domingo, 10 de diciembre de 2017

Billy Paul / Me and Mrs. Jones

 Cuando el pasado se agranda como un gigante

Tanto en el mundo de la música como en el de cualquier demostración artística se da un fenómeno bastante habitual,  que los productos que en su día se despreciaron, pasaron desapercibidos o simplemente fueron ignorados, con el paso de los años sean recuperados y se conviertan en objeto de culto. Algo así  me pasó a mí con la propuesta de esta noche.
Muchos jóvenes vivíamos con intensidad los años centrales de la década de los años 70, años cruciales en la historia contemporánea de España, tiempos de lucha y militancia, y muchos cambios radicales vislumbrándose en el horizonte. La eclosión de lo que se denominó Philly soul, un estilo en que confluyen soul y rhythm and blues, con algunas dosis de funk y unos arreglos instrumentales exuberantes, y que fue el puente sonoro entre el soul de los 60 y la música disco,  fue considerado por muchos de nosotros como algo superficial, para acabar  catalogando peyorativamente estos estilos musicales como “horteras” y “supercomerciales”, música de puro consumo, útil solamente para las discotecas, para usar y tirar, sin mayor trascendencia.


Sin embargo, el paso del tiempo ha dado su justo valor a una música tan inconfundible como excelentemente resultona. Una música eminentemente urbana, surgida desde la comunidad afroamericana en ebullición, cargada de energía sexual, vitalista, marchosa y con su ramalazo romántico. La combinación justa de un coctel explosivo que llenó a rebosar las pistas de baile de medio mundo.  Este género que se desarrolló en Philadelphia fue creado por los productores Kenny Gamble y Leon Huff, entre otros. Ellos son también los artífices de la canción protagonista de esta noche: Me and Mrs. Jones.

El 16 de diciembre de 1972, el cantante Billy Paul llegó al número uno estadounidense con su single Me and Mrs. Jones. Vendió dos millones de copias cosa que le permitió ganar un premio Grammy como la mejor interpretación vocal masculina de rhythm and blues, lo que encauzó definitivamente su carrera. Se había impuesto nada menos que a los ilustres candidatos Ray Charles y Curtis Mayfield, entre otros. Con esta hoy popular balada no solo logró entonces el número uno en las listas de EE.UU. sino incluso alcanzó el puesto 12º de los Top 20, en el Reino Unido.

De esta manera, Me and Mrs.Jones, con sus ricos arreglos, se convirtió en un clásico. Estos arreglos son la base para la historia que nos cuenta Billy Paul: el protagonista es un hombre casado que mantiene una relación extramatrimonial con la señora Jones casada, también. Ambos saben que lo que hacen está mal, como dice la letra de la canción, pero no se pueden resistir. Realmente, la interpretación de Paul, que cuando grabó el tema tenía 38 años, resulta de lo más creíble. Aunque Billy Paul llevaba cantando desde la década de los cincuenta Me and Mrs.Jones fue el primer y gran hit de su carrera.

Para mí, muy lejos de la joven revolucionaria de los años 70,  es una de las canciones más preciosas jamás escritas e interpretadas. Me produce mucha ternura la conciencia del “pecado”, la emoción por la espera a que llegue "el momento", el disfrute del mismo y el dolor ante la despedida. Abismal.

Yo y la señora Jones,
tenemos algo que está creciendo,
sabemos que está mal,
pero es algo muy fuerte como para dejarlo ir ahora.

Nos vemos cada día en el mismo café,
a las 6:30 se que estará ahí,
tomando mis manos, haciendo toda clase de planes,
mientras la rocola toca nuestra canción favorita.

Yo y la señora, señora Jones, señora Jones, señora Jones,
tenemos algo que está creciendo,
sabemos que está mal,
pero es algo muy fuerte como para dejarlo ir ahora.

Tenemos que ser muy cuidadosos,
de no llevar nuestros sueños muy lejos,
porque ella tiene sus propias obligaciones y yo también,
yo y la señora, señora Jones, señora Jones, señora Jones.

Bueno, es nuestra hora de irnos,
me duele mucho, mucho por dentro,
y ahora ella tomará su camino, yo el mío,
Pero mañana nos veremos en el mismo lugar, a la misma hora.
Yo y la señora Jones, señora Jones, señora Jones...


Me and Mrs.Jones tiene una melodía muy sensual. Desde los primeros compases nos sumerge en una atmósfera sugerente. Musicalmente se trata de un tema de enorme riqueza. Ahí hay de todo: piano, cuerdas, viento.

Esta triste y narcotizante historia sobre el enamoramiento entre un hombre y una mujer casada supuso el techo comercial de Billy Paul. Afirmar que fue un cantante de una sola canción sería tan cruel como injusto, pero lo que no admite discusión es que nada de lo que hizo después alcanzó el éxito y la repercusión de aquel tema, de obligada interpretación en todas sus actuaciones posteriores y su ineludible tarjeta de presentación. Después de Me and Mrs. Jones, vendrían otros éxitos como Am I Black Enough for You?, Thanks for Saving My Life, Only the Strong Survive, o Cowboys to Girls (todos salieron de la factoría Gamble-Huff), que consolidarían su condición de gran referente vocal. También logró el aplauso del público la particular versión que realizó en 1977 del tema compuesto por Paul y Linda McCartney Let Em In. Uno de sus últimos trabajos fue la grabación que hizo con la cantante francesa Chimène Badi de la popular canción de Motown 'Ain't No Mountain High Enough, registrada por vez primera por Marvin Gaye y Tammi Terrell y más tarde por Diana Ross y las Supremes.

La vida de Billy Paul fue abordada en el documental “Am I Black Enough you?” (¿Soy lo suficientemente negro para ti?), dirigido por el cineasta sueco Göran Olsson en 2009. El cantante, que no sólo lo respaldó sino que participó en él, decidió que ya tenía la edad suficiente como para hablar a las claras de sí mismo y relató distintos aspectos de su vida, sin olvidar su fuerte adicción a la cocaína.
Desde su enorme éxito a la actualidad, Me and Mrs. Jones ha visto múltiples versiones. Destacan las de Michael Bublé, Amy Winehouse y Hall & Oates. Pero son muchas más.



Billy Paul falleció el 24 de abril de 2016 en su casa del estado de Nueva Jersey a consecuencia de un cáncer de páncreas. Quizá se haya reunido para siempre con la señora Jones.
Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuentes
http://www.elmundo.es/cultura/2016/04/27/571facf1ca47411a188b45b1.html
http://www.foroesc.com/foro/viewtopic.php?f=39&t=12019


domingo, 19 de noviembre de 2017

Jane Joyd

ESTAR AL BORDE DE NO HABER ESTADO.
Me sitúo en el lado correcto de mi reflejo.
Soy la huella que deseó ser abrazo contra el suelo.
Soy efecto.

Gracias a todos los que nos habéis acompañado todo este tiempo. 
Jane Joyd muere joven dejando tras de sí mucha vida (y música). 
Quedando muchas otras por vivir. 
Aquí, así y ahora. No ha podido ser de otra manera.


De esta manera tan poética y por Internet. Así se despidió Jane Joyd para siempre. “Me sitúo en el lado correcto de mi reflejo”, se pudo leer en su Tumblr agradeciendo a todos los que habían acompañado en  el proyecto.

Puede resultar curioso mi interés por algo que dejó de existir hace más de tres años. Quienes seguís desde hace tiempo este blog sabéis de mi afición por dejar constancia de las voces femeninas que llenan el panorama musical en todos los estilos. Pues en medio de esa búsqueda apareció Jane Joyd y su despedida. El proyecto “muere joven dejando tras de sí mucha vida (y música)” (…) “no ha podido ser de otra manera”. Jane Joyd se quedó a las puertas de grabar un elepé que debería cristalizado todo lo apuntado en los dos epés que publicó. Atrás quedan cinco años de carrera en los que la joven coruñesa Elba Fernández trazó una célula folk-pop que sorprendió desde el minuto uno.

Pero ¿quiém es la mujer que hay detrás de este nombre? Elba Fernández comenzó a componer canciones como pasatiempo, sin grandes aspiraciones, pero su folk pop aterciopelado caló hondo entre el público de manera vertiginosa. Jane Joyd encantaron al público indie desde el minuto uno. Cuando se dio a conocer en el festival Muau dejó claro que allí latía algo importante. La artista coruñesa graba una primera demo “Jane Joyd” (2010) con cuatro cortes -The nightmare, Last days, My loneliness y Try try try- en el verano del 2010 en Abrigueiro Estudios (Lugo) a cargo de Arturo Vaquero. Los músicos que acompañan a Elba en la grabación son: Xulio Vázquez (batería, percusiones), Mikelini (contrabajo), Kiko (guitarra eléctrica) y Alejandro González (teclados). 


Más tarde, se coló en la final del Proyecto Demo, el concurso de maquetas del Festival de Benicassim.  "Decidí probar suerte para darle promoción al proyecto pero sin afán de competir". El caso es que se proclama ganadora del certamen organizado por RTVE, Radio 3 y FIB, y como premio tiene la posibilidad de tocar en el Festival de Benicássim en el mes de julio compartiendo cartel con artistas de la talla de Arcade Fire, Portishead o The Strokes. Corría el verano del 2011 y, como suele pasar, el reconocimiento externo hizo que muchos valorasen lo que había aquí, al lado de casa: ni más ni menos que uno de los proyectos más excitantes y emocionantes de la música independiente española.


En 2012 anuncia su fichaje por el sello Origami y el lanzamiento del EP “Shy Little Jane Presents: The Dramatic Tale of Her Animals”. Cuatro nuevas composiciones que sirven como aperitivo a lo que debía ser el lanzamiento de su primer larga duración. Un trabajo elegante que se presenta como cuatro fábulas protagonizadas por otros tantos animales.


Un año después llega su segundo EP: "Shy Little Jane Presents: So Lost in this Bleak Winter Landscape" (Origami, 2013). Un trabajo íntimo y personal armado a base de delicadeza instrumental y la suave voz de Elba. Si en su anterior entrega los protagonistas eran los animales, ahora son los paisajes “irreales, íntimos, los que componen una cama o sus sábanas”.


Con dejes de Cat Power, Janis Joplin, PJ Harvey, Tara Jane O' Neil y Bon Iver, esquivando siempre el fácil paralelismo con Russian Red, Jane Joyd muestra un sonido que la diferencia de otras cantautoras folk españolas que se expresan en inglés, sobre todo por su atmósfera solemne, por la inspiración que ha encontrado en el blues y por una instrumentación ambiciosa que incluye secciones de viento y de cuerda. Además de Xulio, la acompañan Ricardo Rodríguez (violín),  Rosalía Vázquez (violonchelo), Iago Mouriño (piano), Fernando González (trompeta), Julián Rodríguez  (bajo). La música de cine y el pop nórdico de cantautoras como Hanne Hukkelberg, Ane Brun o Jenny Hval han influido en una música que buscaba activar la imaginación del oyente. Voces que, seguramente, encontrarán un espacio en este blog.

Elba afirma en más de una ocasión que elige el inglés como vehículo para transmitir sus emociones por su sonoridad, y que lo que realmente le importa es recoger y guardar los momentos de inspiración, si es posible hacerlo en formato corto, mejor. Prefiere los EP por “su dimensión más personal" y porque las canciones "tienen más protagonismo por sí solas".


Jane Joyd apuestó por la autoedición porque "es libertad a pesar de ser sacrificado" y reconocía que las redes sociales son "una herramienta fantástica para promocionar el proyecto de manera masiva" aunque siempre como un paso previo a la profesionalidad. Elba no olvida que la música sigue siendo una industria que sufre muchos cambios y que debe adaptarse y evolucionar, posicionarse "de forma respetuosa consigo misma, el consumidor y el artista".

En septiembre de este año, Elda Fernández presentó su nuevo proyecto musical: Mordem. Pero esa es otra historia…

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuente http://www.elmundo.es/elmundo/2011/05/22/galicia/1306055185.html


             

domingo, 5 de noviembre de 2017

Fabiano do Nascimento

No sólo de bossa nova vive el hombre.

Esta noche, una vez más, vamos a seguir a la búsqueda de la calma. Los tiempos no han cambiado; incluso, a fuerza de que me tildéis de pesimista, creo que han empeorado. Parece que, como le escuché hace poco al subdirector de El Periódico, cada vez que a la hora de tomar decisiones se puede elegir entre lo malo y lo peor siempre eligen lo peor. Pero estos días no todo han sido noticias desastrosas para la mayoría. También ha habido lágrimas y abrazos sanadores, corazones latiendo en medio de tanto ruido.

Hoy, cuando volvíamos del mercado de Sant Antoni, nos acompañábamos del podcast del viernes pasado, del programa de RNE Cuando los elefantes sueñan con la música. Y allí hemos escuchado por primera vez al guitarrista brasileño Fabiano de Nascimento y a su guitarra de siete cuerdas.


Brasil ha sido siempre una tierra plagada de grandes y revolucionarios guitarristas. Nombres como los de Baden Powell o Toquinho, que también cantaba, han dejado un recuerdo imborrable en los aficionados. Un tesoro al que hay que añadir constantemente nuevas joyas.  La mina está lejos de agotarse. Pero no sólo de “bossa-nova” viven los buenos aficionados a los excitantes sonidos que nos llegan desde hace siglos desde aquella parte del mundo, como demuestra la maravillosa música que produce Fabiano do Nascimento que esta noche quiero compartir con todos vosotros. De él no sabía absolutamente nada más que lo que Carlos Galilea nos ha mostrado esta mañana, así que tenía que empezar a buscar información y a dejarme llevar por las cuerdas de esa guitarra.

Fabiano nació en Río de Janeiro en 1983. Estudió piano clásico y teoría musical cuando era niño. Desde el momento en que tocó sus primeras notas en la guitarra a los doce años, se dedicó a ese instrumento. Fabiano nació en una familia musical, un linaje que se remonta a su bisabuelo Ladario Teixeira un virtuoso saxofonista ciego, quien se convirtió en un saxofonista profesional en Brasil en la década de 1920, (contribuiría pocos años después a que Sidney Bechet fuera uno de los primeros en tocar ese instrumento) y que contribuyó a la creación del instrumento en sí, reinventando el saxofón, agregando más claves a la versión anterior del saxofón "Aldolph Sax". Además, Fabiano estudió en el Conservatorio de Música Brasileira en Río de Janeiro, y con su tío, el fallecido Lucio Nascimento en sus primeros años de adolescencia, se mostró siempre fascinado por la música brasileña y el jazz americano. En 2000, Fabiano dejó Brasil para ir a Los Ángeles, California, donde pronto tuvo gran éxito por su sonido auténtico. Pronto contactó con Pablo Calogero, y el percusionista Tiki Passillas, formando Trioranico, un trío de jazz latino con sabor brasileño, grabando su primer álbum “Triorganico”. Después siguieron su álbum "SUL" con el joven y brillante saxofonista Sam Gendel y “Floresta” con la cantante Mia Doi Todd. La voz de esta mujer se merece un capítulo ella sola en la noche. No tardará en llegar.


En 2015 se da el lanzamiento, a través de Now Again records, de su álbum debut en solitario titulado "Dança dos Tempos" con el legendario percusionista brasileño Airto Moreira, una de las revelaciones más agradables del año.


En su último álbum,  “Tempo Dos Mestres” (Now Again, 2017), este joven guitarrista de Brasil recoge la esencia de la zona del Amazonas de una forma parecida a como lo hicieron en su momento referentes como son Hermeto Pascoal o el mismo Airto Moreira.

Sólo os ofrezco una pieza, pero si necesitáis huir muy lejos, meteos en los 42 minutos del disco.  Cada pieza está guiada por las escurridizas y nostálgicas cuerdas de nilón de la guitarra del autor, aunque a ellas se suman de forma juguetona percusiones, saxo, flauta y unas voces que acercan algunas de las composiciones a la Samba.


Autodidacta en muchos aspectos, a través de intensa investigación y práctica, Nascimento ha desarrollado habilidades excepcionales y es un virtuoso preocupado por el sonido hasta límites insospechados. Por ello incluyó una cuerda más en su guitarra, para dotarla de una sonoridad más pianística, que le permite abarcar una gama mayor de notas en la zona más grave del arco sonoro. A estas capacidades singulares, Fabiano une una formación sólida que pasa también por el conocimiento de los clásicos y por el estudio de las disciplinas como composición y armonía y el manejo de otros instrumentos distintos del que le caracteriza como el piano, por ejemplo.

Sí; hay innumerables brasileños que tocan la guitarra, pero Nascimento mantiene quizás el espíritu pionero de su abuelo a través de su manera de tocar y de composiciones innovadoras y evocadoras. Tal vez en homenaje a Senhor Teixeira, Nascimento presenta al saxofonista que le acompañó en SUL, Sam Gendel, en casi todas sus presentaciones y formaciones. El baterista / percusionista Tiki Pasillas se unirá a Nascimento y Gendel en “Bluewhale”.




Para despedirme quiero compartir este tema. No he descubierto el álbum en el que lo interreta, si es que lo hay; y no toca su guitarra de siete cuerdas, pero es una delicia. Quizás sea un tema tradicional brasileño, no le sé. Quizás alguno de vosotros sabe su origen.


Fabiano do Nascimento es un artista completo con un conocimiento amplio de la música tradicional de su país que, además, utiliza el jazz y las sonoridades contemporáneas para conseguir que avance hacia el futuro. Espero que hayáis cargado las pilas para empezar una semana que se prevé igual de espesa. Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuente

domingo, 15 de octubre de 2017

Canto Gregoriano

Música para encontrar la paz

No estamos en Semana Santa, ya lo sé, momento típico para escuchar gregoriano, pero el ambiente plomizo de las semanas santas de mi infancia está en el aire desde hace días. A la vez, todo tiembla. Reconozco en mí una necesidad de buscar cierto equilibrio interior, un poco de paz. Porque, aunque nos tengamos que agarrar a las paredes para no caernos, la vida diaria, la de las gentes normales y corrientes, continúa.

Sant Pere de Casserres
Ayer fuimos a visitar el monasterio de Sant Pere de Casseres, monasterio benedictino de la comarca d’Osona, muy cerca de Vic. La plana de Vic estaba cubierta por la bruma, hacía fresco, ese fresco húmedo que te cala sin casi darte cuenta. Al llegar al monasterio la sorpresa fue grande. Ante la belleza del lugar, un meandro del Río Ter, el espíritu, embriagado, se dispara. A menudo me parece sorprendente tener tan y tan cerca maravillas como esta y no ser conocedora de su existencia. Ayer aprendí de dónde deriva la palabra siesta, por qué en catalán decimos “fer nones” a ir a dormir y la diferencia entre una abadía y un priorato.

Siendo sincera os diré que allí deseé desaparecer del mundo por unos días, que envidié a quienes tienen la posibilidad de alejarse de todo, desprenderse de todo aunque sea por poco tiempo. Durante la visita hubo pocos momentos de silencio (el respeto es un bien escaso en nuestra sociedad, cada vez más escaso) pero en los pocos en los que lo hubo no me fue difícil imaginar escuchar, salido entre las brumas, ese canto gregoriano que se funde, como en un delirio, en un océano de silencio, de calma...  Música silenciosa, búsqueda de camino. Meditación.

Hay una explicación científica del por qué este tipo de música relaja tanto. El canto gregoriano usa un ritmo similar al de la respiración. Se crea por lo tanto, una armonía entre la frase cantada y la respiración de quien canta, por eso es una música que favorece la meditación y la interiorización de las palabras cantadas, y posee un efecto psicológico y fisiológico muy profundo: la respiración se calma y el latido cardíaco disminuye. En este contexto musical, el individuo puede fácilmente alcanzar un estado de atención y relajación.

Abadía de Solesmes
En el mundo de los amantes del canto gregoriano es conocida la deuda contraída con la Abadía de Solesmes donde, mientras se custodia, se restaura y se difunde tanta documentación de canto gregoriano como en un museo de gran riqueza, continúan los estudios sistemáticos y resuena a diario, al igual que en Silos, el canto vivo de la tradición. En 1837, este antiguo priorato benedictino, ubicado a orillas del río Sarthe, en Francia, es erigido en Abadía. Desde entonces, el significado que adquiere Solesmes para la liturgia romana y para el canto gregoriano en particular, será decisivo para los destinos de este tipo de espiritualidad musical. Su imponente aspecto, dejándose reflejar majestuoso sobre el río, está tan relacionado con el canto gregoriano, que para muchos casi constituye  como su equivalente visual. Centro pues de la restauración de este repertorio musical, enclave único de estudiosos, historiadores, liturgistas, musicólogos, buscadores de Dios que se expresan a través de la alabanza cantada de la manera más exquisita.


Al contrario de lo que muchos de los pocos (qué paradoja) que se acercan al gregoriano creen,  este no es un canto para la liturgia, sino la misma liturgia cantada. Todo cuanto lo constituye corresponde a la plegaria y al servicio del momento ritual específico en cuyo interior se colocan texto y gesto. El gregoriano es el modelo de canto puramente vocal y nadie piense en un arcaísmo, en pobreza o en pauperismo, sino en un proyecto que sostiene una espiritualidad concreta, bien definida por los padres de la Iglesia. No he querido extenderme en ello precisamente por eso, por lo extenso del tema.

El organum por excelencia es el hombre, la persona hecha de corazón, mente y voz. La comunicación personal entre lo divino y lo humano pasa a través de la interpretación coral, un recíproco perderse y reencontrarse, despojado de oropeles. Un aspecto que confiere un gran valor al gregoriano es su variedad y riqueza de formas musicales, derivadas tanto de determinados comportamientos corales inducidos por los ritos, como de verdaderas dimensiones de la plegaria, cuya verdad conserva en su base un valor antropológico. Aquel oyente que, carente de una iniciación litúrgica y de la experiencia personal de una celebración auténtica, con todo su empeño lúdico pero exigente, es capaz de captar el canto gregoriano no sólo desde su exterior, sino desde su más íntima expresión, se ver tentado de leerlo de un modo plano, con el consiguiente riesgo de percibir (aunque inconfesadamente) la "monotonía" de su melodía. Nada más lejos de la realidad. Los matices del gregoriano en cada canto son infinitos y dependen mucho del coro de voces que los interpreta.

La abadía benedictina de Santo Domingo de Silos (Burgos) es uno de los referentes mundiales de la espiritualidad universal que se hizo muy popular en todo el mundo por sus discos de canto gregoriano. Hace tiempo, un amigo me preguntaba con ocasión del éxito mundial que obtuvo el CD del Coro de monjes de Santo Domingo de Silos: "¿Tú crees que este repertorio sirve para aumentar el grado de cultura entre la gente o es sólo un instrumento para vender más discos?". La respuesta era evidente: el canto gregoriano hace "cultura", gracias a él hay una serie de personas que conocemos una "cultura" diferente a la suya. Sólo el que busca y consigue captar su verdadera identidad, por lo menos con su estudio y audición, podrá obtener una valiosa gratificación estética. Los monjes de la Abadía de Silos han contribuido a llenar el catálogo de discos de canto gregoriano con obras intensas y suaves. Particularmente cautivadoras son las frases finales que a menudo parecen difuminarse en la nada, como absorbidas por los muros de piedra que rodean el coro. En la colección gregoriana de Silos, el canto es viril, exacto y estudiado e inevitablemente atractivo. La ornamentación y alargamiento en las notas, producen de inmediato esa gran sensación de paz de la que hablábamos; la paz espiritual que todo hombre alguna vez busca en su interior, dañado por el devenir de la vida diaria. 


La popularidad de estos monjes humildes y sencillos, traspasó nuestras fronteras dando la vuelta al mundo, pero todo volvió a su cauce y la imposición de la moda y las necesidades del mercado y el consumo les hizo caer de nuevo en el olvido. Sin embargo, el canto gregoriano sigue ahí, como lo ha hecho durante siglos, para servirnos de refugio espiritual, independientemente de nuestras tendencias religiosas porque como bien dicen algunos, la espiritualidad, no está reñida con la creencia.

Yo tuve la gran ocasión de escucharlos en directo en la propia abadía. El canto de los monjes de Silos te envuelve, te eleva el espíritu y te infunde una gran serenidad. Como decía Fray Luis de León: el aire se viste de hermosura.


Si habéis llegada hasta aquí, gracias. Sé que esta noche no era fácil hacerlo. Si es así, creo que esta noche podréis dormir un poco mejor. Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuentes
http://www.melomanos.com/la-musica/formas-musicales/el-canto-gregoriano/
http://www.unavocesevilla.com/APUNTESGREGORIANO.pdf

http://chiesa.espresso.repubblica.it/articolo/1350645ffae.html?sp=y&refresh_ce

martes, 19 de septiembre de 2017

Roberto Fonseca

De raza le viene al galgo

La música cubana lleva años prosperando; músicos de toda la isla se han ido presentando en las escenas más famosas del mundo. ¿Cuál es el motivo de su éxito? Quizás porque en la música cubana se evidencia una amplia gama de géneros, variantes y estilos, un crisol que abarca desde los nebulosos orígenes de la isla caribeña hasta el reconocimiento universal del que goza hoy en día. El gran prodigio que supuso Buena Vista Social Club dio lugar a una nueva generación de artistas cubanos en un viaje que teje dentro y fuera de la música tradicional de la isla, recogiendo influencias de jazz, clásicas y afrocubanas a lo largo del camino para crear un musical asombrosamente original paisaje.


Esta noche vamos a pararnos en uno de sus mejores pianistas, Roberto Fonseca, uno de los nombres que merecen una distinción propia. Tanto por su labor como revulsivo con Buena Vista Social Club como por su inolvidable dúo con Omara Portuondo, ha alcanzado una veteranía y una experiencia que lo acreditan como uno de los mejores embajadores de la tradición y la modernidad de las sonoridades afrocubanas. Sin duda una de las estrellas de la multitudinaria escena musical cubana.

Roberto nació en 1975 en La Habana, en el seno de una familia de músicos. Empezó a tocar la batería cuando tenía cuatro años. Su primer concierto profesional lo dio con un conjunto que versionaba temas de los Beatles. A los 8 años se pasó al piano y continuó con este instrumento, asombrando a las multitudes con una actuación en el Festival Internacional de Jazz de La Habana, con apenas 15 años. Su interés desde una edad tan temprana por la percusión influyó claramente en su estilo "percusivo" de tocar el piano. Fonseca recibió parte de su formación musical del Instituto Superior de Arte de Cuba, que cada año recibe a cientos de músicos, cineastas y otros artistas. Los estudiantes de música ISA estudian música clásica y música tradicional cubana, no importa lo que quieran tocar.

Después de graduarse de la universidad con una maestría en composición, se asoció con Javier Zalba para formar el grupo Temperamento una banda que tiene, entre otros, el mérito de haber ensanchando los límites del jazz hecho en Cuba. Con él tiene lugar su debut de 1999 con su larga duración “En el Comienzo” premio al mejor álbum de jazz en el festival Cubadisco. Un disco en solitario, “Tiene Que Ver”, siguió en el mismo año. Después del doble golpe de 2001 con “Elengó” y “No Limit”, se concentró en gira con Buena Vista Social Club y Rubén González, y produciendo discos para Asa Festoon y el difunto Ibrahim Ferrer. En 2007, volvió con “Zamazu”y luego siguió con “Akokan” en 2009, “Live in Marciac” en 2010 y “Yo”, en 2012, LP que va más allá de los límites habituales del jazz afrocubano. 

Después de casi tres años sin grabar en 2015, Fonseca publicó con el sello Jazz Village, “Ayt Home: Live In Marcia” en dúo con la cantante y compositora de Costa de Marfil, Fatoumata Diawara. Al año siguiente, el pianista lanzó “ABUC”, su debut con Impulse Records. El álbum volvió a visitar sus raíces afrocubanas. Entre sus invitados estuvieron Trombone Shorty, el trompetista Manuel "Guajiro" Mirabal, vocalistas Daymé Arocena y Carlos Calunga, y el guitarrista de Buena Vista Social Club, Eliades Ochoa. Sobre este trabajo Fonseca dijo: "Grabé material suficiente para tres álbumes más. Pero fue difícil sacar canciones porque necesitaba estar enfocado en lo que quiero expresar a la gente. Este álbum no se trata de mostrar ninguna habilidad. No se trata del pianista Roberto Fonseca. Se trata de compartir la cultura cubano.

Para conocerlo mejor y entender qué supone Roberto Fonseca, muy significativas son las palabras del propio pianista en una entrevista con Neil Tesser, anfitrión de WFMT Jazz Network."No quiero que la gente me llame solo un músico de jazz o un músico cubano tradicional", dijo "En la escuela solíamos considerar el jazz americano como un punto de referencia. Siempre sentí que mi música sería una fusión de géneros... Me gustaron muchos músicos de jazz, como Herbie Hancock y Keith Jarrett, pero también viejos clásicos americanos de funk y soul".

La familia del pianista rebosaba música por los cuatro costados. Roberto Fonseca Durade, su padre, era percusionista y sus hermanos también tocan. Y no podemos olvidar su estrecha relación con Chuchito y Bebo Valdés, hijos del inimitable pianista cubano Chucho Valdés y estrellas por derecho propio. Además, su madre, Mercedes Cortés, es una conocida cantante de bolero. “A veces, cuando mi mamá cocinaba, ella cantaba boleros, y yo casi estaba en estado de shock porque era tan dulce. El bolero es hermoso, especialmente cuando viene de ella”

Pero lo que es fundamental es el hecho de haber nacido en la isla. "En Cuba se puede encontrar cualquier tipo de música: mariachi, heavy metal, dubstep, o incluso jazz gratis. Usted encontrará todo en Cuba. Digo todo el tiempo que Cuba es una fábrica de música. Es un misterio - es algo mágico que usted encontrará allí en cualquier tipo de música. Es por eso que usted se sentirá influencia clásica, influencia rock, o hip-hop influencia en mi música. Soy un músico de mente abierta”. Algunos de sus compositores clásicos favoritos son Bach, Beethoven, Scriabin, Rachmaninoff, Tchaikovsky y Wagner.

Esa formación clásica casi le hizo dejar de tocar el piano por completo. "El pianista que realmente me gusta es Glenn Gould" afirma con rotundidad. "Cuando estaba en la escuela, mi profesor nos mostró muchos diferentes pianistas clásicos. Un día nos mostró a Glenn Gould. Estaba tan sorprendido cuando escuché sus Variaciones de Goldberg (probablemente las grabaciones de Columbia de 1955) que decidí dejar el piano. Iba a renunciar. Esas piezas son tan difíciles, pero él lo hacía parecer tan fácil” Afortunadamente para los amantes de la música de todo el mundo, Fonseca, finalmente, se aferró al piano.



La música tradicional cubana permite a Fonseca explorar su propia voz y su patrimonio cultural. "La cultura cubana es realmente abierta y realmente enorme", afirmó con rotundidad. "Claro, hay algunas cosas que tienes que tocar para mostrar de dónde vienes. Esas son las reglas. Pero no lo hagas de la misma manera que todo el mundo. Tenemos un montón de géneros como tumbao, changüí, y guajiras. Son hermosos, pero puedes mantenerlas frescos y tratar, a la vez, de encontrar tu propia voz. Eso es lo que estoy tratando de hacer".

La energía que Fonseca aplica a la mezcla de tradiciones es estimulante. Verlo en actuaciones en directo (gracias Youtube) es electrizante. El pianista toca con todo el cuerpo. Entonces, hay que abrir cada poro y dejar que entre el sonido, porque disponer una frecuencia diferente para oírlo sería limitar el acto. Fonseca toca con el cuello, con los labios, con los pies, los brazos, la espalda… La música lo posee y no está muy claro quién ejecuta a quién, quién es instrumento de quién para ser…. De pronto es hombre-teclado, cuerpo-sonido, y crea una atmósfera sólida, contundente, temperamental, irresistible… Tiende un hilo de complicidad y atraviesa con él a quién le escucha.

Os dejo, pues, con este pianista y compositor fabulosamente dotado, un regalo para los oídos que ha podido trascender las fronteras musicales a través de la calidad pura.  Ya me diréis si no tengo razón. 


Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuentes
http://www.sagegateshead.com/event/roberto-fonseca/?tab=0 
https://havana-club.com/es-ww/havana-cultura/roberto-fonseca  
https://www.wfmt.com/2017/07/03/one-classical-album-almost-caused-cuban-musician-roberto-fonseca-quit-playing-piano/ 

domingo, 3 de septiembre de 2017

Irmelin

Como volver a respirar aire limpio

Un mes ha pasado ya desde la última vez que aparecí por mi blog. A punto estaba de rendir un homenaje a mi ciudad, Barcelona, cuando una furgoneta sembró el terror y ahuyentó de mi interior cualquier música. Los acontecimientos que se han sucedido después han llenado el hueco que dejó la música de desaliento y tristeza. Tenía necesidad de huir de aquí, lejos, a buscar otro aliento, otras notas, otras voces.


En mi búsqueda de música y en particular de mujeres que cantan, conocer a Eva Rune, María Misgeld y Karin Ericsson se han convertido para mí en un fabuloso tesoro. Estas tres cantantes femeninas son las componentes de Irmelin, un grupo vocal sueco formado en 1999,  en el Royal College of Music de Estocolmo, por tres estudiantes: Malin Foxdal, Karin EricssonMaría Misgeld. En 2011, Malin Foxdal fue reemplazada por Eva Rune. Sus voces, las de un trío como las del otro, han resultado ser como flores cucurbitáceas que trepan por tu interior, invadiéndolo, desplazando la tristeza.

Sus canciones provienen no solo de la música tradicional escandinava y del Mar del Norte, sino también de la antigua población sueca establecida en Ucrania, donde se conservan los himnos más antiguos de Escandinavia. Los suecos emigraron al Báltico durante cientos de años y hay grupos que han vivido en aislamiento lejos de Suecia, y, por lo tanto, retienen la esencia de sus “visornas” (espectáculos tradicionales), su timbre y su expresión arcaica.También cantan canciones populares de Inglaterra y  gaélicas de Irlanda

Dejarte llevar por sus voces es como vivir un centenar de vidas antes que la propia. Gritos de la gente para la esperanza, la gracia y la oración; himnos ancestrales, canciones de amor. Y también canciones ligeras y elegantes con arreglos personales que sacan a la luz la improvisación y la expresión individual. Con gran pasión cuentan historias de las montañas y los valles profundos. Las canciones antiguas florecen y están marcadas por grupos humanos a través del tiempo.

Las tres son capaces de agarrar cualquier nota de la nada y, de repente, con un juego de ecos, añadir armonías que emulan la experiencia de flotar en las nubes... y clavar las disonancias de tal manera que te mantienen en vilo mientras las escuchas. Los sonidos suaves y limpios que nos ofrecen, nos llevan al infinito verde y azul de los bosques y lagos suecos.

Irmelin se ha presentado en vivo varias veces en la televisión y la radio suecas. Y con frecuencia se presenta en contextos espectaculares, especialmente con sus llamadas polifónicas "kulning”. Son únicas. También ha grabado bandas sonoras para el Teaterhögskolan (Colegio Universitario Sueco de Cine, Radio, Televisión y Teatro) y han trabajado como músicos de teatro en diversos escenarios.

En 2006 lanzaron su álbum debut "Kärligheten" (canciones de amor) y en 2008 vio la luz el segundo álbum, "Gyldene Freden" (La Pieza de Oro). En 2013 lanzaron el tercero, "North Sea Stories" con canciones seleccionadas de la zona del Mar del Norte. Y en 2016, el último, "Swedish Folk Songs", canciones populares suecas. El grupo ha dado conciertos en algunos de los locales más importantes de Suecia. En marzo de 2006 realizó su primera gira internacional a Japón.  En octubre de 2008, Irmelin llevó a cabo una gira por Taiwán ganando el segundo premio en el Taiwan international Contemporary A cappella Festival. El jurado internacional llamó a Irmelin  "el espíritu del canto de capella". Estas tres mujeres también son profesoras experimentadas y ofrecen talleres de canto folclórico, kulning y mouth music.



¿Qué os ha parecido? Espero que, si lo necesitabais, Irmelin os haya ayudado a evadiros de este ambiente cargado en el que nos están sometiendo unos y otros, a sentir cómo las gotas de agua perforan el hielo que se descongela. Ojalá se descongelen nuestros corazones. Porque yo, al menos, hay días que tengo el corazón helado.

            Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

domingo, 6 de agosto de 2017

Tocaoras

Las desheredadas de Paco de Lucía

“La tierra tiene grietas por donde escapa el dolor, aquel que ha sido enterrado injustamente y que busca una manera de hacerse oír. A veces suena a flamenco, grita las penas por bulerías y sangra por la guitarra. Un grito de guerra, una reivindicación. Si la batalla de los gitanos por dejar de ser un pueblo discriminado lleva siglos librándose, son ahora las mujeres las que aúllan para denunciar la doble dificultad —la de su sexo y la de su etnia— para hacerse un hueco en este arte que ya los romaníes practicaban en las fraguas al son del martillo.” En la lucha de las tocaoras por hacerse un hueco en este arte, Noemí López Trujillo en El Español lo define muy bien: el flamenco sangra.


Tocaora, sustantivo común femenino, una palabra que se halla escasísimas veces empleada en la bibliografía  sobre  flamenco,  si  exceptuamos  su  función  adjetiva,  calificando  términos como dinastía, sensibilidad, personalidad, calidad... Esta ausencia responde a  un  hecho  sorprendente.  Si  en  la  historia  y  actualidad  del  flamenco  encontramos  un  elenco imprescindible  y  esencial  de  mujeres  cantaoras,  bailaoras  o  jaleadoras,  de  insólito  podemos calificar  la  casi  total  ausencia  de  mujeres  dedicadas  al  arte  de  la  guitarra  acompañante  o,  más recientemente,  de  concierto.  ¿Por    qué    falsetas,    rasgueos,    acordes...    han    pertenecido    casi exclusivamente al patrimonio masculino? Basta con teclear en internet "mujer tocaora flamenco" para toparse con un foro en el que se plantea la siguiente cuestión: "¿Cuántas guitarristas flamencas conoces?". "Yo no soy machista, pero la guitarra flamenca no pega en una mujer. Las pocas que he visto son flojas tocando, el flamenco necesita mucha fuerza y sangre caliente, y un sentimiento un tanto agresivo que muchas veces una mujer no puede expresar bien", contesta un usuario en el hilo.

Fuerza y sangre caliente que la mujer no puede expresar bien. La tocaora noruega afincada en España Bettine Flater ha comentado en varias ocasiones que, en una de sus primeras clases en Sevilla, un compañero le dijo: "¿Tú sabes que Paco de Lucía ha dicho que las mujeres no tienen fuerza en la mano para tocar la guitarra, no?". Y es que desde que murió el de Algeciras, hace algo más de tres años, algunos cabales dicen que no tiene sustituto y otros se arriesgan y nombran a Tomatito, Niño Josele o Vicente Amigo. Son sólo algunos de los que se barajan porque en España hay muchos tocaores y muy buenos. También algunas tocaoras, pero casi nadie las cita. Antonia, Marta, Caroline o Noa son nombres que no se escuchan cuando se nombra a los posibles herederos de Paco de Lucía.

Pero eso no ha sido siempre así. Desde el siglo XIX y hasta la Guerra Civil, hubo más tocaoras que hoy; incluso algunas de ellas llegaron a ser reconocidas a nivel internacional aunque fueran muy pocas las mujeres que se dedicaran a esta profesión o que llegaran a obtener tanta fama y popularidad como los hombres. A todas les resultó más complejo “hacerse hueco” en este arte ya que desde los comienzos del flamenco, este ha sido considerado un mundo de hombres. 

Adela Cubas (Revista Nuevo Mundo 8-3-1906)
Adela Cubas es un ejemplo. Sus padres no le permitían actuar pero ella consiguió ser profesional ya en 1900. “El deber de entretener”, como lo llama la profesora Eulalia Pablo Lozano en su libro “Mujeres guitarristas”, daba acceso a las “señoritas” a tocar el arpa, el piano o la guitarra para ejercer de perfectas anfitrionas. No para subirse a un escenario o hacer carrera artística. Una mala racha económica hizo cambiar de idea a los padres de Cubas y así fue como la guitarrista mantuvo a su familia interpretando todo tipo de músicas, también flamenco, por toda España. No sólo tocaba, también dirigía espectáculos y los críticos se referían a ella como la “notabilísima” o “celebérrima” guitarrista. Otras de la misma época, como La Antequerana o Anilla la de Ronda, citada por Federico García Lorca en 1922 en el Concurso de Cante Jondo de Granada, tocaban para acompañar su propio cante y también vivían del flamenco. Pero Cubas tenía un gancho especial con el público, en un tiempo y un entorno que Eulalia Pablo define “de hombres, duro y socialmente desprestigiado”.

Estas y otras tocaoras se vieron obligadas constantemente a luchar para que su trabajo sea reconocido, tratando de evitar el machismo que se ha generado culturalmente a lo largo de la historia por el mero hecho de ser mujer. Noelia Heredia, gitana madrileña de 44 años recuerda que hasta la Guerra Civil, la guitarra era un instrumento mayoritariamente de mujeres. "Las gitanas eran tocaoras y, además, fumaban puros. Hay un retroceso brutal". Sus nombres se perdieron en las brumas del tiempo y, quizás también, se enterraron en los años oscuros de una Dictadura que relegaba a la mujer al papel social de un menor de edad. “El modelo de mujer inspirado en la sección femenina hizo que muchas ni se plantearan el espectáculo, menos el flamenco, como medio de vida”, explica Alicia Cifredo, directora de Tocaoras (ver presentación) un documental que investiga la evolución de la mujer en el mundo de la guitarra flamenca a través de la figura de Eloína, una estudiante de baile flamenco y antropología social que, con ayuda de su amiga Carmen, inicia un estudio sobre las mujeres guitarristas flamencas. Su primera sorpresa aparece al conocer que el título en esta especialidad se expedía en Rotterdam cuando aún no existía en España. A partir de aquí, emprende un curioso viaje en el tiempo para localizar a las tocaoras de los dos siglos anteriores. Eloína se apasiona cada vez más al irse encontrando con las mujeres que ejercen profesionalmente este oficio en la actualidad. Ellas le muestran su arte, su disciplina, sus miedos, sus giras, sus compañeros... todo su mundo.


Mujeres entre las cuerdas. Mujeres que deslizaban sus dedos con presteza y maestría desde la prima al bordón. Mujeres guitarristas flamencas como hoy lo son también Antonia Jiménez, Marta Robles, Caroline Planté, Bettina Flater, Noa Drezner... Mujeres con las que tenemos una deuda pendiente.

La primera vez que escuché a Antonia Jiménez fue este verano en el programa Carne Cruda, junto a Marta Robles, la principal compositora del grupo Las Migas. En clase, entre las decenas de niños que aprendían a rasguear la guitarra, ella era la única niña que lo hacía. Y siguió siendo la especial, la distinta, la minoría en un mundo, el del flamenco, que permite que la mujer cante y baile pero no que toque. “No tuve el apoyo de mi padre, tampoco el de mi madre y todos en mi entorno decían que estaba loca”. Con motivo del Festival de Flamenco de Berlín, la tocaora asegura en una entrevista que "en el flamenco hay una mirada muy masculina". "Hacerte un hueco es bastante difícil. Empecé mi carrera profesional con quince años. He tenido que luchar un montón, como todas. Mi caso no es nada especial porque en todos los aspectos de la vida las mujeres siempre tenemos que luchar más. A mí como guitarrista me criticaban mucho, me miraban con lupa". Antonia toca la guitarra desde hace 30 años y es guitarrista de referencia para varias compañías de primer nivel, como la del bailaor Marcos Flores. Aunque apenas se la conoce fuera del flamenco, es un modelo para las que empiezan. 


Cuando Marta Robles fue alejándose de la guitarra clásica para adentrarse en la flamenca se encontró con la misma soledad. ¿Dónde estaban las mujeres? 


Fernando González-Caballos, periodista especializado en flamenco, las puso en contacto. Que tenían que tocar juntas. Fue hace tres años. Desde entonces, estas dos pioneras de la guitarra flamenca se juntan en el escenario con el espectáculo Dos tocaoras pre el Festival Flamenco Diverso el primero con un enfoque de género y LGTBQI dentro de este mundo. Nunca habían trabajado juntas, explican en el programa de Javier Gallego, pero la complicidad al preparar este trabajo fue instantánea, y su esfuerzo de meses vio la luz a finales de junio en un espectáculo sin precedentes. En “Dos tocaoras” reivindican el lugar de las instrumentistas, absoluta minoría tras 170 años de tradición


Noa Drezner,es una de esas tocaoras (¿os habéis fijado cuantas guitarristas extranjeras estamos nombrando?) que han seguido la estela de Antonia Jiménez. “En cuanto llegué a España vi que tocar aquí iba a ser complicado”. Esta mujer de 34 años tañe desde los siete y le choca que siendo esta la cuna del flamenco le cueste tanto a las mujeres hacerse una carrera tocando.


La canadiense Caroline Planté fue la primera mujer en grabar un disco de toque flamenco. Fue en 2010. “hace años me lo decían en Montreal, mira que si fueras tú la primera mujer guitarrista flamenca que graba disco…” dice en la revista digital deflamenco.com Y así fue. Hoy, la niña que eligió la guitarra siguiendo los pasos de su padre, es una de las más reconocidas por la crítica y dirige el Festival de Flamenco de Montreal. Cuando llegó a España ya llevaba 18 años como profesional pero el aterrizaje fue un shock. “Un maestro de Sevilla me dijo que me enseñaría a tocar para concierto, pero no para acompañar baile ni cante porque eso era para los hombres”.


Buscando videos de la canadiense me he encontrado con este corto, una verdadera joya.

 

“La guitarra clásica para las niñas. La guitarra flamenca para los hombres”. Así le respondió su padre a Laura González a mediados de los noventa cuando siendo adolescente le informó de que prefería empuñar la guitarra que dedicarse al baile, faceta junto al cante en la que las mujeres no encuentran tantos impedimentos. González se enfrentó a su familia y consiguió convertirse en una celebrada concertista y profesora de conservatorio. Escuchad esta Guajira, de su disco "De aquí p'alla" (2008), acompañada por José Rojo (2ª guitarra) y Jorge Cano (percusión).


Davinia Ballesteros, la más joven de todas las tocaoras que aparecen aquí, es la que tienen, quizás, una formación más académica de todas. Nació en Málaga en 1982, lugar donde comienza sus estudios de guitarra a los 6 años de edad. Estudió guitarra clásica en el Conservatorio Superior de Música de Málaga con matrícula de honor, Premio de Honor Fin de Grado y es licenciada guitarra flamenca, recibiendo diferentes premios a la largo de su carrera. En la actualidad además de conciertos, da clases de pedagogía y lenguaje musical. 


Acabaremos con Bettina Flater.  Nació en Noruega, pero cuando toca la guitarra suena a rondeña y tangos. Viajó a Sevilla buscando raíces musicales y descubrió que tenía que encontrarlas sólo por dentro. Dice tener complejo de “guiri” en ciertos ambientes flamencos, pero la suya es la historia de una mujer fuerte y valiente, segura de lo que hace. En 2012 editó su primer disco, “Women en Mi”. Pop anglosajón, folclore noruego y guitarra flamenca son las tres patas de su fusión musical.

        
       Una vez más cada claro que debemos seguir luchando para visibilizar la presencia de las mujeres en cualquier ámbito para lograr una igualdad efectiva de derechos y oportunidades entre hombres y mujeres.  
Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב

Fuentes
http://www.elespanol.com/reportajes/20151023/73742681_0.html
http://www.sibetrans.com/trans/public/docs/trans_15_07_Lorenzo.pdf
http://dondeestanlastocaoras.blogspot.com.es/
http://luiszaratan.blogspot.com.es/2017/01/la-mujer-en-la-guitarra-flamenca.html
http://www.elespanol.com/cultura/musica/20160222/104239834_0.html