lunes, 23 de diciembre de 2019

Los coros infantiles inundan la Navidad

Cuando los niños dan la bienvenida a la magia de la Navidad

Las canciones navideñas parecen tener un poco más de peso emocional cuando las cantan los niños. La Navidad es suya. Sus actuaciones son únicas porque ni siquiera tienen que cantar perfectamente para disfrutarlas, aunque acaben siendo increíblemente impresionantes. Esta noche os propongo un viaje de regreso a través de nuestra infancia mientras escuchamos excelentes canciones navideñas interpretadas por coros de niños.


            Empezaremos por One Voice Children's Choir una organización sin ánimo de lucro que brinda a los niños la oportunidad de cultivar el gusto por la música y compartir sus talentos, mientras transmiten un mensaje positivo. La primera canción es Born on Christmas Day de Kristin Chenoweth, en 2015. Esta grabación es especialmente impresionante porque los niños interpretan no solo las voces, sino también toda la orquestación. Parece que los únicos adultos en el grupo son el director y el pianista.


El coro de los Niños Cantores de Viena es ampliamente considerado como uno de los mejores del mundo. Esta grabación del clásico navideño, Sleigh Ride, cuenta con una tremenda orquesta. El excelente entrenamiento que estos niños reciben del programa es evidente por su gran dicción y magníficas armonías.


Libera, conocidos en sus inicios como St. Philip's Boy Choir, y hasta 1997 como Angel Voices, es una organización sin ánimo de lucro registrada en el Reino Unido. Su sonido es impresionante. Los niños de Libera reciben un entrenamiento excepcional, tanto en técnica como en pronunciación. No es común escuchar un coro de niños con tan buena dicción.  Robert Prizeman, director del coro, recluta a miembros de todos los ámbitos y en cualquier lugar. Los niños cobran por su trabajo, pero tampoco tienen que pagar cuotas ni cualquier gasto mientras están de gira. El grupo está financiado por las ventas de sus discos y donaciones privadas.


En la Catedral de Canterbury se han escuchado voces masculinas durante más de mil años. La tradición, cada vez más criticada, de que los coros están generalmente formados por hombres y niños es la causa de esa realidad. Pero en 2014 se hizo historia cuando se creó el Coro de Chicas de la Catedral de Canterbury. Su formación fue ampliamente cubierta por los medios internacionales y apareció en un documentalde la BBC sobre la Catedral. El coro se convirtió rápidamente en líder del panorama de la música coral británica, actuando tanto en servicios y conciertos en la Catedral como en conciertos y grabaciones fuera de ella. Bajo la dirección artística de David Newsholme, las chicas cantan un amplio repertorio de piezas desde sagradas a seculares, serias y divertidas, a menudo presentando sus conciertos, utilizando todo el espacio y la atmósfera de la iglesia o en salas de conciertos.


La letra de Silent Nigth fue escrita por Joseph Mohr, un sacerdote austríaco en el pueblo alpino de Oberndorf en la víspera de Navidad de 1816. Según la leyenda popular, dos años después el órgano del pueblo se descompuso, por lo que el compositor Franz Gruber proporcionó una melodía para guitarra, completada a tiempo para Misa de Navidad a medianoche. Nada supera al Coro de Niños de Viena o al Coro de Santo Tomás de Leipzig, que canta en el alemán original ("Stille Nacht")


Fundado en el siglo XV, The Choir of King's College de Cambridge es, sin duda alguna, uno de los grupos corales más conocidos del mundo. Cada Nochebuena, millones de personas en todo el mundo sintonizan “A Festival of Nine Lessons and Carols “, un servicio que la BBC ha transmitido casi todos los años desde 1928. El sonido del agudo solista que abre el Festival significa el comienzo de la Navidad para muchos millones de personas que escuchan o ven la transmisión en todo el mundo. El texto es del poeta religioso irlandés CF Alexander, quien lo escribió para sus ahijados impíos con la esperanza de mejorar sus mentes y almas. La canción Irby es de Henry Gauntlett, un prolífico escritor y organista victoriano de himnos que también tuvo una carrera como abogado ya que, advirtió su padre, los músicos eran susceptibles a las "tentaciones de la carne". Qué tan acertado estaba…


Mientras que el coro existe principalmente para cantar los servicios diarios en King's College Chapel, su fama mundial y la reputación, mejorada por sus muchas grabaciones, ha dado lugar a invitaciones para actuar en todo el mundo y a un extenso calendario de giras internacionales. Este coro For unto us a child is born, del más que conocido  Mesías de Händel, anuncia el nacimiento de Jesús.

Durante más de tres décadas, los niños del Harlem Boys Choir cantaron Mozart en latín, Bach en alemán y Cole Porter y Stevie Wonder en inglés. La última actuación oficial del coro fue en 2007, cuando falleció su fundador, Walter J. Turnbull, acosado por problemas financieros por y algún escándalo. Para las audiencias que se maravillaban escuchándolos, fue una maravilla adicional saber que los jóvenes artistas con voces de éxito mundial habían surgido de algunos de los barrios más difíciles de Nueva York. Diciembre siempre fue un mes ocupado, ya que el coro recorrió las principales salas de conciertos del país y del extranjero, desde el Alice Tully Hall en Nueva York hasta el Royal Albert Hall en Londres; y apareció en televisión especiales de Navidad. El coro infunde a sus temas todo el poder de la música góspel. Sus voces se ven acentuadas por brillantes músicos de jazz, especialmente su tecladista. Una pena su ausencia.


Ninguna lista de canciones de Navidad para niños podría estar completa sin Christmas Time Is Here, escrita para “A Charlie Brown Christmas” en 1965, cantada por el Elemental Music Children’s Choir, de Virginia. La melodía perdura como una canción perfecta para sentarse frente al fuego.


Acabaremos esta selección “a casa nostra”. Un total de 53 niños y niñas entre 11 y 16 años son la vida del Cor Infantil del Orfeó Catalá. El nivel de exigencia para pertenecer a este coro aumenta en tanto que son los mismos cantantes los que asumen la responsabilidad de asistencia a los ensayos, actividades y conciertos. La actividad concertística del coro incluye los conciertos en el Palau de la Música Catalana, en poblaciones de todo e intercambios con otras formaciones del país y extranjeras que permiten a sus miembros viajar y enriquecerse con otras realidades. El Cor Infantil del Orfeó Catalá, un colectivo diverso y atractivo, es el trampolín que llevará los chicos y chicas de 16 años hacia el Corazón Joven o el Coro de Chicas del Orfeón Catalán. Las siguientes grabaciones no son de muy buena calidad, pero no por ello se deja de percibir el altísimo nivel de las voces.


Una vez más quiero felicitaros la Navidad reivindicando la Música como medio para alcanzar la Libertad y sobrevivir en este universo tan triste. Porque, como un día dijo Jordi Savall, en toda época de crisis la música ha salvado a la gente. Feliz Navidad a todos. 

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć

lunes, 25 de noviembre de 2019

10 Canciones contra la violencia de género


La violencia de género deja heridas visibles e invisibles. El feminicidio es solo la punta de un enorme iceberg de un rampante machismo a escala mundial que avergüenza a cualquier persona decente. En España, los datos siguen siendo espeluznantes. Desde que las víctimas por violencia machista empezaron a contabilizarse en 2003, 1.020 mujeres han muerto a manos de sus parejas o sus exparejas. Hoy mismo, a las 4 de la madrugada, moría la última víctima de lo que va de año (y ya van 52) una joven de 26 años, en Tenerife asesinada por su pareja. La violencia de género es una de las violaciones de los derechos humanos más extendidas, persistentes y devastadoras del mundo actual, a la que se añade además el silencio, la estigmatización y la humillación que a menudo sufren las víctimas. Abanderando esta ignominia, el partido de ultraderecha VOX que la niega.

Todas las formas de arte se han hecho eco de esta lacra social que amenaza la vida de miles de mujeres cada día. Pero si hay alguna que tiene mayor proyección es la música. Muchos artistas han protestado y han querido posicionarse en contra de la violencia machista para ofrecer su apoyo y ánimo a las víctimas a través de sus canciones. Por esta causa y han querido plasmar en sus letras y melodías su repulsa contra las agresiones machistas.

Esta, la noche Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, mi espacio nocturno va dedicado a ello. Todo suma en la concienciación contra esta lacra, y las canciones también juegan su papel.

Precisamente un 25 de noviembre de 2017, Rozalén lanzaba su single: La puerta violeta, un canto contra las agresiones machistas que no tardó en liderar las listas de los temas más escuchados en Spotify.


Rosalía es sin duda, una de las cantantes más influyentes del panorama actual. Por ello y por el referente que supone para las generaciones más jóvenes, que Rosalía lance mensajes de lucha contra la violencia de género en sus letras es de gran importancia. Tal y como explicó ella misma en la promoción de su single, la barcelonesa habla de la toxicidad en las relaciones, de los celos propios y ajenos, y sobre todo, de la violencia y las dinámicas machistas que se reproducen en ocasiones en las relaciones de pareja. Pienso en tu mirá' pone su mirada en el tema de los celos. Todo el álbum “El mal querer” al completo parece ser un alegato contra la normalización de la violencia machista en sus múltiples facetas y sobre el modelo de hombre instaurado en la sociedad.


El grupo Amaral se ha posicionado en muchas ocasiones a lo largo de los años; colaboraron junto a un variado elenco de artistas femeninas en el disco contra los malos tratos “Mujer”, donde interpretaron Media Verónica de Calamaro, y Eva llegó a protagonizar el cortometraje “Flores para Maika” Cortometraje, encarnando a una mujer que era asesinada por su pareja. Salir corriendo formó parte de dicha banda sonora.


El Club de las mujeres muertas es una canción de Víctor Manuel, de su disco “El Perro en el garaje” publicado en 2004 de la cual cedió los derechos de autor al Centro de Atención y Reinserción de Mujeres Maltratadas de Madrid, que iba a cerrar a causa de una reducción en la subvención ministerial que lo financiaba.


De la extremeña Bebe, Malo de su disco debut “Pafuera telarañas” de 2004. “Salió de mí una tarde de verano, y además lo hablo mucho con mi madre porque recuerdo que fue a la primera que se la canté. La hice como en el 2000, aunque el disco salió en 2004. Fue un día que había salido en "Telediario" que habían muerto como cuatro mujeres; era un año súper fuerte de asesinatos” Poco después, su tía fue víctima de feminicidio.

Sin embargo, su postura ante el feminismo es muy polémica

Dolores es un retrato psicológico de una mujer maltratada. La canción es una de las más redondas del grupo Reincidentes: sección de cuerdas, flamenco al final…, una canción importante del repertorio.


El rapero Rayden con su última canción Caza de Pañuelos nos ofrece una declaración contra las agresiones sexuales a las mujeres. "Mira como viste, seguro que lo busca", "pero si no se resiste, seguro que le gusta", son algunas de las frases con las que critica las tan manidas expresiones que continuamente se dirigen a la víctima. Y por ello, ha elegido a mujeres a las que admira del mundo del deporte (Lydia Valentín), de la música (Rozalén, Zahara, Ruth Lorenzo...) o de la interpretación y la televisión (Ana Morgade, Maggie Civantos, Kira Miró, Marta Flich...) para el videoclip.


Melendi también se unió a su denuncia de la violencia de género con el tema Hasta que la muerte nos separe de su álbum “Que el cielo espere sentao” (2005), con un claro mensaje de que todos los malos tratos deben denunciarse y pedir ayuda y que por mínimos que sean deben erradicarse.


Otra de esas canciones que aglutinan un sentir es Bajo el suelo, de Boikot. El mensaje llega, la letra está escrita también por dos mujeres, Paloma Pérez y Luisa Vázquez, y está cantado en femenino; además, los coros de mujer quedan muy bien y es donde creo que llega a tocar la fibra: «Aún sigo viva, aguanté tus golpes / reventando en mis entrañas tu miseria / Y volveré a ver el cielo / y tú estarás diez metros bajo el suelo”.


Para acabar, un canto a la esperanza, al empoderamiento de las víctimas de mano, otra vez, de Rosalía. A ningún hombre consiento / que dicte mi sentencia. A ningún hombre, Cap.11: Poder. Nada más que añadir.



Porque NO es y será siempre NO.
Porque nos queremos libres.
Pero sobre todo nos queremos VIVAS.



Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć


sábado, 19 de octubre de 2019

Amira Medujanin

La voz luminosa, el corazón que late de la música bosnia

La música es un bálsamo, una cura para lo incurable, algo que te ayuda profundamente a sumergirte dentro de ti y salir un poco y caminar por el césped de los sueños tejidos. Y cuando eliges su compañía, cierras los ojos, escuchas y te dejas llevar. Con los ojos cerrados. Para no ver la realidad. La música, sin importar la edad que tengas, todavía cautiva con su belleza y poder. Y sus mensajes universales tienen un impacto positivo en el individuo y en la sociedad en general.

La música de los Balcanes es algo que conocemos más bien poco, por su lejanía y porque son extremadamente diversos, aunque hay algo que les une, ese compás de pulso irregular, algo que, por ejemplo, Bartok supo captar muy bien. 


En julio de este año escuché a la cantante bosnia Amira Medunjanin por primera vez y me dije a mi misma que valdría la pena saber más sobre ella. Pero el verano llevó al saco del olvido esta idea, hasta que ayer, en Sinfonía de la Mañana, el programa de Radio Clásica de Martín Llade, la volvió a poner ante mí.


Hay un sentimiento que en Bosnia permea toda la música, el sevdah. No es fácil encontrar una sola palabra en nuestra lengua que pueda soportar el concepto bosnio de sevdah, aunque el de anhelo quizás se acerque más. Al igual que el duende español, tiene múltiples significados: el amor, el amor sin esperanza, el amor sin fin, el deseo que calienta y frena al amante, como la fiebre, pero al final es una forma de vida y una narrativa que cuenta la historia de sí misma. El sevdah tiene algo de la melancolía eslava, del schwermut alemán, de la saudade del fado


No hay más que darse una vuelta por los medios musicales digitales para entener que, durante su notable carrera musical, Amira Medunjanin se ha ganado los corazones de sus fans por la singularidad de su expresión y su voz emocionalmente hipnotizante. Amira ama el sevdah y transmite su amor por él. Por ello se convirtió en su mensajera y lo exportó de Bosnia, condimentándolo con rock, folk y jazz.

Amira nació en 1972 en Sarajevo, en la antigua Yugoslavia de Tito, cuando la música folclórica yugoslava era omnipresente. No es un dato baladí.
Las canciones sevdah que de pequeña aprendió́ de su madre, esevdalinkefueron para ella las canciones más bellas de todas. Sevdah es amor, y sevdalinka es una forma de describir el alma, dice. Su fascinación por la tradición oral de Bosnia y Herzegovina la llevó a dedicarse a ella, a crear una voz única dentro de sevdalinke, para explorar su capacidad expresiva al máximo y mostrársela al mundo.


Amira había pasado años buscando en vano músicos que compartieran sus ideas sobre el sevdah y la mejor manera de presentarlo. Y poco a poco los fue encontrando. Consigue los colaboradores perfectos para cada uno de sus álbumes, para darle a cada uno el toque necesario para internacionalizarlo.  El año pasado, viajó por gran parte del mundo, desde Taiwán hasta Norteamérica y Canadá, y recientemente, en Zagreb, realizó dos conciertos con entradas agotadas, que el público seguramente recordará siempre. En la escena musical mundial ha entrado definitivamente con su aclamado álbum “Damar”, que fue clasificado en el Transglobal World Music Chart entre los 40 mejores, en 2017.


Pero antes del gran éxito de “Damar”, Amira Medunjanin ya tenía una sólida discografía. La cantante bosnia apareció en el mundo musical, por primera vez, en 2003 en el álbum "A Secret Gate" del grupo Mostar Sevdah Reunion. En la canción Mujo djogu po mejdanu voda se hizo cargo de la parte vocal, causando una gran sensación en la escena internacional de la world music.
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En 2005 publicó su aclamado álbum debut "Rosa", con el sello holandés Snail Records, con el que logró su primer éxito internacional. El álbum fue grabado en Mostar, con un mínimo de medios económicos, en tan sólo cinco días, con un total de 72 horas de estudio, y ahora es considerado un clásico de la música sevdah moderna


Le siguieron, en 2009, "Zumra" (Esperanza), que grabó junto a la acordeonista y compositora bosnia Merima Kljuco, y, el mismo año, "Amira Live", una grabación de su concierto el 9 de noviembre de 2008 en el 12º Festival Internacional de Jazz de Sarajevo. El tercer álbum de estudio de Amira salió a la venta en 2011 bajo el título "Amulette", con el pianista de jazz serbio Bojan Z (Bojan Zulfikarpasic). En 2014 grabó "Silk & Stone".


Así se ha ido consolidando esta aclamada cantante, humanitaria y embajadora mundial de la cultura y la música de su nativa Bosnia-Herzegovina y la región de los Balcanes. “Ascending” ha sido su último trabajo.


Son tiempos convulsos que me provocan una tremenda tristeza y desolación. La guerra de Bosnia dejó heridas aún abiertas en una sociedad de diversidad religiosa y étnica. Me pregunto hasta cuando estarán abiertas las heridas que sangran en nuestra tierra.
Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć


Fuentes

miércoles, 9 de octubre de 2019

Recordando a Joao Gilberto

El alquimista que hizo enmudecer a todo Brasil con su música infinita

Estoy en esa edad en la que empiezo a explorar los límites del mundo, los límites que me quedan por descubrir.  También estoy en la edad de saber que puedo tener o no razón, por lo que soy todo oídos, en silencio, para ver qué puedo aprender. Me zambullo en cada nuevo descubrimiento que lo único que hace es revelarme mi ignorancia, en una espiral sin fin. Cuanto más conozco menos sé. Y pienso: qué poco tiempo me queda para saber un poco de todo lo ignoro. Por eso, quizás, salvo algunas excepciones, dedico más tiempo investigar sobre artistas, intérpretes, músicos, grupos, voces más bien desconocidas (al menos para mí) que me han gustado, impactado, sorprendido… dejando de un lado a aquellos nombres que se pueden encontrar sin dificultad en el Gran Hermano Google. Y por eso, quizás, pasé de largo ante la muerte de Joao Gilberto, el pasado 6 de julio.


Pero esta noche, haciendo un repaso a los 8 años y medio de vida de este blog (hace tiempo que me ronda la cabeza darle la vuelta de arriba a abajo) me he cruzado con la entrada que le dediqué a Garota de Ipanema y me he acordado de él. He pensado que quien desempeñó un papel clave en el desarrollo de la bossa nova a fines de la década de 1950 y principios de los años 60, convirtiéndose en un sonido icónico, en una de las figuras más importantes y queridas de la música brasileña, merece un sitio en este espacio.

Junto con el compositor Antônio Carlos "Tom" Jobim, Gilberto creó un nuevo estilo romántico y reflexivo en el que los ritmos de la samba se mezclaban con las influencias de la escena estadounidense del jazz cool. imbuido de saudade, nostalgia.  Como guitarrista, fue pionero en una nueva técnica que combinaba el toque sincopado de acordes de guitarra acústica con armonías y progresiones de acordes influenciadas por el jazz, mientras que como cantante su estilo era relajado y discreto.

La bossa nova era un estilo nuevo, genial y sofisticado que reflejaba el optimismo de Brasil a principios de los años 60 e inicialmente se hizo popular entre los fanáticos de la música brasileña de clase media y alta. Pronto su popularidad comenzó a extenderse. Junto con otros músicos brasileños destacados, Gilberto apareció en un concierto ahora legendario en el Carnegie Hall, Nueva York, en 1962, y al año siguiente lanzó el álbum “Getz/Gilberto” con el saxofonista estadounidense Stan Getz, que se había sentido fascinado por la bossa nova. El álbum incluía el single Girl from Ipanema, cantado por Astrud Gilberto, con quien Gilberto estaba casado, que fue escrita por Jobim y Moraes mientras se sentaban en un bar frente a la playa de Copocabana en Río, viendo pasar a las chicas. Es aún hoy una de las canciones más famosas de la bossa nova. Vendió más de un millón de copias y consiguió la aclamación internacional.


Fue un logro extraordinario para un músico que inicialmente había luchado por tener éxito y encontrar la aceptación de su música. Pero, ¿Cuál es la historia de Joao Gilberto? Nacido en Juazeiro, en 1931, en el estado de Bahía, el sexto de siete hijos de un rico comerciante comenzó a tocar la guitarra de forma autodidacta a los 14 años, formando una banda mientras aún estaba en la escuela. A los 18 años se mudó a Salvador de Bahía, donde actuó en las ondas de algunas estaciones de radio locales, y al año siguiente a Río, donde formó parte del grupo Garotos de Lua; pero fue despedido porque nunca se podía confiar en que apareciera en los ensayos.

Gilberto se encontró, así, sin trabajo y deprimido, y después de un período de trabajo con un grupo vocal en la ciudad sureña de Porto Alegre, se mudó al estado de Minas Gerais para vivir con su hermana mayor. Allí pasó meses practicando y perfeccionando su nuevo estilo musical.
Recuperado y algo más animado, en 1956 decide regresar a Río. A partir de entonces, su fortuna empieza por fin a cambiar. En 1957 interpretó un disco de  Elizeth Cardoso, “Concao do Amor Demais”, compuesto por Tom Jobin y Vinicius de Moraes. Pero es en 1958 que se escucha por primera vez en la radio el tema que luego daría nombre a su primer álbum titulado “Chega de saudade”. La canción, bálsamo contra la añoranza, había sido grabada primero por Elizeth, pero fue a través del canto sigiloso de João Gilberto y de su toque de guitarra que se convirtió en algo distinto, alumbrando una nueva estética musical. Fue una revolución, aquello no era samba, era algo nuevo. Gilberto comienza, así, su ascenso a la fama. Jobim había quedado impresionado por el nuevo enfoque del artista y comenzó a buscar una canción adecuada para el nuevo estilo bossa nova. Chega de Saudade fue escrita por Jobim, con letra de un tercer héroe del movimiento, Vinicius de Moraes, y se convirtió en el primer éxito de bossa nova.


En 1959, la nueva música tuvo éxito internacional cuando Gilberto y Jobim ayudaron a contribuir  en la banda sonora de la película de culto Orfeu Negro (Orfeo negro), en la que se volvió a contar el mito griego en el marco de un carnaval brasileño.  Ganó un Premio de la Academia a la mejor película en lengua extranjera en 1960, y la Palme D'Or en el festival de cine de Cannes de 1959, ayudado por esa banda sonora que incluía la grabación de Gilberto de A Felicidade.


Estados Unidos comenzó a descubrir una música brasileña nueva, genial y sofisticada, y comenzó el boom de la bossa nova en ese país. Pronto, los músicos de jazz estadounidenses visitarían Brasil para escuchar la nueva música por sí mismos. Siguen otros dos discos, en 1960  O Amor, o Sorriso e a Flor y en 1961 “Joao Gilberto”, también como el primero, con composiciones de Jobim y Moraes, así como otros músicos como Dorival Caymmi, Carlos Lyra y Roberto Menescal.


En 1961, llegó el guitarrista Charlie Byrd, e inevitablemente encontró su camino hacia el "Beco das Garrafas", en Río de Janeiro, donde los músicos de bossa se reúnen y colaboran con músicos de jazz como Sérgio Mendes Byrd regresó a casa emocionado por lo que había escuchado, y a su regreso a los Estados Unidos grabó el álbum con Getz. Se convirtió en un éxito de ventas, permaneciendo en las listas estadounidenses durante 70 semanas, un logro sorprendente para un álbum de jazz. A partir de entones fue inevitable que Gilberto fuera invitado a actuar en los Estados Unidos.


En noviembre de 1962 Gilberto tocó en Nueva York en aquel concierto histórico que también contó con Jobim, Mendes y otros artistas brasileños, incluidos Lyra, Byrd y Getz. Según algunos de los músicos brasileños, el concierto fue un desastre: Lyra afirmó que "solo querían hacer una sesión de grabación en el escenario", pero este fue un evento de alto perfil que ayudó a impulsar la reputación de Gilberto en los Estados Unidos. Y había más éxitos estadounidenses por venir. Por fin mundo se ponía a sus pies.

Los críticos, en sus inicios fueron muy duros con la bossa nova. Como en todos los países existe el purismo y en Brasil no se entendía que eso fuera samba, lo veían como una degradación. Según el libro “A historia e as historias da bossa nova”, el gerente de ventas de la mayor tienda de discos de Río, Álvaro Ramos, exclamó mientras escuchaba los primeros acordes de “Chega de saudade”: “¿Por qué graban cantantes resfriados?”. Luego escuchó a Gilberto entonar “es sólo esto mi baiao, y no tiene más nada no” y la paciencia de Ramos estalló: “¡¿Entonces esta es la mierda que Río nos manda?!”. Acto seguido, quebró el vinilo en la punta de la mesa de reunión. "Es gracioso, pero su canción Desafinado, está dedicada a los críticos que decían que la bossa nova era samba mal cantada" nos apunta Elvira Lindo en la columna de la SER que le dedicó ante la noticia de su muerte. Y es que, como dice la letra de la canción "los desafinados también tienen corazón".


Gracias a la Garota de Ipanema, la bossa nova se había convertido en una nueva moda pop mundial. Y conquistará más audiencias en todo el mundo cuando Frank Sinatra cantará en 1967 una versión en inglés de la canción más famosa de Gilberto. Decía “la voz” que "para cantar tan bien la bossa nova como Joao Gilberto hay que tener poca voz". Era un elogio, porque escucharlo era como ir a una misa, se requería silencio, crear el ambiente propicio para alcanzar la emoción.

Pero en 1964 la escena musical brasileña cambió repentinamente. Un golpe militar puso fin a los años de optimismo, y la imagen tranquila y romántica de Brasil se hizo añicos. Ahora surgirían nuevos estilos, desde canciones de protesta hasta los experimentos del movimiento Tropicália, y los principales músicos Caetano Veloso y Gilberto Gil serían l encarcelados y luego exiliados por las autoridades. Muchas de las estrellas de bossa nova, incluido Gilberto, simplemente decidieron quedarse en los EEUU, donde su música era tan popular. Gilberto permaneció en un exilio autoimpuesto hasta 1980. Hizo más grabaciones con Getz y con Herbie Mann, pasó dos años viviendo en México, donde también grabó, pero pasó gran parte de su tiempo practicando, tocando en privado y reviviendo canciones de antes.

Al regresar a Brasil, comenzó a trabajar con una generación más joven de músicos brasileños, y en 1981 grabó el álbum "Brasil" con Veloso, Gil y Maria Bethânia, quienes consideraban a Gilberto como un héroe de la música brasileña. En una entrevista en 2007, Caetano dijo que escuchó por primera vez a Gilberto cuando tenía 17 años, y fue "como una iluminación para mí. Fue como una increíble revelación de todo, de criterios estéticos y emociones profundas, y, sobre todo, esperanza en Brasil ... esperanza en nuestro futuro y la idea de que teníamos una especie de misión. Todavía creo que João Gilberto es nuestro mejor artista ".


Gilberto continuó girando y grabando, aunque siempre insistió en que la acústica en una sala de conciertos debería ser excelente, y que el público debería permanecer en silencio. En 2001 ganó el Grammy en Los Ángeles con el álbum “Joao: Voz y Violao”. 


Actuó en los Estados Unidos y Europa, y se convirtió en un héroe de culto en Japón, donde había seguidores entusiastas de la bossa nova. Una de sus mejores grabaciones en vivo, “In Tokio”, fue lanzada en 2004.


Con poco interés en dar entrevistas, se le conoció como el "genio solitario" en las calles de Leblón, el barrio en la parte sur donde vivía, pero rara vez se le veía. Era un recluso y un perfeccionista excéntrico, y los músicos brasileños se deleitaban en contar historias sobre él. Lyra lo describió como "un artista fantástico y un hombre muy especial, muy neurótico como todos nosotros, pero probablemente un poco más". Gilberto era muy aficionado a los gatos, y Lyra contaba repetidamente con alegría la historia de cómo uno de sus gatos fue presuntamente impulsado a saltar desde una ventana del octavo piso, enloquecido por la constante repetición de una frase de guitarra de su maestro que no sonaba como él quería. Su hija, la cantante Bebel Gilberto, lo describió así: “Mi padre cambió la música brasileña. A veces lo veía buscando acordes diferentes para los clásicos que ha estado tocando durante 14 años. No puedo creer su obsesión: siempre buscando la perfección, algo que podría ser mejor, una versión en la que nadie había pensado antes ".


La muerte de Gilberto a los 88 años se vio teñida por las peleas judiciales entre sus hijos mayores, Joao Marcelo y Bebel Gilberto (esta última hija de su matrimonio con la cantante Miúcha) y su ex esposa Claudia Faissol. Los primeros dicen que la segunda se aprovechaba de él, tanto de su figura como de su dinero. Como si esto no fuera poco, también tenía problemas con los derechos de su música. Algo que afortunadamente se solucionó en marzo de este año, cuando volvió a conseguir los derechos de sus primeros discos que había vendido en 2016 a un banco por sus deudas. Miúcha, la mujer con la que mantenía un contacto reiterado por teléfono murió en diciembre pasado, haciendo que la vida de Gilberto se volviera tan solitaria como la escenografía de sus shows, contrastando con el sol, las playas y esa imagen turística que se esfuerza en mostrar Brasil. Quebrado, con su familia dividida y solo. Así murió Gilberto. Alejado de las luces y los escenarios en los que se le recuerda
"Fue Joao Gilberto, el genio más grande de la música brasileña, quien tuvo la influencia definitiva en mi música", escribió ante su muerte el cantante Gal Costa en las redes sociales. "Lo extrañaremos, pero su legado es muy importante para Brasil y para el mundo".

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি


Fuentes
https://loff.it/society/efemerides/joao-gilberto-el-alma-de-la-bossa-nova-243209/
https://culto.latercera.com/2018/11/25/1958-bossa-nova/
https://lacarnemagazine.com/joao-gilberto-padre-bossanova/
https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20190707/joao-gilberto-el-revolucionario-tranquilo-de-la-bossa-nova-7543571
https://www.potq.net/noticias/basta-de-saudade-un-adios-a-joao-gilberto/
https://www.todomusica.org/joao_gilberto/
https://www.revistavanityfair.es/cultura/entretenimiento/articulos/joao-gilberto-musico-brasil/39229

martes, 17 de septiembre de 2019

"19 días y 500 noches" cumple 20 años

Cuando la voz de Sabina se volvió lija

            ¿Quién no reconoce entre cualquiera otra la áspera voz de Joaquín Sabina? Una voz de lija que, con toda su aspereza, se dio a conocer un 14 de septiembre de 1999, con su álbum “19 días y 500 noches”. Antes habían visto la luz grandes discos como “Física y química”, “Esta boca es mía”, “Yo, mi, me, conmigo” o “Enemigos íntimos”. Pero con este disco llega el bombazo definitivo. Es Sabina en estado puro, la metáfora perfecta y precisa, la historia de desamor, la alegría de la tristeza, la fiesta y la cocaína y la rumba con el rock&roll. Así que triunfa. Inmediatamente. Y convirtió al artista en mito.


Todo empezó con una ruptura. En el verano del 98, ante lo que parece ser un malentendido con Fito Páez, Sabina decidió poner punto final a los proyectos conjuntos, incluida la gira de sesenta shows que realizarían por España y América latina para presentar "Enemigos íntimos", el disco que grabaron juntos. Resentido y frustrado Sabina se metió en el estudio, prescindiendo de sus productores habituales, y del brazo de Alejo Stivel, ex Tequila, grabaron el disco más largo del de Úbeda y su más profundo trabajo.

En aquel momento, finales de los noventa, eran muy frecuentes las largas noches de juerga en el piso de Joaquín, situado en los alrededores de la madrileña plaza de Tirso de Molina. A una de esas veladas acudió Stivel, quien, al oír cantar al anfitrión entre amigos, desinhibido y con la voz rota le preguntó por qué no cantaba así en los discos. “Le comenté que me gustaba mucho lo que oía, porque ahí, en la intimidad, rodeado de amigos, cantaba desde un lugar muy poco esteticista, muy libre”, explica en el libro “Sol y sombra”, una biografía que el periodista Julio Valdeón publicó en 2017.

Hacía tiempo que  Stivil opinaba que Sabina tenía en los discos un sonido muy procesado, que la voz  del artista y los arreglos instrumentales estaban demasiado modulados y que abusaba del reverb. Así se lo comentó, sin que hubiese una intención oculta, asegura en distintas entrevistas. Y funcionó. “19 días y 500 noches” suena bien, tiene diferentes registros musicales, flirtea con diversos géneros sin que nada chirríe. Resulta más neutro, más asumible por todo tipo de público. 

Sobran los motivos para considerar que “19 días y 500 noches” es la gran obra de Joaquín Sabina. El primero es que él mismo considera ese disco como “el más importante” de su vida, pero hay otra razón fundamental: ese es el álbum que permitió al ubetense desprenderse del "maquillaje" que lo acompañó durante años para mostrar, al desnudo, la voz de lija que hoy se le conoce, esa que dejó en ‘shock’ a su discográfica y a sus seguidores hace ahora veinte años. 

Cuando Carlos López, que en aquel momento era el director de Ariola-BMG, y Paco Martín, el director artístico, escucharon la primera canción del esperado disco se miraron asustados y dijeron: “¡No canta!”, reveló Stivel al periodista Diego Manrique en una entrevista en El País en 2007. Dejando de lado los complejos, Sabina dio vía libre a su voz ronca, a la poesía urbana y a la inspiración de la golfa madrugada de Madrid que le define. Los directivos de la discográfica tuvieron que acostumbrarse, como los propios seguidores del artista, a la nueva voz del maestro.

Aunque lo que realmente importan son las canciones. La colección de grandísimas piezas que hay en "19 días y 500 noches" resulta la clave fundamental. Canciones largas, larguísimas, que confluyen como ríos en un mar intimista en el que bucear. La aparente desnudez que caracteriza todos los temas del álbum es fruto de un exhaustivo trabajo en equipo que exigió muchas horas de laboriosa grabación y mezcla, y una gran dedicación al tratamiento de la voz de Joaquín, carente ya del más tenue maquillaje. Seis meses de grabación, en tres estudios que ya no existen y con unos implicados que nunca más volvieron a trabajar juntos. 

El periodista Juan Puchades en un artículo conmemorando los 15 años de la edición del disco afirma con rotundidad: “Deslumbra la monumentalidad de unos textos que son cumbre de su propio repertorio pero, que, sin dudarlo, están entre lo mejor del cancionero castellano”.


La letra de 19 días y 500 noches, la canción homónima al disco, es una canción redonda, porque es de las que mejor cuenta una historia. El propio Sabina explicó en su día de qué va: “Mis canciones siempre arrancan de un verso. En el caso de 19 días y 500 noches es uno que suele pasar desapercibido, pero que es el más cruel de la canción: “No pido perdón, para qué, si me va a perdonar porque ya no le importa”. Acababan de dejarme y me dije: “¡Tendré que vengarme de ella de alguna manera, tendré que hacerle una canción que la persiga toda la vida!” Y así surgió el tema. Ahora, la hija de puta anda diciendo por ahí que le hice una canción muy bonita. ¿No te jode?”


Con toda la justicia del mundo, esta canción ha quedado como una de las más importantes de su carrera, asentando ya la rumba, en este caso la rumba catalana, como uno de los pilares de su música. En el álbum hay espacio para otra rumba, Cerrado por derribo, igual de trascendente, una estremecedora canción que vendría a ser la parte oscura y más triste que la anterior, conformando las dos caras de una moneda.


El disco también tiene hermosas y cegadoras canciones como Una canción para la Magdalena un homenaje a las prostitutas, compuesta a medias con Pablo Milanés, y Noches de boda en un dúo con Chavela Vargas.


Por su intensidad, por su letra, por su música y por su clima sonoro no puedo dejar de citar Donde habita el olvido. El título proviene, obviamente, del verso de Luis Cernuda, mientras que, según Sabina, la tristeza de A mis cuarenta y diez, una canción demoledora, sincera, atrevida, brutamente autobiográfica por su irremediable drama, se la debe a César Vallejo


Y la otra carta de amor sería Dieguitos y Mafaldas, con la que rinde cuentas a una relación vivida con una joven en Argentina pero que además le sirve de homenaje a aquel país, a la vez que mezcla sonoridades hispanas y porteñas.


Pero no todo es pesimismo en el disco, y prueba de ello es su apertura con Ahora que…, un tema de sonido típico sabinero y con una letra de enamoramiento muy a su estilo, sin exaltaciones, con una armonía más triste que luminosa.


Y si queremos al Sabina más irónico Pero qué hermosas eran y Como te digo una co te digo la o.


Y más de 7.300 días y 500 noches después, las melodías resuenan como una resaca atemporal. “19 días y 500” noches se configura por ser esa obra sin peros. La carta para la posteridad más canalla e intimista de cuantas compuso, entre el whisky y la cocaína, a la que muy pocos pudieron resistirse y que anticipaba el fin del siglo XX y sus maneras.

Joaquín Sabina toca la gloria con “19 días y 500 noches”, vende a toda velocidad un millón de copias, y sigue vendiéndose a día de hoy. Estamos hablando de un clásico incontestable. Su buen amigo, el cantante Miguel Ríos, lo tiene claro: “Debe considerarse obra maestra”. ¿Y luego? Luego vendría el infarto cerebral que lo cambio todo, en agosto de 2001, una catástrofe que le aparta de la noches y las drogas y las amistades peligrosas. Desde su atalaya de la plaza de Tirso de Molina, Joaquín Sabina continúa con su vida, continúa con sus discos, continúa con sus conciertos y sigue haciéndonos felices.

Nadie somos los que éramos en 1999, pero me ha apetecido celebrar el 20 cumpleaños de este disco que llevó a Sabina a las puertas del cielo, para acordarme de la que fui.


Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير . Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト    Buonanotte. לילה טוב.  Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি

Fuentes

http://www.rtve.es/noticias/20190914/19-dias-500-noches-20-anos-del-disco-desnudo-voz-sabina/1979127.shtml?fbclid=IwAR2iogXqvLnmpsZsPQFcY1WKVKnSqL7f90-GoIJUiYiZSuxEv_pm8P9z_qU

https://www.diariojaen.es/cultura/recuerdo-y-gran-homenaje-al-mejor-disco-de-sabina-AY6212442

https://elpais.com/cultura/2019/07/11/actualidad/1562843348_678470.html

https://www.20minutos.es/noticia/3690740/0/joaquin-sabina-veinte-aniversario-19-dias-500-noches-curiosidades/