestal. No pasó mucho tiempo antes de que estuviera tocando Bach en los órganos históricos con pedales en las aldeas y pueblos circundantes y, de allí a instrumentos cada vez más grandes y la música de Liszt, Reger, Dupré entre otros

Raúl con la pianista María Teresa Sierra, su mujer.
Además estudió piano con Leonid Sintsev (Conservatorio Rimsky-Korsakov en San Petersburgo), órgano con Ludgar Lohmnn en la Hochschule für Musik in Stuttgart. Y participó en clases magistrales con Marie-Claire Alain, con Guy Bovet, Lionel Rogg, Eric Lebrun , Zsigmon Szathmary y Luigi Ferdinando Tagliavini, fallecido el pasado 11 de julio, entre otros. También, estudió la carrera de filosofía.

"Tuve una buena educación artística, pero no necesariamente en la música", admite. "Yo fui autodidacta durante cinco años a partir de los 11 años, pero en realidad no me considero un organista porque soy un músico que sólo quiere desarrollar mi capacidad y todas mis posibilidades musicales", añade. "Estudié filosofía porque era algo en lo que me interesaba, pero me di cuenta de que podía hacer mucho más con mi música, se convirtió en mi ambición en la vida".


El pasado 8 de julio tuvo lugar el concierto inaugural del VI Festival d’orgue de Mataró, su concierto anual en la capital de El Maresme, un concierto reivindicativo para la restauración completa del órgano.  El órgano de la Basílica de Santa Maria es el más grande de Catalunya. “Es una pieza de valor único, un símbolo que demuestra que Mataró fue una ciudad puntera a nivel europeo” afierma Prieto. Este año el concierto estuvo dedicado a la música que se escuchaba en la época de Puig i Cadafalch. La entrada, como siempre, fue gratuita; las ayudas económicas que se reciben del público asistente van destinadas a la restauración y mantenimiento del instrumento.

No hay más que tenerlo delante para captar la pasión que Raúl siente por el órgano, un instrumento que ve como un vehículo casi ilimitado para su expresión musical. Realizando un amplio repertorio con talento y energía, sus transcripciones del Mephisto Waltz de Liszt o de Clair de lune de Debussy fueron espectaculares. Los asistentes quedamos atrapados por su entusiasmo contagioso, por su afán pedagógico, por sus emocionantes interpretaciones, todas ellas de memoria, que combinaron un virtuosismo deslumbrante con gran poder expresivo. Al acabar, después de dos bises, (hubiera dado tantos bises como le hubiéramos pedido) nos dijo sonriente que estaba agotado. No es de extrañar.


Descrito por los críticos como audaz, emocionante, iconoclasta, trascendente y chisporroteante, la pasión absoluta de Raúl Prieto Ramírez por la música lo mueve a compartir su talento en cualquier lugar. Además del concierto inaugural del Festival, cada mes de julio toca su propio instrumento al aire libre en Mataró, durante más de tres horas. En 2008 el organista descartó empresas de órganos electrónicos y diseñó su instrumento en su casa con el apoyo de los trabajadores de la madera e ingenieros locales. Con la intención de tocar con su esposa en lugares donde un órgano de tubos no está disponible diseñó un instrumento fácilmente transportable que cabe en una camioneta de tamaño medio y utiliza sólo 8 tornillos. Con dicho instrumento ha sido capaz de promover el órgano y su música en numerosos lugares de Europa.


Entre una amplia selección de piezas de órganos románticos, barrocos, modernos e incluso teatro, siempre es Bach el compositor, que congrega a un público más amplio.


"La gente me dice que no les gusta el órgano, aunque no hayan ido a un concierto de órganos. Pido a todos que vayan a darse un paseo antes de opinar". Al darse cuenta de que el órgano no es del gusto musical de todos, Raúl ha dedicado mucho tiempo a promover su sonido único con la esperanza de atraer a más oyentes a conciertos de órganos. De ahí que el Festival d’orgue de Mataró tenga también su academia.  Esta academia ofrece, clases colectivas y particulares a cargo de profesores de reconocida proyección internacional, seminarios y dos conciertos a cargo de los alumnos. Los alumnos tienen a su disposición órganos de estudio. También se les facilita alojamiento y manutención a precios asequibles. En el concierto inaugural nos presentaron a unos muchachos que venían de New York.

Raúl Prieto Ramírez fue un pionero en llegar a un público más amplio a través de Internet. Un ejército de partidarios internacionales continúa siendo atraído por sus actuaciones altamente populares de YouTube. Su ahora legendaria transcripción de la Danse Macabre sigue siendo el espectáculo de órgano no comercial más visto en Internet.


Pero os puedo asegurar que no hay video que pueda transmitir lo que transmite una actuación suya en directo. Si algún día tenéis la ocasión de asistir, no os la perdáis. Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב